Libros de cine 2017

PUBLICACIONES RECIENTES

Cuaderno de los sesenta. Escritos 1958-2010, de Jonas Mekas
Editorial Caja Negra
Si pocas veces en la historia ha habido una usina cultural como la Nueva York de los años sesenta, menos frecuentes aún son las figuras que han sabido hacerle frente a semejante torrente de creación para interpretarlo en toda su magnitud. Una de esas raras excepciones es Jonas Mekas (Lituania, 1922), quien compuso lentamente, texto a texto y casi sin darse cuenta, una de las genealogías más profundas y exhaustivas de la irrupción renovadora del arte y su repercusión en todas las esferas de la vida social de la segunda mitad del siglo XX. Cuaderno de los sesenta. Escritos 1958-2010 es una selección de ese vasto corpus crítico que puede ser leído al mismo tiempo como un manual de contraperiodismo y como un manifiesto poético confeccionado sobre la marcha a partir de una constelación ecléctica de artistas revolucionarios que incluye, entre otros, a Andy Warhol, John Cage, Pier Paolo Pasolini, Susan Sontag, John Lennon y Yoko Ono, William S. Burroughs, Jack Smith, Hermann Nitsch y Maya Deren.

PUBLICACIONES 2017

Al cine le gusto yo, de Carlos Rodrigues Hoyos
Editorial Laertes
¿Qué dispositivos actúan en la movilización de nuestros objetos de deseo? ¿Cómo influye el cine en nuestra forma de actuar, en el modo en que besamos? ¿Qué tienen en común Kárate a muerte en Bangkok, Casablanca y Coffy? Este libro trata de dar respuesta a esas y otras cuestiones, analizando cuáles son las relaciones existentes entre el cine, el cambio personal y la educación. A través de sus páginas, dibuja un itinerario que pretende ayudar al lector a comprender cómo influye el cine en la creación de su subjetividad y, por tanto, cómo cambia a través del contacto con ese medio. El cine nos transforma y este texto trata de iluminar cómo aprovechar una de las potencialidades intrínsecas y menos estudiadas de ese medio, su capacidad para provocar cambios personales, psicológicos, sociales y políticos. ¿Y qué tipo de cine puede llegar a movilizar esos cambios? Cualquiera, desde las películas que unánimemente han sido consideradas obras maestras a filmes de serie B. Por eso, en este libro se realiza un desenfadado y abierto análisis del medio, un divertido acercamiento al séptimo arte carente de prejuicios en el pretende reconocerse la influencia que cualquier tipo de película puede tener en lo que somos. En definitiva, este es un libro pensado para cultos y pervertidos, para aquellas personas que disfrutan del medio sin complejos.

Algunos mensajes personales. ¡Abrid las puertas de las prisiones!, de Pierre Clémenti
Editorial Pepitas de Calabaza
Tras un montaje policial, el actor Pierre Clémenti uno de los iconos de la rebelión juvenil de los años sesenta y setenta- fue encarcelado en italia acusado de posesión de drogas, en lo que no fue sino un intento más de destruir su alma a través del encierro de su cuerpo. Y fruto del encierro nace este texto en el que Clémenti, con gran lucidez, convierte su caso particular en una denuncia sin fisuras de la sociedad carcelaria, haciendo pública la suerte que corren los presos tras los muros. Una suerte que es inseparable de la del resto de la sociedad. además de un conciso alegato contra la prisión, este texto es una magnífica exposición de la filosofía vital de Clémenti y de su trabajo en la industria del espectáculo. Se completa este volumen con una filmografía del autor en su doble faceta de actor y director, con un listado de su trabajos teatrales, con una introducción de su traductor Diego Luis Sanromán y con un prólogo y un epílogo del hijo de Pierre.

Andréi Tarkovski. Vida y obra / Las ruinas de la Historia / Dirigido por Andréi Tarkovski / Una noche de verano sueco, de Víctor Erice; Erland Josephson; Michal Lesczcylowski; Rafael Llano
Editorial Mishkin
Andréi Tarkovski. Vida y obra, de R. Llano, con Prólogo y Estudio introductorio de Víctor Erice, fue publicada por la Filmoteca de la Generalidad de Valencia, en 2003; y reeditada en 2006. Ganó el Premio a la Mejor contribución Literaria al Cine, 2003, del Círculo de Escritores Cinematográficos. La nueva edición se ofrece con un texto dramático del actor sueco Erland Josephson, sobre las noches de rodaje de la película Sacrificio, en Suecia; y un texto de presentación de la misma, que el actor sueco pronunció en un Curso de Verano en El Escorial, en 2004. La edición se completa con un documental, en soporte DVD, sobre el rodaje de Sacrificio, dirigido por el montador polaco Michal Lesczcylovski.

Arte y cine. 120 años de intercambios, de Dominique Païni
Editorial Turner
El Hollywood de los años 20 y los surrealistas, Yves Klein y la nouvelle vague, los impresionistas y el nacimiento del cinematógrafo, Hitchcock y Arroyo, David Lynch… Comisariada por Dominique Païni, Arte y cine. 120 años de intercambios pretende mostrar las relaciones de influencia recíproca entre el arte cinematográfico y el resto de artes visuales, especialmente la pintura del siglo XX. Gracias a las numerosas obras que en ella se recogen, Arte y cine permite recorrer el camino trazado de modo conjunto por las artes clásicas y el cine como representante de la revolución técnico-artística contemporánea, revelando cómo el contacto entre estos dos campos ha permitido su explosión creativa y la apertura de nuevas e imprevistas posibilidades.

Atrapad la vida. Lecciones de cine para escultores del tiempo, de Andréi Tarkovski
Editorial Errata Naturae
Andréi Tarkovski es uno de los grandes cineastas y teóricos de todos los tiempos, y todavía hoy es uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo. En este libro, escrito con un enfoque directo y apasionado, el cineasta rememora sus rodajes, recuerda éxitos y fracasos, desvela secretos, sueños y obsesiones, defiende con ahínco la visión del cine que construyó a lo largo de toda una vida y critica con fiereza tanto la censura del estado soviético como aquella otra, más sutil, de la sociedad de consumo. Tarkovski habla con rabia, pero también con esperanza, y se dirige tanto a los amantes del cine en general como a aquellos que quieren saber cómo se hace, desde dentro y sobre el terreno, una película, pero una película entendida como una obra de arte. Tarkovski (1932-1986) es uno de los grandes directores del séptimo arte y se cuenta entre los intelectuales rusos más universales del siglo XX.

Bajo el signo de la melancolía. Cine, desencanto y aflicción, de Santos Zunzunegui
Editorial Cátedra
Estas páginas se ocupan de algunas de las huellas visibles, a un tiempo concretas y alegóricas, que una de las nociones centrales que han organizado nuestro imaginario colectivo a lo largo de los siglos, ha venido dejando en el cuerpo del cinematógrafo. Pensada por la antigüedad clásica como una patología causada por la presencia en el cuerpo humano de la bilis negra, asociada por algunos autores modernos a una tristeza vaga y permanente capaz de suspender cualquier interés del sujeto hacia el mundo exterior, hoy vemos a la “melancolía” como una “auténtica enfermedad cultural”, como una “irremplazable metáfora heurística” (Yves Hersant) para comprender tanto el pasado como los agitados tiempos que vivimos. ¿Debe sorprendernos, por tanto, que la “melancolía” haya encontrado caldo de cultivo preferente en el que ha sido el arte del siglo XX? En este volumen se recogen, desde Europa hasta América sin desdeñar los confines de Bengala o Japón, algunas muestras señeras que adopta el pensamiento fílmico cuando se apropia del citado concepto. Con el fin de mostrar que “cine y melancolía” forman una pareja indisoluble.

Bernardo Bertolucci, de Enric Alberich
Editorial Cátedra
Hijo de la “nouvelle vague” , del marxismo y del psicoanálisis, pero también de Cocteau, de Renoir o de la poesía más temperamental y romántica, Bernardo Bertolucci supo procesar sus muchas influencias, asumir sus contradicciones y consolidar un estilo propio, convirtiéndose en uno de los grandes directores del panorama internacional y en uno de los indiscutibles estandartes del llamado cine de la modernidad. Antiguo exponente de una asombrosa precocidad fílmica que le llevó a rodar varios títulos de culto a lo largo de los años sesenta, el enorme impacto suscitado por El último tango en París popularizó su figura y facilitó su progresiva conversión en un cineasta internacional, en un camino que le llevaría desde la bella y monumental Novecento hasta la ambiciosa El cielo protector, pasando por la oscarizada El último emperador. En tiempos más recientes el autor ha retornado a un cine más estrictamente intimista, preservando la seducción de su persuasivo y elegante estilo visual y su proverbial capacidad para generar imágenes perdurables.

Clarence Brown, de Carmen Guiralt
Editorial Cátedra
Clarence Brown es uno de los grandes cineastas olvidados del Hollywood clásico. Meramente conocido como el “director favorito de Greta Garbo” , porque guió a la estrella sueca en más ocasiones que ningún otro -siete en total-, incluyendo los “clásicosFlesh and the Devil (1926) y Anna Karenina (1935), también fue el realizador que más veces dirigió a Joan Crawford y Clark Gable. Ahora bien, su producción íntegra es mucho más rica y compleja que su vinculación con el “star system” de Metro-Goldwyn-Mayer. De hecho, comenzó su carrera en 1915, de la mano del reputado director pictorialista francés Maurice Tourneur, y en los años 30 y 40 se especializó en el género Americana. Estos temas y muchos otros son abordados en la presente monografía, la primera publicada sobre Clarence Brown a nivel mundial, en la que se procede a un análisis exhaustivo de su filmografía completa, profundizando en todas sus etapas y múltiples facetas creativas.

Cuaderno de los sesenta. Escritos 1958-2010, de Jonas Mekas
Editorial Caja Negra
Si pocas veces en la historia ha habido una usina cultural como la Nueva York de los años sesenta, menos frecuentes aún son las figuras que han sabido hacerle frente a semejante torrente de creación para interpretarlo en toda su magnitud. Una de esas raras excepciones es Jonas Mekas (Lituania, 1922), quien compuso lentamente, texto a texto y casi sin darse cuenta, una de las genealogías más profundas y exhaustivas de la irrupción renovadora del arte y su repercusión en todas las esferas de la vida social de la segunda mitad del siglo XX. Cuaderno de los sesenta. Escritos 1958-2010 es una selección de ese vasto corpus crítico que puede ser leído al mismo tiempo como un manual de contraperiodismo y como un manifiesto poético confeccionado sobre la marcha a partir de una constelación ecléctica de artistas revolucionarios que incluye, entre otros, a Andy Warhol, John Cage, Pier Paolo Pasolini, Susan Sontag, John Lennon y Yoko Ono, William S. Burroughs, Jack Smith, Hermann Nitsch y Maya Deren.

David Lynch. El hombre de otro lugar, de Dennis Lim
Editorial Alpha Decay
En este libro, Dennis Lim se propone facilitar las cosas a quien, interesado por David Lynch, no haya sido capaz de comprender todavía en qué consiste su lenguaje, sus intenciones y sus méritos. De manera inteligente y concisa, Lim propone acercarnos a Lynch desde diferentes ángulos, ya sean la posmodernidad o el surrealismo, la ética o la religión “la fractura entre el bien y el mal que está en todas sus películas“, para sacar algunas cuestiones a la luz y aclarar ideas y conceptos que muchas veces habían resultado confusos o laberínticos. Posiblemente, éste es el mejor ensayo para comprender, de una vez por todas, qué pasa por la cabeza de uno de los directores de cine más relevantes de nuestro tiempo.

El audiovisual en la era digital. Políticas y estrategias para la diversidad, de Varios Autores
Editorial Cátedra
Uno de los procesos y debates con­temporáneos más trascendentes para el campo de la comunicación y la cultura es cómo proteger y promover, a través de políticas públicas y estrategias público-privadas, la diversidad de los bienes y servicios audio­visuales en un contexto de digitalización creciente de las industrias culturales. Si bien el desarrollo de las tecnologías digitales amplió las posibilidades para la producción, distribución y consumo cultural, no es menos cierto que existen peligros para su diver­si­dad. Por ejemplo, el de la posición do­minan­te que han ido ganan­do cor­po­raciones como Google, Amazon, Facebook o Apple. En este volumen, destacados especialistas de distintas disciplinas reflexionan sobre los retos de la Convención de la UNESCO consagra­da a la diversidad cultural, la go­bernanza global de las industrias culturales digitales y aquellos indi­cadores capaces de dar cuenta de la diversidad en el sector audiovisual.

El cine. Un estudio psicológico, de Hugo Münsterberg
Editorial Ediciones Del Lunar
El director de cine construye un relato audiovisual con recursos análogos a nuestros propios procesos mentales, y por eso Münsterberg, autor del primer estudio psicológico sobre cine, lo concibe como el arte de la mente. Aúna la teoría gestáltica con la experimentación para analizar tanto los procesos mentales por los que percibimos el movimiento y la profundidad, como la incidencia de los procesos de atención, memoria, imaginación y emoción en la experiencia del espectador. Además, describe los recursos, las exigencias y la función del cine, concluyendo que se trata de un nuevo tipo de arte tremendamente atractivo para su estudio psicológico, anticipándose así a muchas de las cuestiones planteadas en la actualidad tanto desde la psicología como desde la teoría y la técnica cinematográfica.

El otro Bigas Luna. La seducción de lo tangible, de Raquel Medina Bañón
Editorial Ediciones Invisibles
El otro Bigas Luna muestra el amplio repertorio de actividades artísticas que cultivó el famoso cineasta a lo largo de toda su trayectoria al margen de su labor cinematográfica. Una visión de conjunto que resulta imprescindible para entender su verdadera dimensión creativa.

Es todo cierto, de Varios autores
Editorial Museo Nacional Reina Sofía
Catálogo de la exposición “Bruce Conner. Es todo cierto” que se celebra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (21 de febrero – 22 de mayo de 2017). Bruce Conner es uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, la primera que presenta su trabajo en nuestro país, reúne más de 250 obras que abarcan los cincuenta años de su trayectoria. La obra de Conner surge en la escena artística de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes técnicas y, a menudo, creando piezas híbridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado.

Éxtasis y yo, de Hedy Lamarr
Editorial Notorious
Hedy Lamarr fue una de las más grandes estrellas del cine clásico y una de las mujeres más bellas y fascinantes de todo el siglo XX. De origen vienés, vivió una vida realmente intensa. Inventora además de actriz, fue la primera que apareció desnuda en una película y se casó con un fabricante de armas vinculado con los nazis. Durante la Segunda Guerra Mundial desarrolló un sistema de encriptación de misiles que ha dado lugar al sistema WI-FI.

Filmish, de Edward Ross
Editorial Reservoir Books
Filmish es un ensayo alucinante que se sirve del lenguaje del cómic para explicar con claridad cómo funciona el séptimo arte, señalar a cuántos niveles opera y articular por qué el cine es el medio creativo por excelencia de la modernidad. Este libro es un viaje apasionante por la historia del cine en siete capítulos temáticos. Un original ensayo gráfico que sirve para iluminar las ideas que se esconden detrás de nuestras películas favoritas. El alter ego dibujado del autor, Edward Ross, nos presenta en cada capítulo un tema particular -como el cuerpo, la arquitectura, el lenguaje- y examina para ello una muestra ecléctica de hitos cinematográficos, de Ciudadano Kane a La jungla de cristal, del Viaje a la luna a Inception, y más allá. Ningún aspecto escapa a su lúcido análisis: la censura, el diseño de decorados, la raza y la hegemonía, la propaganda, la sexualidad, etc.

La crisis de los medios, de Peter Watkins
Editorial Pepitas de Calabaza
La crisis de los medios es un certero aviso de la amenaza ya no inminente, sino omnipresente, del totalitarismo audiovisual, de la implacable y empobrecedora homogenización de las narrativas audiovisuales bajo un mismo paradigma narrativo, que margina toda propuesta que no se adapte a este y neutraliza todo desafío por medio de su infiltración formal en cualquier obra que se pretenda ingenuamente contestataria. No es este un texto solamente para especialistas del sector, si no una lúcida disección -para uso y disfrute de todos los públicos- de cómo se fabrica el omnipresente discurso audiovisual.

La crítica cinematográfica de Ángel Fernández-Santos, de José Antonio Planes Pedreño
Editorial Shangrila

Una opinión bastante extendida sostiene que la crítica cinematográfica, desde hace ya bastantes décadas, está sumida en una profunda recesión. Los factores esgrimidos son muchos y variados: los nuevos ejes teóricos de la Posmodernidad, que menoscaban el régimen evaluativo inherente a la crítica; la irrupción de internet y el decaimiento de la potestad de las otrora voces ‘autorizadas’ frente a la ingente cantidad de opiniones vertidas en el ciberespacio; la marginación de la crítica en las páginas culturales de los diarios Sin embargo, la crítica debe continuar desempeñando las funciones que se presuponen esenciales a su ejercicio: orientar a los aficionados entre la vastísima producción de títulos que se estrenan año tras año. Este libro propone una reflexión de la crítica cinematográfica vehiculada a partir de unos fundamentos estéticos con que edificar juicios y apreciaciones. Particularmente, somete a análisis el paradigma estético de uno de los críticos más prestigiosos del cine español, Ángel Fernández-Santos (1934-2004). Por ello, este libro supone una inmersión en el corpus periodístico que el crítico desarrolla en el medio donde ejerció su actividad profesional, el diario El País, pero también en otras colaboraciones.

Las películas de mi vida, de Francois Truffaut
Editorial Torres de papel
Antes de consagrarse como uno de los más grandes directores de cine (Los cuatrocientos golpes, Jules et Jim, Fahrenheit 451, Besos robados, La sirena del mississippi, El pequeño salvaje, La noche americana, etc.) François Truffaut había escrito críticas apasionadas en “Cahiers du Cinema” y “Arts et Spectacules“. Su forma de comentar las películas creó escuela y contribuyó decisivamente a la formalización y consolidación de lo que habría de ser “la nueva ola francesa”.

Leni Riefenstahl, de Jose Manuel García Roig
Editorial Cátedra
Leni Riefenstahl (1902-2003), realizadora entre otras películas de La luz azul, de los films sobre los Congresos del Partido Nacionalsocialista, Victoria de la fe y El triunfo de la voluntad, además de Olympia, considerado el mejor documen­tal sobre deporte de la historia del cine, rebasa en su trayectoria vital el mero marco de la autoría cinematográfica para desplegarse en otros muchos ámbitos de la actividad artística. Bailarina excepcional, actriz en películas de montaña (Bergsfilms), guionista, productora y fotógrafa, este estudio sobre su obra recoge no solo un análisis exhaustivo de sus ocho películas como actriz y de sus siete films como directora, sino también documentos inéditos en España de su rela­ción con Hollywood, así como del proyecto de construcción de un gran complejo cinematográfico destinado a la futura y exclusiva labor de la directora, no mencionado por ella en sus memorias y que, auspiciado por Adolf Hitler y otros jerarcas nazis en 1939, se frustró con el estallido y posterior desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.

Memorias, de Roman Polanski
Editorial Malpaso
La tragedia y la polémica han marcado la vida de Roman Polanski. A principios de los 80, Polanski escribió unas memorias prematuras que ahora, treinta años después, ha decidido completar y matizar desde una perspectiva mucho más madura. Un libro nuevo en el que Polanski nos habla de la vida y de su vida, de los hechos que la han marcado y de las polémicas que lo han acorralado. Un libro único de uno de los últimos genios vivos.

Mi vida en rojo Kubrick, de Simon Roy
Editorial Alpha Decay
El número 42 aparece obsesivamente a lo largo de todo el metraje de El resplandor (1980), la terrorífica película de Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King, y 42 son las ocasiones en que Roy asegura haber visto el filme. Roy no puede quitarse El resplandor de la cabeza. ¿Por qué nos fascinan ciertas cosas hasta el punto de consagrar buena parte de nuestra vida al estudio sistemático de un hecho concreto? Esta es la pregunta que se hizo Roy, un humilde profesor de literatura en un instituto de Quebec, durante los días en que duró una huelga estudiantil que le obligó a estar varias jornadas sin trabajar. El desarrollo de la respuesta llegó en forma de libro: él también iba a consagrar sus días a profundizar en su propia obsesión; empezaría a estudiar a fondo el filme de Kubrick.

Neil Jordan, de Jordi Ardid y Marta Giráldez
Editorial Cátedra
Neil Jordan es quizás el cineasta irlandés más relevante de su generación. Con más de treinta años de carrera, Jordan posee una extensa filmografía que abarca los más diversos géneros, del “fantastique” al “thriller“, pasando por la tragicomedia y el melodrama, sin que por ello se pierdan unas señas de identidad en las que se mezclan aspectos como la identidad y la historia irlandesa, la ambigüedad sexual o la violencia soterrada. A medio camino entre el cine independiente y el fasto hollywoodiense, Neil Jordan es un realizador con una cosmogonía propia no solo por la visión personal que subyace en cada una de sus historias, sino también porque nos permite vislumbrar el complejo equilibrio entre el cine de su Irlanda natal y las obligaciones adquiridas al filmar en los Estados Unidos. En el presente volumen se recorre toda su obra fílmica, tanto cinematográfica como televisiva, e incluye un anexo dedicado a su faceta de novelista; con ello se pretende dar una visión global de un artista que reclamaba merecer por fin un estudio completo en lengua castellana.

Pantallas simuladas. Las potencias filográficas del cine, de Carlos Fernando Alvarado Duque
Editorial Shangrila
Pantallas simuladas. Las potencias filográficas del cine, es una obra a modo de simulacro. Sus capítulos han de verse como esos rastros o puentes que construye el autor cuando pone en diálogo la filosofía con el cine. Al modo de un librepensador, Carlos Fernando Alvarado examina estas relaciones desde las honduras de la fenomenología, la hermenéutica, la filosofía del lenguaje, el pensamiento político, el psicoanálisis con una riqueza y claridad discursiva que torna cercanos los modos expresivos de ambos mundos. El autor, que engrosa con este título una interesante obra sobre pensamiento e imagen, somete al asedio el cine desde la filosofía y encuentra en ella el poder hermenéutico para acercarse a su manera a la obra de grandes directores y ofrecer otras visiones, otros ensanchamientos discursivos sobre estos objetos estéticos. Además, no le interesa encontrar lectores habituados a la lectura lineal. La dramaturgia que construye estas páginas es más de la naturaleza disrruptiva del cine de hoy, instalada ya en las narrativas fragmentadas, en las poéticas a-espaciales y a-temporales.

Pasados citados por Jean-Luc Godard, de Georges Didi-Huberman
Editorial Shangrila
Las historias del cine de Jean-Luc Godard son un despliegue de citas (de imágenes, textos y sonidos) ensambladas, intervenidas y ancladas en el arte del montaje, esa vía regia ambivalente entre el síntoma y la síntesis, el hallazgo fortuito y el axioma. Citar es citar a comparecer, a rendir cuentas ante el presente de la historia. Es romper el acto de interlocución para que brote el géiser de los significados imprevistos, es desmontar y reencuadrar para ver lo que no se ha visto, para remontar lo que se montó sin ver. Godard: el trauma y la culpa de que el cine haya ignorado el Holocausto, la proyección de esa cuenta pendiente con el horror contemporáneo (el conflicto palestino-israelí), la revuelta obstinada contra el origen (el maoísmo radical del Mato Francés contra la familia antisemita en tiempos de guerra). Godard: la oscilación entre la puesta en poema y la puesta en fórmula , la exploración y eld ogma, la huella de la historia y la imagen de marca, el instante frágil e impuro y la verdad decretada sin matices. Godard frente a Pasolini, su gemelo en las antípodas. Godard: cirujano infatigable y altivo profeta, desmontado por Georges Didi-Huberman.

Porno: ven y mira, de Varios autores
Editorial Shangrila
Polémico, incómodo, peligroso, excitante, injusto… el porno reaparece constantemente en los espacios más diversos: artículos académicos, tribunales, gacetillas dominicales, fatwas, discos duros de nuestras parejas… Esa capacidad para incomodar a representantes de todo signo político o de generar constantes discusiones sobre su “normatividad” –el “buen porno”, expresión paradójica–, pero también para reproducir los valores dominantes desde una falsa transgresión, han generado interminables y apasionantes debates sobre las fronteras, los márgenes y los límites de lo que puede (o debe) ser mostrado. En el presente volumen se ofrece un material de lo más heterogéneo que, como ocurre con la pornografía, sea capaz de responder a las más exquisitas y personales perversiones. Así, tras los cuerpos desnudos se habla también de ontología, de Walt Disney, de videojuegos, de hentai, de mitología, de sadomasoquismo y fetichismo, de realidad virtual, de identidades sexuales, mecanismos de control, capitalismo y frenesí.

Posnarrativo. El cien más allá de la narración, de Horacio Muñoz Fernández
Editorial Shangrila
El cine posnarrativo está más allá de la narración, después de las historias. El cine posnarrativo ha dejado atrás la cuestión de cómo contar una historia después de haber visto y leído todas las historias, nos descubre que más allá de las historias existen espacios de sentido, de visualidad, de temporalidad y de gestualidad que solo aparecen en la imagen cuando el cine se libera de las constricciones narrativas, primando el espacio, el tiempo y el cuerpo. El cine más allá de la narración nos muestra realidades, sensaciones y emociones que están más allá de lo textual y lo conceptual, un cine donde la verdad, la emoción y la profundidad están en la imagen y no en la narrativa. La narración se sigue manteniendo como obligación o expectativa para gran parte del público y la crítica cinematográfica, aunque los cineastas después de las historias mantienen con ella una relación de negación, de discrepancia, de liberación o de ausencia. Sin embargo, preguntarnos que es posnarrativo sería tan desacertado como preguntarse hoy día que es arte y que no, o que el cine y que no, porque lo que ha desaparecido es un límite que apunte a una esencia.

Regreso a Twin Peaks, de Varios autores
Editorial Errata Naturae
David Lynch hizo historia en la televisión de los noventa. Twin Peaks se convirtió en un fenómeno de masas que mantuvo a los espectadores en vilo durante meses. Ahora, veinticinco años después del abrupto final de la segunda temporada, se estrena por todo lo alto la tercera en mayo de 2017. En este libro se realiza un recorrido por la mítica serie concebida por Lynch: filosofía, terror, naturaleza agreste, enigmas sin resolver, bosques oscuros, mujeres salvajes, habitaciones rojas, enanos, policías y asesinos, fuego camina conmigo… Un volumen que conforma un análisis ágil y lúcido de los principales temas que vertebran la serie, realizado por algunos de los máximos conocedores nacionales e internacionales de la serie.

Tierras de ningún lugar. Utopía y cine, de Antonio Santos
Editorial Cátedra
La presente obra se interroga sobre el fenómeno utópico y sobre la estela que ha dejado en el cine. Acuñado por Tomás Moro en 1516, el término “utopía” ha inspirado el arte, la literatura y la música occidentales de todo tiempo y lugar. El ensueño de la sociedad perfecta ha generado una poderosa fascinación sobre el imaginario colectivo, y esto justifica el interés que el cine ha mostrado por estos paisajes imaginarios, tanto en su vertiente positiva como en la negativa. A través de sus representaciones cinematográficas, este trabajo define el concepto de utopía y reconoce sus fronteras. Desde la República platónica hasta el Walden Dos de Skinner, y desde Shangri-La hasta Tomorrowland, el estudio aborda una completa historia de la utopía tal como ha sido modelada por el cine, pero asimismo traza una pequeña historia del cine a través de sus concepciones utópicas.

Walt Disney. Todo el mundo ha sido niño, de Walt Disney
Editorial Confluencias
Walt Disney (1901-1966). La leyenda y la realidad se cruzan en la biografía de Walt Disney, de las especulaciones entorno a su origen español a las que hablan de la criogenización de su cuerpo, lo cierto es que fue una figura no exenta de polémica. Como otros muchos creadores de Hollywood su infacia estuvo marcada por la pobreza. Buen dibujante se reveló como un gran emprendedor cuando tras varios fracasos empresariales acabó montando junto a su hermano Roy, la compañía Walt Disney Productions, la la productora más célebre en el campo de la animación infantil. Galardonado con 22 premios Óscar.