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23/06/2017

Libros de cine 2017

PUBLICACIONES RECIENTES

La crítica cinematográfica de Ángel Fernández-Santos, de José Antonio Planes Pedreño
Editorial Shangrila

Una opinión bastante extendida sostiene que la crítica cinematográfica, desde hace ya bastantes décadas, está sumida en una profunda recesión. Los factores esgrimidos son muchos y variados: los nuevos ejes teóricos de la Posmodernidad, que menoscaban el régimen evaluativo inherente a la crítica; la irrupción de internet y el decaimiento de la potestad de las otrora voces ‘autorizadas’ frente a la ingente cantidad de opiniones vertidas en el ciberespacio; la marginación de la crítica en las páginas culturales de los diarios Sin embargo, la crítica debe continuar desempeñando las funciones que se presuponen esenciales a su ejercicio: orientar a los aficionados entre la vastísima producción de títulos que se estrenan año tras año. Este libro propone una reflexión de la crítica cinematográfica vehiculada a partir de unos fundamentos estéticos con que edificar juicios y apreciaciones. Particularmente, somete a análisis el paradigma estético de uno de los críticos más prestigiosos del cine español, Ángel Fernández-Santos (1934-2004). Por ello, este libro supone una inmersión en el corpus periodístico que el crítico desarrolla en el medio donde ejerció su actividad profesional, el diario El País, pero también en otras colaboraciones.

Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción, de Santos Zunzunegui
Editorial Cátedra
Estas páginas se ocupan de algunas de las huellas visibles, a un tiempo concretas y alegóricas, que una de las nociones centrales que han organizado nuestro imaginario colectivo a lo largo de los siglos, ha venido dejando en el cuerpo del cinematógrafo. Pensada por la antigüedad clásica como una patología causada por la presencia en el cuerpo humano de la bilis negra, asociada por algunos autores modernos a una tristeza vaga y permanente capaz de suspender cualquier interés del sujeto hacia el mundo exterior, hoy vemos a la “melancolía” como una “auténtica enfermedad cultural”, como una “irremplazable metáfora heurística” (Yves Hersant) para comprender tanto el pasado como los agitados tiempos que vivimos. ¿Debe sorprendernos, por tanto, que la “melancolía” haya encontrado caldo de cultivo preferente en el que ha sido el arte del siglo XX? En este volumen se recogen, desde Europa hasta América sin desdeñar los confines de Bengala o Japón, algunas muestras señeras que adopta el pensamiento fílmico cuando se apropia del citado concepto. Con el fin de mostrar que “cine y melancolía” forman una pareja indisoluble.

PUBLICACIONES 2017

Arte y cine. 120 años de intercambios, de Dominique Païni
Editorial Turner
El Hollywood de los años 20 y los surrealistas, Yves Klein y la nouvelle vague, los impresionistas y el nacimiento del cinematógrafo, Hitchcock y Arroyo, David Lynch… Comisariada por Dominique Païni, Arte y cine. 120 años de intercambios pretende mostrar las relaciones de influencia recíproca entre el arte cinematográfico y el resto de artes visuales, especialmente la pintura del siglo XX. Gracias a las numerosas obras que en ella se recogen, Arte y cine permite recorrer el camino trazado de modo conjunto por las artes clásicas y el cine como representante de la revolución técnico-artística contemporánea, revelando cómo el contacto entre estos dos campos ha permitido su explosión creativa y la apertura de nuevas e imprevistas posibilidades.

Atrapad la vida. Lecciones de cine para escultores del tiempo, de Andréi Tarkovski
Editorial Errata Naturae
Andréi Tarkovski es uno de los grandes cineastas y teóricos de todos los tiempos, y todavía hoy es uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo. En este libro, escrito con un enfoque directo y apasionado, el cineasta rememora sus rodajes, recuerda éxitos y fracasos, desvela secretos, sueños y obsesiones, defiende con ahínco la visión del cine que construyó a lo largo de toda una vida y critica con fiereza tanto la censura del estado soviético como aquella otra, más sutil, de la sociedad de consumo. Tarkovski habla con rabia, pero también con esperanza, y se dirige tanto a los amantes del cine en general como a aquellos que quieren saber cómo se hace, desde dentro y sobre el terreno, una película, pero una película entendida como una obra de arte. Tarkovski (1932-1986) es uno de los grandes directores del séptimo arte y se cuenta entre los intelectuales rusos más universales del siglo XX.

Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción, de Santos Zunzunegui
Editorial Cátedra
Estas páginas se ocupan de algunas de las huellas visibles, a un tiempo concretas y alegóricas, que una de las nociones centrales que han organizado nuestro imaginario colectivo a lo largo de los siglos, ha venido dejando en el cuerpo del cinematógrafo. Pensada por la antigüedad clásica como una patología causada por la presencia en el cuerpo humano de la bilis negra, asociada por algunos autores modernos a una tristeza vaga y permanente capaz de suspender cualquier interés del sujeto hacia el mundo exterior, hoy vemos a la “melancolía” como una “auténtica enfermedad cultural”, como una “irremplazable metáfora heurística” (Yves Hersant) para comprender tanto el pasado como los agitados tiempos que vivimos. ¿Debe sorprendernos, por tanto, que la “melancolía” haya encontrado caldo de cultivo preferente en el que ha sido el arte del siglo XX? En este volumen se recogen, desde Europa hasta América sin desdeñar los confines de Bengala o Japón, algunas muestras señeras que adopta el pensamiento fílmico cuando se apropia del citado concepto. Con el fin de mostrar que “cine y melancolía” forman una pareja indisoluble.

El audiovisual en la era digital. Políticas y estrategias para la diversidad, de Varios Autores
Editorial Cátedra
Uno de los procesos y debates con­temporáneos más trascendentes para el campo de la comunicación y la cultura es cómo proteger y promover, a través de políticas públicas y estrategias público-privadas, la diversidad de los bienes y servicios audio­visuales en un contexto de digitalización creciente de las industrias culturales. Si bien el desarrollo de las tecnologías digitales amplió las posibilidades para la producción, distribución y consumo cultural, no es menos cierto que existen peligros para su diver­si­dad. Por ejemplo, el de la posición do­minan­te que han ido ganan­do cor­po­raciones como Google, Amazon, Facebook o Apple. En este volumen, destacados especialistas de distintas disciplinas reflexionan sobre los retos de la Convención de la UNESCO consagra­da a la diversidad cultural, la go­bernanza global de las industrias culturales digitales y aquellos indi­cadores capaces de dar cuenta de la diversidad en el sector audiovisual.

El cine. Un estudio psicológico, de Hugo Münsterberg
Editorial Ediciones Del Lunar
El director de cine construye un relato audiovisual con recursos análogos a nuestros propios procesos mentales, y por eso Münsterberg, autor del primer estudio psicológico sobre cine, lo concibe como el arte de la mente. Aúna la teoría gestáltica con la experimentación para analizar tanto los procesos mentales por los que percibimos el movimiento y la profundidad, como la incidencia de los procesos de atención, memoria, imaginación y emoción en la experiencia del espectador. Además, describe los recursos, las exigencias y la función del cine, concluyendo que se trata de un nuevo tipo de arte tremendamente atractivo para su estudio psicológico, anticipándose así a muchas de las cuestiones planteadas en la actualidad tanto desde la psicología como desde la teoría y la técnica cinematográfica.

Filmish, de Edward Ross
Editorial Reservoir Books
Filmish es un ensayo alucinante que se sirve del lenguaje del cómic para explicar con claridad cómo funciona el séptimo arte, señalar a cuántos niveles opera y articular por qué el cine es el medio creativo por excelencia de la modernidad. Este libro es un viaje apasionante por la historia del cine en siete capítulos temáticos. Un original ensayo gráfico que sirve para iluminar las ideas que se esconden detrás de nuestras películas favoritas. El alter ego dibujado del autor, Edward Ross, nos presenta en cada capítulo un tema particular -como el cuerpo, la arquitectura, el lenguaje- y examina para ello una muestra ecléctica de hitos cinematográficos, de Ciudadano Kane a La jungla de cristal, del Viaje a la luna a Inception, y más allá. Ningún aspecto escapa a su lúcido análisis: la censura, el diseño de decorados, la raza y la hegemonía, la propaganda, la sexualidad, etc.

La crisis de los medios, de Peter Watkins
Editorial Pepitas de Calabaza
La crisis de los medios es un certero aviso de la amenaza ya no inminente, sino omnipresente, del totalitarismo audiovisual, de la implacable y empobrecedora homogenización de las narrativas audiovisuales bajo un mismo paradigma narrativo, que margina toda propuesta que no se adapte a este y neutraliza todo desafío por medio de su infiltración formal en cualquier obra que se pretenda ingenuamente contestataria. No es este un texto solamente para especialistas del sector, si no una lúcida disección -para uso y disfrute de todos los públicos- de cómo se fabrica el omnipresente discurso audiovisual.

La crítica cinematográfica de Ángel Fernández-Santos, de José Antonio Planes Pedreño
Editorial Shangrila

Una opinión bastante extendida sostiene que la crítica cinematográfica, desde hace ya bastantes décadas, está sumida en una profunda recesión. Los factores esgrimidos son muchos y variados: los nuevos ejes teóricos de la Posmodernidad, que menoscaban el régimen evaluativo inherente a la crítica; la irrupción de internet y el decaimiento de la potestad de las otrora voces ‘autorizadas’ frente a la ingente cantidad de opiniones vertidas en el ciberespacio; la marginación de la crítica en las páginas culturales de los diarios Sin embargo, la crítica debe continuar desempeñando las funciones que se presuponen esenciales a su ejercicio: orientar a los aficionados entre la vastísima producción de títulos que se estrenan año tras año. Este libro propone una reflexión de la crítica cinematográfica vehiculada a partir de unos fundamentos estéticos con que edificar juicios y apreciaciones. Particularmente, somete a análisis el paradigma estético de uno de los críticos más prestigiosos del cine español, Ángel Fernández-Santos (1934-2004). Por ello, este libro supone una inmersión en el corpus periodístico que el crítico desarrolla en el medio donde ejerció su actividad profesional, el diario El País, pero también en otras colaboraciones.

Leni Riefenstahl, de Jose Manuel García Roig
Editorial Cátedra
Leni Riefenstahl (1902-2003), realizadora entre otras películas de La luz azul, de los films sobre los Congresos del Partido Nacionalsocialista, Victoria de la fe y El triunfo de la voluntad, además de Olympia, considerado el mejor documen­tal sobre deporte de la historia del cine, rebasa en su trayectoria vital el mero marco de la autoría cinematográfica para desplegarse en otros muchos ámbitos de la actividad artística. Bailarina excepcional, actriz en películas de montaña (Bergsfilms), guionista, productora y fotógrafa, este estudio sobre su obra recoge no solo un análisis exhaustivo de sus ocho películas como actriz y de sus siete films como directora, sino también documentos inéditos en España de su rela­ción con Hollywood, así como del proyecto de construcción de un gran complejo cinematográfico destinado a la futura y exclusiva labor de la directora, no mencionado por ella en sus memorias y que, auspiciado por Adolf Hitler y otros jerarcas nazis en 1939, se frustró con el estallido y posterior desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.

Mi vida en rojo Kubrick, de Simon Roy
Editorial Alpha Decay
El número 42 aparece obsesivamente a lo largo de todo el metraje de El resplandor (1980), la terrorífica película de Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King, y 42 son las ocasiones en que Roy asegura haber visto el filme. Roy no puede quitarse El resplandor de la cabeza. ¿Por qué nos fascinan ciertas cosas hasta el punto de consagrar buena parte de nuestra vida al estudio sistemático de un hecho concreto? Esta es la pregunta que se hizo Roy, un humilde profesor de literatura en un instituto de Quebec, durante los días en que duró una huelga estudiantil que le obligó a estar varias jornadas sin trabajar. El desarrollo de la respuesta llegó en forma de libro: él también iba a consagrar sus días a profundizar en su propia obsesión; empezaría a estudiar a fondo el filme de Kubrick.

Neil Jordan, de Jordi Ardid y Marta Giráldez
Editorial Cátedra
Neil Jordan es quizás el cineasta irlandés más relevante de su generación. Con más de treinta años de carrera, Jordan posee una extensa filmografía que abarca los más diversos géneros, del “fantastique” al “thriller“, pasando por la tragicomedia y el melodrama, sin que por ello se pierdan unas señas de identidad en las que se mezclan aspectos como la identidad y la historia irlandesa, la ambigüedad sexual o la violencia soterrada. A medio camino entre el cine independiente y el fasto hollywoodiense, Neil Jordan es un realizador con una cosmogonía propia no solo por la visión personal que subyace en cada una de sus historias, sino también porque nos permite vislumbrar el complejo equilibrio entre el cine de su Irlanda natal y las obligaciones adquiridas al filmar en los Estados Unidos. En el presente volumen se recorre toda su obra fílmica, tanto cinematográfica como televisiva, e incluye un anexo dedicado a su faceta de novelista; con ello se pretende dar una visión global de un artista que reclamaba merecer por fin un estudio completo en lengua castellana.

Pasados citados por Jean-Luc Godard, de Georges Didi-Huberman
Editorial Shangrila
Las historias del cine de Jean-Luc Godard son un despliegue de citas (de imágenes, textos y sonidos) ensambladas, intervenidas y ancladas en el arte del montaje, esa vía regia ambivalente entre el síntoma y la síntesis, el hallazgo fortuito y el axioma. Citar es citar a comparecer, a rendir cuentas ante el presente de la historia. Es romper el acto de interlocución para que brote el géiser de los significados imprevistos, es desmontar y reencuadrar para ver lo que no se ha visto, para remontar lo que se montó sin ver. Godard: el trauma y la culpa de que el cine haya ignorado el Holocausto, la proyección de esa cuenta pendiente con el horror contemporáneo (el conflicto palestino-israelí), la revuelta obstinada contra el origen (el maoísmo radical del Mato Francés contra la familia antisemita en tiempos de guerra). Godard: la oscilación entre la puesta en poema y la puesta en fórmula , la exploración y eld ogma, la huella de la historia y la imagen de marca, el instante frágil e impuro y la verdad decretada sin matices. Godard frente a Pasolini, su gemelo en las antípodas. Godard: cirujano infatigable y altivo profeta, desmontado por Georges Didi-Huberman.

Posnarrativo. El cien más allá de la narración, de Horacio Muñoz Fernández
Editorial Shangrila
El cine posnarrativo está más allá de la narración, después de las historias. El cine posnarrativo ha dejado atrás la cuestión de cómo contar una historia después de haber visto y leído todas las historias, nos descubre que más allá de las historias existen espacios de sentido, de visualidad, de temporalidad y de gestualidad que solo aparecen en la imagen cuando el cine se libera de las constricciones narrativas, primando el espacio, el tiempo y el cuerpo. El cine más allá de la narración nos muestra realidades, sensaciones y emociones que están más allá de lo textual y lo conceptual, un cine donde la verdad, la emoción y la profundidad están en la imagen y no en la narrativa. La narración se sigue manteniendo como obligación o expectativa para gran parte del público y la crítica cinematográfica, aunque los cineastas después de las historias mantienen con ella una relación de negación, de discrepancia, de liberación o de ausencia. Sin embargo, preguntarnos que es posnarrativo sería tan desacertado como preguntarse hoy día que es arte y que no, o que el cine y que no, porque lo que ha desaparecido es un límite que apunte a una esencia