Categoría: Cannes

Asghar Farhadi regresa a Irán, tras su paso por España con Todos lo saben, que inauguró la 71 edición del Festival de Cine de Cannes, para centrarse en la historia de un preso, interpretado por Amir Jadidi, condenado por una deuda que no pudo pagar. Durante un permiso de dos días encuentra una bolsa de monedas de oro que podría saldar buena parte de la deuda pero opta por encontrar a su propietario y devolvérsela. La sucesión de dilemas morales que se suscitan a lo largo del metraje, auspiciados por giros en el guión que tratan de confrontarlos, alcanza extremos lindantes con la inverosimilitud que desvirtuan su tramo final. El despropósito de la jornada, seleccionado a concurso por alguién que no debe de tener muy claro que clase del Festival es el de Cannes, sería Titane, segundo largometraje de Julia Ducournau tras Crudo (2016), que sería una película más apropiada para Sitges. Tras una serie de crímenes sin explicación, un padre, encarnado por un musculado Vincent Lindon, encuentra a su hijo desaparecido hace 10 años, interpretado por a la debutante Agathe Rousselle. El valor de la película residen en poner en imágenes lo que relatado, baste decir que la protagonista queda embarazada de un vehículo, resulta absolutamente incoherente y aparentemen imposible de trasladar al lenguage cinematográfico.

Algunos de los restos del naufragio del Festival de Cine de Cannes no celebrado en 2020 ccomo consecuencia de la pandemia han aguantado hasta la presente edición como es el caso de The French Dispatch, décimo largometraje de Wes Anderson, inicialmente seleccionada en aquella edición. El filme pone en escena una colección de historias sacadas del último número de The French Dispatch, una revista estadounidense publicada en una ciudad francesa ficticia en el siglo XX.La cinta está protagonizada por un reparto internacional que incluye a Benicio del Toro, Frances McDormand, Jeffrey Wright, Adrien Brody, Tilda Swinton, Timothée Chalamet, Léa Seydoux, Owen Wilson, Mathieu Amalric, Lyna Khoudri, Stephen Park, Elisabeth Moss, Guillaume Gallienne, Edward Norton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Christoph Waltz, Cécile de France, Denis Ménochet o Vincent Macaigne. Todos acompañan al icónico Bill Murray, que interpreta el papel del director de redacción del periódico. Por otro lado, el cineasta Kirill Serebrennikov regresa después de Leto (2018) con Petrov’s Flu, una reflexión sobre la condición humana a través de la historia de una alienada familia rusa. Debilitado por una fuerte fiebre, Petrov se ve arrastrado por su amigo Igor a vagar durante horas en estado de ebriedad, en la frontera entre ensoñación y realidad. Poco a poco, los recuerdos de infancia de Petrov reaparecen y comienzan a confundirse con el presente. El dramaturgo y cineasta, en arresto domiciliario desde 2017, sigue demostrando que la libertad artística es intransferible a través de su película más ambiciosa, que es una adaptación libre del fenómeno literario de Alexeï Salnikov Los Petrov, la gripe, etc.. Fuera de concurso Oliver Stone presenta JFK revisited: through the looking glass, un documental donde regresa a su gran éxito de hace una década, JFK: caso abierto, para volver a indagar en el caso con una ingente cantidad de datos y testimonios clave tales como jueces, fiscales o médicos, que a lo largo de dos intensas horas dan la vuelta a los informes oficiales después de que se hayan desclasificado más de dos millones de páginas en las últimas tres décadas.

Tres películas conforman la jornada dominical de la presente edición del Festival de Cine de Cannes. Por un lado, el maestro de la autoficción italiana Nanni Moretti presenta Tre piani, adaptación de una novela del autor israelí Eshkol Nevo. El cineasta retoma las esencias del medoldrama tras Mia Madre (2015) o La habitación del hijo (2001), ganadora de la Palma de Oro, y lo ambienta en un edificio del extrarradio romano donde viven tres familias con un padre preocupado por su hija de siete años; una futura madre invadida por la soledad; y un joven de veinte años cuya vida da un giro tras una noche de borrachera. La película está protagonizada por el propio Moretti y también inetrvienen Margherita Buy, Alba Rohrwacher y Riccardo Scarmacio. Por otro lado, la cineasta francesa Mia Hansen-Løve incursiona en la sección oficial con Bergman Island, su primera película filmada en inglés que es un fresco amoroso y perturbador, hechizado por la sombra del cineasta sueco que utiliza como escenario la emblemática isla de Fårö. Durante un verano, una pareja de cineastas se instala en la isla sueca de Fårö, donde vivió Bergman, para escribir. A medida que sus respectivos guiones toman forma y, en contacto con los paisajes salvajes de la isla, la frontera entre realidad y ficción se desdibuja. Finalmente, para su segunda participación en Cannes, el cineasta japonés Ryusuke Hamaguchi presenta la estupenda Drive My Car, cine delicado y melancólico que se distingue por la sutil mezcla de realismo e imaginación que confiere aires de fábula a sus narraciones. Con una duración próxima a las tres horas, destaca además por una sofisticación formal siempre al servicio de una dulce contemplación de las emociones, cuyas oscilaciones impregnan sus crónicas de la sociedad japonesa. La película es la adaptación de una novela de Haruki Murakami aparecida en 2014.

No es la primera vez que Sean Penn participa en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes como realizador. De hecho estuvo presente en 2000 con Extraño vínculo de sangre, en 2001 con El juramento, y en 2016 con Diré tu nombre que reicibió una acogida muy crítica. En esta ocasión también ejerce como actor y realizador para relatar la historia del atracador y falsificador John Vogel. Basada en las memorias de su hija, la periodista y escritora Jennifer Vogel, narra la historia de su familia y la relación tumultuosa con su padre, quien lleva una doble vida como estafador. Curiosamente en la película, al igual que la historia en la que se basa, todo queda en familia ya que Dylan Penn encarna a la hija de Vogel, quien está interpretado por Sean Penn, mientras que Hopper Jack Penn interpreta al hermano de Jennifer. También a concurso se presenta el filme del realizador finlandés Juho Kuosmanen, Hytti Nro 6 (Compartment No. 6), recordado por El día más feliz en la vida de Olli Mäki que obtuvo en 2016 el premio de «Una cierta mirada». Basada en la novela epónima de Rosa Liksom, publicada en 2010, el cineasta decidió adaptar libremente la historia de una joven finlandesa que toma un tren hacia Moscú para ir al yacimiento arqueológico de Múrmansk, que atraviesa Siberia y Mongolia como si estuviese huyendo, y donde conocerá a un personaje completamente opuesto a ella.

El Festival de Cine de Cannes recupera al cineasta Paul Verhoeven quien, cinco años después de presentar Elle, trae el certamen una historia ambientada en el siglo XVII, cuando la peste se propagaba por Italia. Fiel a su estilo originario, en Benedetta, Vehoeven presenta a una muchacha que llega a un convento en la Toscana donde cambiará la vida de sus hermanas por su capacidad para hacer milagros. Virginie Efira se pone los hábitos de esta religiosa lesbiana carismática y sensual cuya historia fue revelada en el libro de Judith C. Brown Immodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy. La religión, la sexualidad y la manipulación política en el seno de la Iglesia son algunos de los temas que prevalecen en este filme en el que también intervienen Lambert Wilson y Charlotte Rampling, a quien ya se ha podido ver en esta edición del Certamen en la película de François Ozon Tout s’est bien passé (Todo fue bien). La otra película en cometición esta jornada se titula La Fracture (The Divide) y está dirigida por Catherine Corsini, quien invita al espectador a adentrarse en las Urgencias de un gran hospital de París durante la noche en medio de una manifestación de los «chalecos amarillos». Allí, una pareja a punto de romper, encarnada por Valeria Bruni Tedeschi y Marina Foïs, se encuentra un manifestante herido y en cólera que provocará que sus certezas y prejuicios vuelen en mil pedazos. Filmada con cámara al hombro, la película esta impregnada del cine de Ken Loach con una sobrada carga de resentimiento.

Tras probar el género fantástico con Thelma en 2017, Joachim Trier presenta Verdens Verste Menneske (La peor persona del mundo) y vuelve a la sección del Festival de Cine de Cannes seis años después de El amor es más fuerte que las bombas. El cineasta noruego se centra en una mujer llamada Julie que va a cumplir pronto 30 años y no consigue poner orden en su vida. Cuando cree haber encontrado cierta estabilidad con Aksel, escritor de éxito de 45 años, se cruza con el joven y seductor Eivind. El filme, que se anuncia como una réplica de Oslo, 31 de agosto, coincide en que sus protagonistas tienden a la autodestrucción y en que para el papel de Julie, Joachim Trier seleccionó de nuevo a Renate Reinsve, en su primer papel protagonista en el cine. Le acompañan en el reparto su actor fetiche Anders Danielsen Lie y Herbert Nordrum, un actor muy popular entre la juventud noruega. Por otro lado, Lingui (Lingui, The Sacred Bonds) es un drama femenino en competición rodado en Chad. Se trata de un largometraje de Mahamat-Saleh Haroun en el que aborda la realidad social de las mujeres de su país, donde el aborto está prohibido, más a través de la elipsis que de los mensajes contundentes. «Lingui» es un término chadiano que representa el vínculo y simboliza la convivencia. En el filme, una mujer vive sola con su hija única de quince años y su mundo termina de derrumbarse el día que descubre que su hija está embarazada, por lo que deberá enfrentarse a un combate que parece ya perdido antes de celebrarse. Fuera de concurso se presenta Stillwater, que presenta a un perforador de pozos de petróleo, interpretado por Matt Damon, que llega a Marsella desde lo más profundo de Oklahoma para ayudar a su hija, interpretada por Abigail Breslin, que apenas conoce, pero que cumple condena en prisión, acusada de un crimen que niega haber cometido. Dirigida por Tom McCarthy se inspira en el caso de Amanda Knox, la estudiante estadounidense acusada en 2007 de haber asesinado a su compañera de piso, Meredith Kercher, en Italia. En la sección «Una cierta mirada» el estadounidense Kogonada presenta After Yang, una película de ciencia ficción escrita, dirigida y producida por él mismo, que es una adaptación del cuento estadounidense Saying Goodbye to Yang, de Alexander Weinstein, con Colin Farrell en el papel de un robot doméstico salvador.

El cineasta francés François Ozon retorna al Festival de Cine de Cannes por cuarta vez con su película Con Tout s’est bien passé (Todo fue bien). Se trata de la adaptación del libro del mismo nombre escrito por su amiga Emmanuèle Bernheim, fallecida en 2017, que está protagonizada por Sophie Marceau, André Dussollier y Géraldine Pailhas. A sus 85 años, el padre de Emmanuèle es hospitalizado tras un accidente cerebrovascular. Cuando se despierta, debilitado y dependiente, este hombre, curioso por naturaleza y amante apasionado de la vida, le pide a su hija que le ayude a morir. La otra película de la jornada es Ha’berech (Ahed’s Knee), cuarto largometraje dirigido por el cineasta israelí Nadav Lapid. Con cierto carácter autobiógrafico el filme analiza la relación del cineasta con su país. Según Lapid la idea surgió cuando le invitaron a presentar una película y una funcionaria del Ministerio de Cultura le pidió que le enviara un formulario firmado en el que se detallaran los temas abordados después de la proyección, lo que el cineasta entendió como «una forma de censura«. Así mismo, también recuerda la enfermedad de su madre, que también era su montadora y que falleció un mes y medio después del mencionado episodio.

Comienza la 74ª edición del Festival de Cine de Cannes tras la cancelación de la edición del año pasado como consecuencia del Covid-19. El certamen se inaugura con el estreno de la película musical Annette, del francés Leos Carax y protagonizada por Marion Cotillard y Adam Driver. En la gala inaugural la actriz Jodie Foster recibe la Palma de Oro de honor de manos del cineasta Pedro Almodóvar. Ambos, junto al cineasta coreano Pong Jun Ho, ganador de la última Palma de Oro con Parásitos, y el presidente del Jurado, Spike Lee, inauguran la 74ª edición del Festival en un abarrotado Grand Théâtre Lumière. El resto de miembros del Jurado, Mati Diop, Mylène Farmer, Maggie Gyllenhaal, Jessica Hausner, Mélanie Laurent, Kleber Mendonça Filho, Tahar Rahim y Song Kang-ho, también sube al escenario antes de la proyección de un montaje narrativo de la filmografía de su Presidente. La excesiva película de Carax rodada nueve años después de Holly motors, se sitúa en Los Ángeles, en la actualidad, y está protagonizada por un monologuista cómico de humor incisivo y una cantante de renombre internacional que forman una pareja feliz rodeada de glamur. El nacimiento de su primogénita, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, les cambiará la vida.

+ info

La actriz francesa Mélanie Thierry será la presidenta del jurado de la Cámara de Oro del Festival de Cine de Cannes, que este año se celebrará del 6 al 17 de julio. Con Thierry estarán en ese jurado, encargado de premiar la mejor primera película que se presente en la Selección Oficial, en la Semana de la Crítica o en la Quincena de los Realizadores, otras cinco personalidades, representantes franceses de la profesión. Se trata de Audrey Abiven, directora de Tri Track, empresa de possincronización de largometrajes; Laurent Dailland, director de fotografía; Romain Cogitore, director, guionista y fotógrafo; Pierre-Simon Gutman, crítico de cine y redactor jefe de la revista L’Avant-Scène Cinéma, y Éric Caravaca, actor y director. En una primera reacción a su nombramiento, Mélanie Thierry señala que «no hay nada más frágil, más milagroso, que una primera película«.

La cantante francesa Mylene Farmer, la actriz y guionista estadounidense Maggie Gyllenhaal y el director brasileño Kleber Mendonça Filho formarán parte del jurado que entregará el premio a la mejor película en el Festival de Cine de Cannes en julio. El director de Spike Lee fue nombrado presidente del jurado en 2020, cuando el Festival de Cine de Cannes fue cancelado debido a la pandemia de COVID-19, y presidirá la edición de 2021, que fue pospuesta de mayo a julio. La flexibilización de las restricciones de coronavirus está generando esperanzas de que las estrellas internacionales puedan viajar a la Riviera francesa para la quincena de estrenos cinematográficos, que culmina con la entrega de la Palma de Oro a la mejor película. El jurado de 2021 también incluye al director franco-senegalés Mati Diop, cuya ópera prima Atlantics ganó un galardón en el Festival de 2019, y al actor francés Tahar Rahim, conocido por su papel en El profeta, de Jacques Audiard. La directora de cine austríaca Jessica Hausner, la actriz y directora francesa Melanie Laurent y el actor surcoreano Song Kang-ho, una de las estrellas de Parásitos, que ganó la Palma de Oro en 2019, también estarán en el jurado.

La sección de clásicos del Festival de Cine de Cannes, que celebrará su 74 edición entre los próximos 6 y 17 de julio, incluirá una copia restaurada de la película El camino, de la cineasta española Ana Mariscal, y un documental del también español Javier Espada sobre Luis Buñuel. El certamen destaca que Mariscal (1923-1995) fue pionera del cine español: actriz, directora, guionista y productora, firmó como realizadora diez títulos «tan inconformistas como visualmente espléndidos«. La cinta elegida es la adaptación al cine en 1963 de la novela homónima de Miguel Delibes. La censura de la dictadura de Franco contra la crítica social de la historia y el poco apoyo que había hacia las mujeres cineastas hizo que le costara mucho sacarla adelante y que tuviera una fría acogida. El documental Buñuel, un cineasta surrealista explora la temática de Buñuel a través del guionista francés Jean-Claude Carrière, que forjó junto a él media docena de películas. La sección de clásicos de Cannes presenta películas antiguas, restauradas y documentales y se creó con el objetivo de acercar al público a «la memoria del cine«. La edición de este año homenajea al director, actor y productor estadounidense Bill Duke con la proyección de una copia restaurada de The killing floor. Fue su primera película como realizador y la presentó precisamente en Cannes, en 1985, en la Semana de la Crítica, una sección paralela del festival. De la japonesa Kinuyo Tanaka, definida como una de las mayores actrices de su país, se mostrará una versión restaurada igualmente en 4k de Tusk wa noborinu (La luna se levanta, 1955), su segundo largometraje como directora. Los Clásicos de este año celebrarán igualmente los 70 años de la revista cinematográfica Cahiers du Cinéma.

El director italiano Marco Bellocchio recibirá la Palma de Oro de honor en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, que comenzará el 6 de julio. El director, de 81 años, acudirá a la ceremonia de apertura donde desvelará su nueva película en la sección «Cannes Première», y en la ceremonia de clausura, el sábado 17 de julio, recibirá la Palma de Oro de honor en homenaje a su «obra singular que ha marcado el cine contemporáneo con fuerza y libertad«. El cineasta presentará en esta 74 edición del certamen un documental «desgarrador y dolorosamente personal» con el título Marx can wait, un intento de entender con perspectiva el suicidio de su hermano gemelo a sus 29 años. «Mezclando fragmentos de sus películas y conversaciones con personas cercanas, Bellocchio investiga esta figura fraternal que no deja de rondar su filmografía«, indican los organizadores del Certamen.

El director Spike Lee, presidente del jurado del próximo Festival de Cine de Cannes, que se celebrará en julio, protagoniza también el cartel oficial del certamen. El cartel de este año muestra la parte superior del rostro de Lee, ataviado con una gorra que luce el conocido logo del certamen, la palma dorada de su principal premio. Con palmeras a ambos lados, y con un cielo plateado y despejado de fondo, Lee alza los ojos hacia las palabras que anuncian esta 74 edición, que tendrá lugar del 6 al 17 de julio. El cartel busca destacar la mirada «curiosa«, «personal«, «tierna» y «maliciosa» del cineasta de Brooklyn, sobre un cielo que simboliza la pantalla donde volverán a proyectarse filmes, entre las palmeras y las gaviotas de la Costa Azul francesa.

Onoda – 10 000 Nights in the Jungle, segundo largometraje del cineasta francés Arthur Harari y rodada en japonés, inaugurará la sección «Una cierta mirada» del Festival de Cine de Cannes 2021. Esta coproducción internacional cuenta la historia del soldado Hiroo Onoda que fue enviado a una isla de Filipinas en 1944, para luchar contra la ofensiva estadounidense. Cuando Japón se rinde, Onoda lo ignora, entrenado para sobrevivir a toda costa en la jungla, mantiene su propia guerra. Tardará 10 000 días en capitular, negándose a creer el final de la Segunda Guerra Mundial. Además, se anuncia el jurado de esta sección del Certamen que estará presidido por la cineasta británica Andrea Arnold; el director argelino Mounia Meddour; la actriz francesa Elsa Zylberstein; el director argentino Daniel Burman y el actor y director americano Michael Covino.

El Festival de Cine de Cannes completa la extensa lista de películas de su Selección Oficial, incluyendo la película animada ¿Dónde está Ana Frank? dirigida por el nominado al Oscar Ari Folman, que participará fuera de consurso. El Certamen también añade Vortex, de Gaspar Noe a la sección Premiere de Cannes y Mes Freres Et Moi, de Yohan Manca a «Una cierta mirada». Protagonizada por Dario Argento y Francoise Lebrun, Vortex es una película de estilo documental que gira en torno a los últimos días de una pareja de ancianos. Las proyecciones adicionales de medianoche incluyen Tralala, una comedia musical de Arnaud y Jean-Marie Larrieu y Supremes (Authentik), una película biográfica de la icónica banda de rap francesa NTM, dirigida por Audrey Estrougo. Las proyecciones especiales añadidas incluyen La fiesta de Bill Murray: Nuevos mundos, la cuna de una civilización, de Andrew Muscato; Mi iubta Mon amour, el debut como directora de la actriz convertida en cineasta Noemie Merlant; Les Heroiques, de Maxime Roy; y Are You Lonesome Tonight?, el debut en el largometraje del director chino Wen Shipei.

Un año después de haber tenido que anular su edición debido a la pandemia, la Quincena de Realizadores, sección paralela e independiente del Festival de Cine de Cannes, recuperará la normalidad con una selección que hace un hueco a la nueva creación española y latina. Su 53 edición tendrá lugar del 7 al 17 de julio y regresa con sus «mejores ambiciones«, según destacan sus organizadores al presentar en conferencia de prensa los 24 largometrajes y nueve cortometrajes elegidos. Se sabía ya que el director estadounidense de cine documental Frederick Wiseman recibirá la Carroza de Oro, un homenaje otorgado a cineastas que destacan por su valentía e innovación, y se avanza ahora una programación inaugurada por Ouistreham, del también escritor Emmanuel Carrère, con Juliette Binoche como protagonista. La Quincena fue creada por la Sociedad de Realizadores de Filmes (SRF) para «descubrir películas de jóvenes autores y saludar las obras de directores reconocidos«. El director Lois Patiño y el argentino Matías Piñeiro firman conjuntamente Sycorax, un proyecto de 20 minutos que supone un acercamiento a la obra de Shakespeare La tempestad. El también español Alberto Mielgo introducirá The windshield wiper, una visión muy personal sobre el amor y las relaciones, en la que según la Quincena construye sus personajes y el ambiente con un dominio «hipnótico«.

+ info

La Semana de la Crítica, sección paralela del Festival de Cine de Cannes dedicada primeras y segundas películas de cineastas, anuncia una selección de títulos ampliadas después de la paralización del año pasado. El programa previsto para 2021, que alcanza su 60 edición, contará con 13 estrenos mundiales, siete de ellos en competencia, elegidos entre casi 1.000 películas por Charles Tesson, director artístico y su comité. Robust, de Constance Meyer, una comedia dramática protagonizada por Gérard Depardieu y Déborah Lukumuena, abrirá la edición 2021 de la Semana de la Crítica. A Tale of Love and Desire, de Leyla Bouzid clausurará la edición y también formará parte de la sección «Special Screenings». La programación a concurso de este año incluye Libertad, ópera prima de Clara Roquet, coguionista de 10.000KM, por la que recibió junto a Carlos Marques-Marcet la Biznaga de Plata al Mejor Guionista Novel y el Premio Gaudí al Mejor Guion. Además, que ha colaborado como guionista con Jaime Rosales en su último largometraje, Petra. El jurado de la 60ª edición estará presidido por el director rumano Cristian Mungiu, e incluirá también a la actriz y cantante Camélia Jordana, el productor Didar Domehri, el director artístico del Festival de Cine de Karlovy Vary, Karel Och, y el productor Michel Merkt.

+ info

El director de cine ruso Kirill Serebrennikov, cuyo nuevo filme Petrov’s Flu (La gripe de los Petrov) competirá en el Festival de Cine de Cannes, no puede salir del territorio ruso y no podrá asistir al festival, según su abogado. «Kirill (Serebrennikov) no puede salir del territorio  ruso«, afirma Dmitri Jaritonov, y precisa que esta prohibición estará en vigor hasta el fin de una pena condicional a la que está sometido su cliente. El artista de 51 años fue condenado a fines de junio de 2020 a tres años de cárcel condicionales y a una multa por un caso de desvío de subvenciones públicas. En agosto de 2017 había sido detenido y luego asignado a residencia más de un año y medio, acusado de haber desviado unos 130 millones de rublos (1,8 millones de euros) entre 2011 y 2014. Para sus partidarios, fue castigado en realidad por sus obras a veces osadas que mezclan sexualidad, política y religión, cuando el Kremlin aboga por el retorno a los «valores tradicionales«. Estos procesos judiciales provocaron una ola de apoyo internacional a favor de Kirill Serebrennikov.

El presidente del Festival de Cine de Cannes, Pierre Lescure, y su delegado general, Thierry Frémaux, anuncian en una rueda de prensa celebrada en el Cine Normandie de los Campos Elíseos la películas que conformarán las diferentes secciones de la presente edición del Certamen. La edición de este año se llevará a cabo del 6 al 17 de julio y será presencial, después de que en 2020 el Festival fuera cancelado debido al Covid-19. La película musical de Leos Carax, Annette, inaugurará el Certamen cuyo jurado estará presidido por el cineasta Spike Lee. La selección oficial a concurso cuenta con 24 títulos a expensas de que se conozca próximamente un gran estreno y la película de clausura. “El cine no ha muerto”, afirma contundente Frémaux, y añade que “el regreso del público a los cines de todo el mundo fue la primera buena noticia. El festival será la segunda buena noticia «. Así mismo, avanza que si la reapertura de Francia se produce como se espera, se podrán llenar las sala al cien por cien, aunque las precauciones de seguridad seguirán vigentes. El festival ha añadido este año una nueva sección «Cannes Premiere» en la que se presentarán películas que podrían haber formado parte de la competencia oficial y que no querían que se proyectasen «en ningún otro lugar «.

Inauguración

• Annette, de Leos Carax

Concurso

• A Feleségem Története (The Story Of My Wife), de Ildikó Enyedi (Hungría)
• Benedetta, de Paul Verhoeven (Holanda)
• Bergman Island, de Mia Hansen-Love (Francia)
• Drive My Car, de Ryusuke Hamaguchi (Japón)
•  Flag Day, de Sean Penn (USA)
• Ha’berech (Le Genou d’Ahed / Ahed’s Knee), de Nadav Lapid (Israel)
• Casablanca Beats, de Nabil Ayouch (Marruecos)
• Hytti Nro 6 (Compartment No.6), de Juho Kuosmanen (Finlandia)
• Julie (En 12 Chapitres) (The Worst Person In The World), de Joachim Trier (Noruega)
• La Fracture, de Catherine Corsini (Francia)
• Les Intranquilles (The Restless), de Joachim Lafosse (Bélgica)
• Les Olympiades (Paris 13th District), de Jacques Audiard (Francia)
• Lingui, de Mahamat-Saleh Haroun (Chad)
• Memoria, de Apichatpong Weerasethakul (Tailandia)
• Nitram, de Justin Kurzel (Australia)
• Par Un Demi Clair Matin, de Bruno Dumont (Francia)
• Petrov’s Flu, de Kirill Serebrennikov (Rusia)
• Red Rocket, de Sean Baker (USA)
• The French Dispatch, de Wes Anderson (USA)
• Titane, de Julia Ducournau (Francia)
• Tre Piani, de Nanni Moretti (Italia)
• Tout S’est Bien Passé, de François Ozon (Francia)
• Un Héros (A Hero), de Asghar Farhadi (Irán)

Una cierta mirada

• Moneyboys, de B.C Yi (Austria)
• Blue Bayou, de Justin Chon (USA)
• Freda, de Gessica Généus (Haiti)
• Delo (House Arrest), de Alexey German Jr. (Rusia)
• Bonne Mère, de Hafsia Herzi (Francia)
• Noche de Fuego, de Tatiana Huezo (México)
• Lamb, de Valdimar Jóhansson (Islandia)
• Commitment Hasan, de Hasan Semih (Turquía)
• After Yang, de Kogonada (USA)
• Let there be morning, de Eran Kolirin (Israeñ)
• Women do cry, de Mina Mileva & Vesela Kazakova (Rusia, Bulgaria)
• Rehana Maryam Noor, de Abdullah Mohammad Saad (Bangladesh)
• Great freedom, de Sebastian Meise (Austria)
• La civil, de Teodora Ana Mihai (Rumanía, Bélgica)
• Gaey wa’r, de Na Jiazio (China)
• The Innocents, de Eskil Vogt (Noruega)
• Un Monde, de Laura Wandel (Bélgica)
• Mes frères et moi, de Yohan Manca (France)

Fuera de concurso

• De son vivant, de Emmanuelle Bercot (Francia)
• Emergency Declaration, de Han Jae-Rim (Corea)
• The Velvet Underground, de Todd Haynes (USA)
• Bac Nord, de Cédric Jimenez (Francia)
• Aline, the Voice of Love, de Valerie Lemercier (Francia)
• Stillwater, de Tom McCarthy (USA)
• Where is Anne Frank?, de Ari Folman (Israel)

Proyecciones de medianoche

• Bloody Oranges, de Jean-Christophe Meurisse (Francia)
• Tralala, de Arnaud & Jean-Marie Larrieu (Francia)
• Suprêmes, de Audrey Estrougo (Francia)

Proyecciones especiales

• O Marinheiro das Montanhas, de Karim Aïnouz (Brasil)
  
• Black Notebooks, de Shlomi Elkabetz (Israel)
  
• Babi Yar. Context, de Sergei Loznitsa (Ucrania)
  
• H6, the year of the everlasting storm, de Yé Yé, Jafa Panahi, Anthony Chen, Malik Vitthal, Laura Poitras, Dominga Sotomayor, David Lowery & Apichatpong Weerasethakul
• Fiesta de Bill Murray: New Worlds, the cradle of a civilization, de Andrew Muscato (Grecia-USA)
• Mi iubita, Mon amour, de Noémie Merlant (Francia)
• Les Héroïques, de Maxime Roy (Francia)
• Are you lonesome tonight?, de Wen Shipei (China)

Cannes Premiere

• Hold Me Tight, de Mathieu Almaric (Francia)
• Cow, de Andrea Arnold (Reino Unido)
• Love Songs for Tough Guys, de Samuel Benchetrit (Francia)
• Deception, de Arnaud Desplechin (Francia)
• Jane by Charlotte, de Charlotte Gainsbourg (Francia)
• In Front of Your Face, de Hong Sang-soo (Corea)
• Mothering Sunday, de Eva Husson (Francia)
• Evolution, de Kornél Mundruczo (Hungría)
• Val, de Ting Poo & Leo Scott (USA)
• JFK: Through the Looking Glass, de Oliver Stone (USA)
• Vortex, de Gaspar Noé (Argentina, Italia)

La actriz, directora y productora estadounidense Jodie Foster recibirá la Palma de Oro de Honor del próximo Festival de Cine de Cannes, que este miércoles dijo querer distinguir así «una trayectoria artística brillante y una personalidad única«. El certamen, que se celebrará entre los próximos 6 y 17 de julio, anuncia en un comunicado que Foster (Los Ángeles, 1962) será también la invitada especial de la ceremonia de inauguración. «Cannes es un festival al que le debo tanto. Cambió completamente mi vida. Aunque ya había dirigido antes, mi primera vez en la Croisette fue determinante. Presentar una de mis películas aquí siempre fue uno de mis sueños y he tenido la suerte de cumplirlo varias veces«, asegura, por su parte, la actriz. Cannes destaca que su filmografía ha aliado exigencia con popularidad y ha conciliado con naturalidad la industria de Hollywood con el cine de autor.

Annette, el nuevo largometraje dirigido por Leos Carax y protagonizado por Adam Driver y Marion Cotillard, será la película de inauguración de la 74 edición del Festival de Cine de Cannes, que tendrá lugar entre el 6 y el 17 de julio. Se trata de un musical que se estrenará de manera simultánea en cines de toda Francia como muestra de apoyo a las salas de exhibición en estos duros tiempos de pandemia. Carax, quien ya presentó, nueve años atrás, su anterior filme en la Selección Oficial del certamen, Holy Motors, retorna al Certamen con esta película está ambientada en Los Ángeles y que narra la historia de Henry, un comediante con un sentido del humor excepcional, y Ann, una cantante de renombre internacional. Delante de las cámaras, forman una pareja feliz y llena de encanto. El nacimiento de su primera hija, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, cambiará sus vidas. Según Thierry Frémaux, delegado general del certamen, no podríamos haber soñado con un reencuentro tan bonito con el cine y la gran pantalla«, y añade que «el Festival de Cannes continúa con confianza y determinación la planificación de su 74ª edición«. También se confirma que, a finales de mayo, se dará a conocer el resto de títulos que formarán parte de la Selección Oficial.

El director estadounidense Spike Lee presidirá el jurado del Festival de Cine de Cannes de 2021, convirtiéndose en la primera personalidad negra en asumir esa función. Lee ya debía ocupar la presidencia del jurado en 2020, pero la pandemia obligó a cancelar el mayor certamen de cine del mundo. Este año, el Festival, que habitualmente se celebra en mayo, se aplazó por el mismo motivo y está previsto que tenga lugar del 6 al 17 de julio. Si las condiciones sanitarias lo permiten, Cannes será el primer gran festival del año en celebrarse en presencial, puesto que la mayoría de certámenes se resignaron a formatos híbridos o en línea, como Sundance y la Berlinale. Junto a su jurado, cuya composición será revelada en junio así como las películas en competición, Spike Lee toma el relevo del director mexicano Alejandro González Iñárritu, presidente del jurado en 2019.

El Festival de Cine de Cannes, que se celebra tradicionalmente en mayo, tendrá lugar del 6 al 17 de julio debido a la pandemia. La crisis sanitaria ya obligó a cancelar la edición del año pasado y a reemplazarla por una selección simbólica de 56 películas. Cannes, además de otorgar sus prestigiosos galardones, es un escaparate esencial para la industria del cine, duramente golpeada por la pandemia. Este año, el primer festival importante del calendario, la Berlinale, renunció a una edición clásica y anunció un programa en línea en marzo.

La organización del Festival de Cine de Cannes anunciará a finales de este mes de enero si la 74ª edición del certamen mantendrá sus fechas de celebración original, programadas para mayo, o su celebración se pospone para julio debido a la expansión de la pandemia del coronavirus. Según informa Variety, aunque se había hablado de celebrar la 74ª edición a finales de junio, este espacio lo ocuparán los Cannes Lions, el mercado publicitario anual, que está previsto celebrarse del 21 al 25 de junio. Celebrar el festival en julio conllevaría a una sonora protesta por parte de los propietarios de los hoteles, debido a que julio es temporada alta de turismo en la ciudad de la Croisette. Sin embargo, dada la crisis económica que atraviesa el sector turístico, con la mayor parte del sector cerrado durante varios meses y todos los eventos de 2020 cancelados, la recepción está siendo positiva. La organización también está considerando una pequeña extensión del festival, debido al abundante número de títulos de películas con fuerte potencial que aspiran a pasar por la Croisette.

El Festival de Cine de Cannes anuncia que hará una versión reducida del certamen entre el 27 y el 29 de octubre. La tradicional cita de mayo, anulada este año por la pandemia del coronavirus, ofrecerá una «edición extraordinaria» con la proyección de cuatro películas de la selección oficial y los cortometrajes en competición. Un triomphe, de Emmanuel Courcol, inaugurará esa programación extraordinaria con la presencia de Kad Merad, y Les Deux Alfred, de Bruno Podalydès, con la presencia de la actriz Sandrine Kiberlain, la cerrará. Entre medias se proyectarán True Mothers, de Naomi Kawase, que ya participó en el último Festival de Cine de San Sebastián, y la gran triunfadora del mismo, Beginning, de Dea Kulumbegashvili. También se podrán ver los 11 cortometrajes seleccionados, que sí serán valorados por un jurado y optarán a la Palma de Oro. También entregará sus premios la Cinefundación, el apartado dedicado a los proyectos surgidos de escuelas cinematográficas. Para el presidente del Festival, Pierre Lescure, esta celebración especial es una manera de estar presente junto a la población de esa localidad de la Costa Azul francesa y a los profesionales del sector con los que trabajan cada año «mano a mano«. Si la situación sanitaria lo permite, la celebración de la 74 edición del certamen está programada ya entre los próximos 11 y 22 de mayo del año que viene.

El Festival de Cine de Cannes postegra la celebración de su 73 edición debido a la pandemia del coronavirus. Los organizadores del Certamen, originalmente previsto del 12 al 23 de mayo, aseguran están considerando trasladar su celebración a finales de junio o principios de julio. Tan pronto como el desarrollo de la situación sanitaria francesa e internacional permita evaluar la posibilidad real de dicho traslado se notificará la decisión. Los organizadores estaban extremadamente reacios a cancelar Cannes. Durante semanas desviaron preguntas y trataron de seguir adelante con su proceso de selección de películas. Pero mientras el Covid-19 se propagaba por Francia, era prácticamente inevitable que un acto masivo como Cannes fuera cancelado.

El cineasta estadounidense Spike Lee presidirá el jurado de la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, que comenzará el próximo 12 de mayo. Lee, que sustituye al frente del jurado al mexicano Alejandro González Iñárritu, “ha firmado numerosos filmes convertidos en objetos de culto y ha aportado al cine contemporáneo los interrogantes y las revueltas de la época sin olvidar nunca dirigirse al público al que, película tras película, ha sensibilizado con sus causas”, señala el Certamen en un comunicado. Junto al resto del jurado, que será conocido a mediados de abril, Lee entregará la Palma de Oro del certamen el próximo 23 de mayo. El Festival recuerda que Spike Lee levantó su puño en señal de protesta y rindió homenaje a Robert Mitchum con las palabras “amor” y “odio” grabadas en sus anillos en su entrada en la gran sala de Cannes en 2018. El director asegura que será “la primera persona de la diáspora africana que presidirá el jurado de Cannes y de un gran festival”.

QUINCENA DE LOS REALIZADORES

Tlamess, de Ala Eddine Slim

Tlamess (cuyo título significa “Hechizo”) es la segunda película del realizador tunecino Ala Eddine Slim que ganó el León del Futuro en el Festival de Cine de Venecia del año 2016 con su ópera prima “The Last of Us”(“El último de los nuestros”).

En «Tlamess», el argumento cuenta la historia de un joven soldado destinado en el desierto de Túnez que tras la muerte de su madre pide una semana de permiso, pero que finalmente acaba convirtiéndose en un desertor.

Años más tarde, una joven casada con un empresario de éxito espera su primer hijo.

Un día casualmente, el antiguo soldado y la joven se encontrarán.

A. Eddine Slim sostiene algunas certidumbres autorales comunes en sus dos películas. Los protagonistas de ambos films saldrán del camino marcado por un discurso narrativo más previsible, – el que les depara tanto su yo como sus circunstancias- para ingresar en una forma de vida inesperada al margen de la sociedad.

De nuevo sin diálogos, el vínculo entre seres humanos que en la primera película de este director se llevaba a cabo mediante el contacto visual filmado de una forma convencional, llama la atención en “Tlamess”por su radicalidad.

El cineasta da paso aquí a unos primerísimos primeros planos de los ojos de los protagonistas bajo los cuales los diálogos se expresan en forma de subtítulos.

La apuesta por la excepcionalidad de la mirada, y su función comunicadora se ejerce fuera de los márgenes del grupo: hombre-mujer, individuos plenos en su determinación, en su soledad, en su verdad. Ala Eddine Slim irá mucho más lejos hasta una suerte de relato de ciencia-ficción arriesgadísimo en el que la metáfora que suponen los gestos de los protagonistas,  epítomes de una “vita nuova”,  puede quedar eclipsada por la fuerza de unas imágenes sin ambages.

Mencionar lo extraordinario del trabajo que el colectivo “Oiseaux-Tempête” ha realizado con la banda sonora de esta sorprendente película.

Inquietud poética, comienzo y fin de los tiempos, rebeldía y revelación, Ala Eddine Slim es, sin lugar a dudas, un cineasta cuya obra no hay que perder de vista en un futuro próximo.

+ info

La película Parasite (Parásito), del coreano Bong Joon Ho, consigue la Palma de Oro de la 72 edición del Festival de Cine de Cannes, quien, muy emocionado, menciona a los cineastas franceses que siempre le han inspirado, Claude Chabrol y Henri-Georges Clouzot. Según el presidente del jurado, Alejandro González Iñárritu, el premio fue por unanimidad asegurando que «en los tiempos en los que estamos, en los que la democracia se pierde, esta decisión ha sido totalmente democrática, la hemos tomado juntos y ha sido totalmente unánime«. Así mismo, el premio a la mejor interpretación masculina es para Antonio Banderas, por Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, al que dedica el galardón. “Le respeto, le admiro, le quiero, es mi mentor, me ha dado tanto en la vida que no tengo más remedio que dedicarle este premio”, declara Banderas. El Gran Premio del Jurado, entregado por Sylvester Stallone, a quien el Certamen rinde tributo, lo gana Atlántico, de la francosenegalesa Mati Diop; y el premio del Jurado, anunciado por Michael Moore, lo recibien ex aequo, Los miserables, del francés originario de Malí Ladj Ly, y Bacurau, del brasileño Kleber Mendonça Filho. Además, el galardón a la Mejor Dirección es otorgado a los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne por El joven Ahmed; y el de Mejor Actriz corresponde a la británica Emily Beecham, protagonista de Little Joe, de la austriaca Jessica Hausner.

+ info

El brasileño Karim Aïnouz se lleva el gran premio de la sección «Una Cierta mirada» del Festival de Cine de Cannes con A vida invisível de Eurídice Gusmão, y los españoles Oliver Laxe y Albert Serra, respectivamente, el premio del jurado y el premio especial del jurado, presidido por Nadine Labaki. Laxe es distinguido por O que arde, mientras que Serra logra el premio especial con la provocadora Liberté. «Quiero aprovechar que estamos aquí dos españoles para reivindicar un cine esencial. En España, el cine está muy polarizado entre el cine industrial y el esencial. Ganaremos» señala Laxe. El premio a la mejor dirección se lo lleva el ruso Kantemir Balagov por Beanpole y la distinción «Coup de coeur» del jurado es para La femme de mon frère, de Monia Chokri, y The climb, de Angelo Covino. La italiana Chiara Mastroianni se alza con la mejor interpretación por Chambre 212, de Christophe Honoré, mientras que Bruno Dumont recibe por Jeanne la mención especial del jurado.

El cineasta palestino Elia Suleiman regresa al Festival de Cine de Cannes con It Must Be Heaven, un cuento burlesco en el que explora los temas de la identidad, la nacionalidad y la pertenencia. Se trata de una película con ecos autobiográficos en la que mezcla sus recuerdos con los de sus padres. El cineasta declara que «si en mis películas anteriores Palestina podía asemejarse a un microcosmos del mundo, mi nueva película pretende mostrar el mundo como un microcosmos de Palestina«. Con este retrato de las ciudades y de sus habitantes, Elia Suleiman firma un relato hecho de historias humanas, íntimas y conmovedoras, así como un reporte del estado de un mundo caracterizado por las tensiones geopolíticas. Se completa el día y las proyecciones de la sección oficial a concurso con Sibyl, una “dramedia” de Justine Triet protagonizada por Virginie Efira, que trata los temas de la identidad, las raíces y el proceso de creación. La directora continúa explorando la identidad y las raíces, una reflexión que ya había comenzado en sus primeras películas a través de la imagen de una mujer que se debate entre su vida privada y su vida profesional, sus angustias y sus emociones. Concluidas las proyecciones de la sección oficial a concurso, Pedro Almodóvar destaca con Dolor y gloria como aspirante mejor posicionado para obtener la Palma de Oro, aunque entre las favoritas también se encuentran la película coreana de Bong Joon-ho, Parásitos, y la italiana de Marco Bellochio, El traidor, o A hidden life, de Terrence Malick.

Festival de Cannes 1947

El crítico de cine intenta en vano tomar el sol en la playa del Carlton. A su alrededor, atletas de bronce coquetean con mujeres innegablemente bellas, con esa belleza de las playas de lujo que sólo se ve en el cine. Algunas además son estrellas de cine. No son las más bellas. Se mezclan con chicas desconocidas, semidesnudas, cuya función es estar tan bellas como en la pantalla. La densidad de la belleza física es infinitamente mayor que en los quinientos mil kilómetros de territorio francés. La belleza es un lujo, como los coches americanos y los palacios que pueden verse en la Croissette, y como tal, acompaña siempre al dinero.

Un lugar como Cannes está hecho de su clima, paisajes, sus palacios, festival, los coches americanos y  mujeres bonitas. Así que el crítico está en la playa entre estos hombres y mujeres medio desnudos, héroes y diosas, o  Tarzanes y  pin-ups, a su elección. No le han prohibido acceder a la playa por su piel blanca. Se esfuerza por habituarse a la indiferencia de estos hombres frente a sus compañeras pero no lo consigue. Falta de ejercicio, sin duda. Está claro que se entregan a un juego de sociedad. Quizás también sea el complejo de inferioridad de no ser Tarzán. La playa es de todo el mundo, claro y el mar, también, pero sería inútil negar la evidencia: ellos se encuentran en casa. Pero él, no.

El lujo es un paraíso terrenal y artificial en el que se puede intentar entrar  haciendo trampas, es decir, sin pagar, porque el gorrón sufre inmediatamente la sanción de su delito: se siente extranjero.

La espada de fuego da vueltas a su alrededor. Está condenado a circular entre los admitidos al paraíso como los difuntos recalcitrantes en las películas donde ya no se utiliza la sobreimpresión. La suerte está echada, está condenado. Peor que el suplicio de Tántalo, porque ni siquiera puede extender la mano a su vecina en la playa, o intentar arrancar el Buick de madera aparcado en la Croissette. Ese gesto le condenaría. Se le tolera ignorándolo, siempre que no se abandone a incongruencias obscenas. Para actuar con los otros, para ser reconocido vivo entre estos muertos, debería haber recibido  alguna instrucción preliminar sobre el lujo: por ejemplo, ser productor, estrella de cine, multimillonario,  escritor de best-sellers o profesor de gimnasia.

Llegada su reflexión a este punto, el crítico se da cuenta que está más bien triste, y le resulta extraño no solo que el hábito de ir al cine no le haya familiarizado con el espectáculo del lujo, sino que produzca el efecto estrictamente contrario en el cine que en la realidad.

El espectáculo de su vecina de playa le sentaba realmente bien, la censura de las películas americanas casi nunca deja ver tanto. ¿De qué podría quejarse el crítico? Es más hermoso aún que en tecnicolor. Está triste porque todo esto no le pertenece, no le pertenecerá nunca. Ni tampoco piensa en violar a la vecina ni en robar el coche.  Reflexionando, ese sentimiento le pareció condenable pero natural, y se extrañó aún más de que los cientos de millones de pobres tipos que acuden al cine semanalmente en busca de un espectáculo semejante que les alimente no compartan este sentimiento. Peatones e incluso ciclistas, barrigudos y raquíticos, mujeres feas y chicas viejas, sencillamente la inmensa cohorte de los que trabajan para vivir, todos aquellos y muchos otros que cada semana entregan su pasta para contemplar los coches y los muslos aerodinámicos que jamás podrán disfrutar.

Así es como el crítico comprendió que el cine era un sueño. No como a veces se escucha, por la naturaleza ilusoria de de la imagen cinematográfica, tampoco porque el espectador se halle sumergido en una ensoñación pasiva, y todavía menos porque autorice todo lo fantástico del sueño, sino mucho más profundamente en un sentido freudiano, porque no hace nada más que “dramatizar” la realización de un deseo

En el cine, ninguna mujer por bella que sea, está prohibida, porque ustedes son Clark Gable, Humphrey Bogart o Spencer Tracy. Usted puede elegir a su voluntad ser el rey del TNT o un campeón de natación. La realidad del lujo para los que no participan de él, provoca la conciencia dolorosa de la prohibición. En cambio, la dramatización cinematográfica equivale a su realización y a la euforia de la posesión.

Pero había llegado la hora de la sesión y el crítico, con la piel blanca todavía, sólo tuvo tiempo para vestirse e ir al cine.

Esprit, nº139, noviembre 1947

Traducido por Esmeralda Barriendos

Seis años después de obtener la Palma de Oro por La vida de Adèle, extraña el regreso al Festival de Cine de Cannes de Abdellatif Kechiche con la segunda entrega de una trilogía sobre la juventud de los años noventa después de Mektoub, My Love (Canto uno). Una película larga pero incabada que tiene como colofón, un cunnilingus de 13 minutos de duración. El deseo vuelve a ser el tema central de Mektoub, My Love: Intermezzo, realizada tras el descubrimiento de La Blessure la vraie, la novela de François Bégaudeau publicada en 2011, de la cual su película es una adaptación muy libre. El cineasta señala que «desde hacía mucho tiempo soñaba con encontrar un personaje y su intérprete que pudiera seguir durante varias películas. El libro de François, de cierto modo, reactivó estas ganas«. Por otro lado, dieciséis años después de Buenos días, noche, el cineasta italiano Marco Bellocchio explora otro episodio fundamental de la historia de su país con Il Traditore (The Traitor), un retrato de Tommaso Buscetta, el primer gran arrepentido de la mafia. Para su largometraje número veintiséis, Bellocchio centra su interés una vez más en uno de esos héroes rebeldes, interpretado por Pierfrancesco Favino, antiguo miembro de la Cosa Nostra y primer gran arrepentido de la mafia italiana. Finalmente, se siguen sucediendo los anuncios de premios y en la jornada de hoy el jurado de cortometrajes y de la Cinéfondation, presidido por Claire Denis y formado por Stacy Martin, Eran Kolirin, Panos H. Koutras y Cătălin Mitulescu, entrega su primer premio al corto Mano a mano, de Louise Courvoisier, lo que le asegura la presentación de su primer largometraje en el Festival de Cine de Cannes.

Xavier Dolan deja una sensación de decepción generalizada en el Festival de Cine de Cannes con Matthias et Maxime. Después de recibir el Premio del jurado por Mommy en 2014 y el Gran Premio por Solo el fin del mundo en 2016, ahora explora los temas de la amistad y la identidad con la historia de dos amigos de infancia que después de besarse para un cortometraje amateur, comienzan a cuestionar sus preferencias, trastornando el equilibrio de su existencia. Según el director, la película «evoca un mundo en el que jóvenes adultos, de orígenes y estatus diferentes, llegan a una edad de transición y se preguntan, al igual que yo, a qué lugar pertenecen«. La otra película en competición es Roubaix, une lumière (Oh Mercy!), del cineasta Arnaud Desplechin, quien se ha inspirado en un documental sobre la comisaría de su ciudad natal para desarrollar una ficción que transcurre entre el drama y el thriller, en la que una pareja de policías se enfrenta a la humanidad de dos asesinas. Desplechin declara que «por primera vez, en dos criminales, descubrí dos hermanas. Eran papeles maravillosos para dar a dos actrices«. El guion de la película, rodado en Roubaix durante siete semanas, ha sido coescrito con la directora y guionista Léa Mysius. Finalmente, la película Nuestras madres, del guatemalteco César Díaz, consigue el premio de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos (SACD) de la Semana de la Crítica, sección paralela del Festival que otorga su máximo galardón a la cinta de animación J’ai perdu mon corps, del francés Jérémy Clapin, donde una mano escapa de la sala de disección para encontrar su antiguo cuerpo.

Quentin Tarantino retorna al Festival de Cine de Cannes. Han pasado los años y la películas pero todo es diferente. Como el Hollywood setentero que retrata en Érase una vez… en Hollywood. Ambientado en 1969, el cineasta rinde homenaje a la ciudad de Los Ángeles. En él, Leonardo DiCaprio y Brad Pitt interpretan a Rick y Cliff, inspirados en la vida de Burt Reynolds. El cineasta ha escrito una carta abierta en la que pide a los asistentes al pase del filme que no revelen spoilers de la trama. «Por favor, no lo hagáis«, y señala que «me encanta el cine, tú adoras el cine. Es el viaje de descubrir un relato por primera vez. Estoy encantado de poder estar en Cannes y compartir ‘Érase una vez en… Hollywood’ con el público del festival«, para añadir que «solo le pido a todo el mundo que evite revelar cualquier dato que impida que el resto de espectadores experimente el descubrir, por primera vez, la película de la misma manera. Gracias», termina el cineasta, añadiendo el hashtag #NoSpoilersInHollywood (Sin spoilers en Hollywood)«.También se presenta a concurso Gisaengchung (Parasite), con la que el director Bong Joon-Ho, figura emblemática del cine coreano, regresa a Corea del Sur tras dos largometrajes internacionales: Okja y Snowpiercer: Rompenieves. Esta nueva película, crítica de las desigualdades sociales, se pregunta acerca de la compleja coexistencia de las clases sociales para hacer una reflexión sobre las desigualdades entre dos clases sociales a través de la historia ficticia, pero realista, de dos clanes opuestos: la familia humilde de Ki-taek, cuyos cuatro miembros están en paro, y la familia acaudalada del Sr. Park, jefe de una empresa de informática. Finalmente, en «Una cierta mirada» Oliver Laxe retorna a Cannes tras Todos vós sodes capitáns (2010) y Mimosas (2016), para sumergirse en sus raíces gallegas, en su casa, en Galicia, en el pueblo, hoy abandonado, donde nació su madre. La película se centra en un pirómano que vuelve a casa de su madre después de cumplir condena, donde es recibido entre la conmiseración y el recelo.

Los hermanos Dardenne, dos veces ganadores de la Palma de Oro, regresan a Cannes con su Le Jeune Ahmed (El joven Ahmed) en el que exploran el tema de la radicalización islamista y el adoctrinamiento yihadista. Los recientes atentados de París les marcaron, y en este largometraje, Jean-Pierre y Luc Dardenne presentan a un personaje complejo, un misterioso chico de 13 años quien, en nombre de sus convicciones religiosas, está determinado a cometer un asesinato. Por otro lado, el séptimo largometraje de Ira Sachs, y primera participación en competición, se centra en una famosa actriz francesa, Frankie, cuyos días tocan a su fin, interpretada por Isabelle Huppert. La cineasta declara que «durante los últimos cinco años, he estado más cerca de la enfermedad y de la muerte que en cualquier otro momento de mi vida. Mi abuela falleció y también perdí a dos de mis amigas más queridas a causa del cáncer. Lo que me impactó fue comprobar hasta qué punto la experiencia fue diferente a la que había previsto. Hubo momentos muy tristes, por supuesto, pero también momentos muy divertidos y también muy banales. Es ese contraste lo que me pareció sorprendente y tan poderoso. A raíz de esas experiencias nació Frankie«.

Alain Delon recibe su Palma de Oro de honor a pesar de la polémica surgida por sus declaraciones tachadas de homófobas y misóginas.Siempre se le resistió, pero hoy recibe la compensación a sus 83 años. Thierry Fremaux, director del Festival de Cine de Cannes respondió a la polémica asegurando que «nosotros no le damos el premio nobel de la paz a Alain sino la palma de oro a toda su carrera como actor. Tiene derecho a expresar sus opiniones, con las que, por cierto, no estoy de acuerdo personalmente«. Y desde ese punto de vista, no cabe de duda de que es plenamente merecedor del galardón. En la sección oifical, el director, guionista y productor Terrence Malick presenta la espléndida A Hidden Life, un largometraje inspirado en la vida de Franz Jägerstätter, objetor de conciencia ejecutado por los nazis en 1943. Después de varias películas filmadas sin guion y más cercanas a fantasías espirituales, con planos silenciosos, lentos y poéticos, el director parece indicar su retorno a una narrativa más lineal. En la otra película a competición, tras rodar una trilogía sobre la juventud, Céline Sciamma vuelve a encontrarse con Adèle Haenel en Portrait de la jeune fille en feu (Portrait of a Lady on Fire), un largometraje delicado e intimista sobre las vicisitudes del amor en el entorno de las pintoras del siglo XVIII. A través de numerosos planos secuencia, Sciamma dice haber querido abordar la descripción de un «sentimiento adulto«, para lo cual se ha sumergido durante casi dos años en las obras sobre los movimientos artísticos femeninos del siglo XVIII.

Después de la resaca de la presentación de Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, el cineasta ofrece una rueda de prensa en la que asegura que «no ha conocido una lluvia tan feliz como la de esta mañana» tras la «noche de anoche«. Hoy toca el turno Albert Serra quien, tras el éxito de La Mort de Louis XIV, confirma con Liberté su preferencia por los elencos eclécticos de actores profesionales y aficionados. Presentada en «Una cierta mirada», la película se ambienta en una zona de «cruising«, donde todos están en el mismo nivel: ricos y pobres, bellos y feos, hombres y mujeres, amos y criados. En la sección oficial, La Gomera (The Whistlers), es un cinta en la que el rumano Corneliu Porumboiu sigue el periplo por las Islas Canarias de un policía corrupto encargado de recopilar información para liberar a un hombre de negocios con un pasado turbio. Sin embargo, para lograr su objetivo, deberá aprender el silbo, una lengua basada en silbidos única en el mundo que solo conocen los habitantes de la Gomera. Esta forma de comunicación centenaria de La Gomera, patrimonio inmaterial de la humanidad desde 2009, se recupera en este filme en el que también interviene el cineasta Agustí Villaronga. Por otro lado, Diao Yinan dirige Nan Fang Che Zhan De Ju Hui (The Wild Goose Lake), con la que sigue ahondando en las brechas sociales de su país. Se trata de un thriller oscuro presentado protagonizado por Hu Ge y Wan Qian, que no despierta mayor interés. Así mismo, Bruno Dumont retorna en «Una cierta mirada» el mito de Juana de Arco, tras el musical Jeannette (2017), y ahora adapta las dos últimas partes de Domrémy, una obra de Charles Péguy, en Jeanne (Joan of Arc) con la música del cantante francés Christophe. Finalmente, cuatro años después de Love, el director argentino Gaspar Noé regresa a la sección oficial, en la Proyección de medianoche, con una nueva película «sorpresa» Lux Aeterna, análisis conmovedor sobre el respeto de las creencias, el trabajo de actor y el arte de la dirección.

Argentina, Perú y Brasil competirán en la Quincena de Realizadores con tres de los 24 largometrajes seleccionados para la 51 edición de esa sección paralela del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre los próximos 15 y 25 de mayo. El director argentino Alejo Moguillansky estrenará Por el dinero, una comedia política centrada en la situación de los artistas en la sociedad contemporánea. La peruana Melina León llegará con Canción sin nombre, ópera prima con una puesta en escena «precisa y suntuosa» que la Quincena califica de «bello descubrimiento«, y la brasileña Alice Furtado también llevará su primer largometraje, Sem seu sangue, una exploración en torno al «deseo femenino y el duelo amoroso«. La Quincena se inaugurará con Le Daim, dirigida por el francés Quentin Dupieux y protagonizada por Jean Dujardin. La Quincena de Realizadores es una sección paralela al Festival de Cine de Cannes creada por la Sociedad de Realizadores de Filmes (SRF) para «descubrir películas de jóvenes autores y saludar las obras de directores reconocidos«.

+ info

La Semana de la Crítica, que se desarrollará entre el 15 y el 23 de mayo próximos en el marco del Festival de Cine de Cannes, tendrá un marcado acento latino, puesto que el presidente del jurado será el colombiano Ciro Guerra. El programa es desvelado a través de una conferencia de prensa en línea del delegado general Charles Tesson, e incluye siete títulos en competición. En la selección también destacan cuatro largometrajes fuera de competición.

+ info

Las nuevas películas de Pedro Almodóvar, Xavier Dolan, Terrence Malick, Bong Joon-ho y Ken Loach, entre otros cineastas, competirán por la Palma de Oro en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, que también tendrá presencia española en «Una cierta mirada» con las nuevas cintas de Albert Serra y Oliver Laxe, según anuncia el director del certamen, Thierry Frémaux. Almodóvar competirá con Dolor y gloria en la 72 edición del certamen que se celebrará del 14 al 25 de mayo, siendo la sexta vez en la que compita por la Palma de Oro. Netflix tampoco participará este año en el festival, a pesar de haber intentado llegar a un acuerdo con la dirección del certamen.

+ info

El actor Alain Delon recibirá la Palma de Oro Honorífica en la 72ª edición del Festival de Cine de Cannes. Con este reconocimiento, el certamen rendirá un tributo especial a su excelente trayectoria cinematográfica, en la que hay títulos imprescindibles de la historia del cine como Rocco y sus hermanos (1960), El gatopardo (1963) o El silencio de un hombre (1967). El anuncio lo hace Thierry Frémaux, delegado general del Festival, mediante un comunicado. «Pierre Lescure y yo estamos encantados de que Alain Delon haya aceptado ser honrado por este festival. Dudó durante bastante tiempo, ya que era reacio en aceptar esta Palma, puesto que pensaba que solo debería venir a Cannes para conmemorar a los directores con los que ha trabajado«, declaran tras tildar a Delon de «leyenda viva» del cine.

El Festival de Cine de Cannes homenajea a la cineasta Agnès Varda, fallecida a finales del pasado mes de marzo, con un cartel en el que la cineasta ocupa la parte central de la imagen durante el rodaje de la que fue su primera película, La Pointe Courte. Tal y como recuerda el Festival, la imagen recupera el rodaje de dicha película que tuvo lugar en la localidad de Séte en agosto de 1954 y que sirvió a la autora para establecer las bases de lo que posteriormente se conoció como «nouvelle vague». Varda está reclinada para mirar a través de la cámara, a la vez que sus pies están encima de una persona que le hace las veces de apoyo. El cartel distorsiona el color del cielo y del mar, con un predominio de naranja y morado. «Como un manifiesto, esta imagen resumen todo lo que era Varda: su pasión, aplomo y picardía, ingredientes de una receta que enriqueció constantemente«, señala el Certamen.

La película The dead don’t die, de Jim Jarmusch y protagonizada por Bill Murray, Adam Driver y Tilda Swinton inaugurará el Festival de Cine de Cannes. Ganador en 1984 de la Cámara de Oro por Extraños en el paraíso y en 2005 con el Gran Premio por Flores rotas, será presentado en competición por la Palma de Oro el 14 de mayo. Jarmusch se adentra nuevamente en el cine de género una comedia de zombis y un «reparto para despertar a los muertos«, según un comunicado del certamen. The dead don’t die no es «solo una comedia y una subversión del género a veces aterradora«, sino también «un homenaje al séptimo arte«, sostienen los organizadores del festival.

El cineasta colombiano Ciro Guerra presidirá la sección paralela de la Semana de la Crítica en el próximo Festival de Cine de Cannes, que comenzará el 15 de mayo. Autor de cuatro largometrajes, Guerra debutó en Cannes en 2009 con su segunda película, Los viajes del viento, proyectada en la sección «Una Cierta Mirada». Su tercer filme, El abrazo de la serpiente, fue seleccionado en la «Quincena de Realizadores» en 2015, antes de convertirse en la primera cinta colombiana en optar al Oscar a la mejor película extranjera. Pájaros de verano, su última obra hasta el momento, abrió la pasada edición del festival dentro también de la «Quincena de Realizadores». Los organizadores destacan el «recorrido excepcional» y «la agudeza de la mirada» del cineasta, autor de una obra «muy personal y de una nueva visión en Colombia, testigo de una generación que tiene la voluntad de reapropiarse de los espacios«. Junto a Guerra, formarán parte del jurado de la Semana de la Crítica la actriz franco-británica Amira Casar, la productora francesa de origen danés Marianne Slot, la crítica belga-congoleña Djia Mambu y el guionista y director italiano Jonas Carpignano.

La directora y guionista francesa Claire Denis presidirá el jurado de los cortometrajes de la competición oficial del Festival de Cine de Cannes y del apartado dedicado a los proyectos surgidos de escuelas cinematográficas, la Cinefundación. Denis, de 72 años, es la directora de Chocolat (1988), J’ai pas sommeil (1994), Trouble every day (2001) o Les salauds (2013), todas ellas presentadas en el certamen. La 72 edición de Cannes se celebrará del 14 al 25 de mayo. La Palma de Oro al mejor cortometraje se entregará el día de la clausura, y los premios de la Cinefundación serán revelados el día 23.

El Festival de Cine de Cannes no contará -por segundo año consecutivo- con ninguna producción del gigante de streaming Netflix ni en la sección oficial a competición ni fuera de ella. La 72ª edición del certamen tendrá lugar del 14 al 25 de mayo. El Certamen cambió en 2018 las normas para excluir los filmes producidos por la compañía, aunque desde entonces han mantenido encuentros para acercar posiciones. Cannes defiende la postura de los exhibidores, que denuncian que la estrategia de Netflix está destinada a acabar con los cines y que hay que garantizar un estreno en la gran pantalla de las películas y un cierto margen de tiempo antes de que lleguen a internet.

El cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu presidirá el jurado del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre el 14 y el 25 de mayo. El autor de Birdman es un habitual del certamen desde 2000, ya que ha presentado allí sus películas Amores perros, Biutiful y Babel. «Cannes es importante para mí desde el principio de mi carrera. Estoy honrado y contento de volver este año e inmensamente orgulloso de presidir el jurado. El cine corre por las venas del planeta y este festival es su corazón«, ha manifiesta el director en un comunicado distribuido por el festival. Iñárritu toma el relevo de la actriz Cate Blanchett, que el año pasado presidió el jurado que concedió la palma de oro a la Palma de Oro al cineasta japonés Hirokazu Kore-eda por Un asunto de familia.

The eyes of Orson Welles, de Mark Cousins

Mark Cousins es muy conocido por su Historia del Cine y los capítulos en vídeo que realizó sobre la misma. Gran cinéfilo y extraordinario comunicador, capaz de explicar, emocionar y quizás fomentar el visionado del gran cine entre todos los públicos, ha presentado hoy (09/05/18) en Cannes su película The Eyes of Orson Welles.

(…) El realizador tuvo un acceso exclusivo a cientos de dibujos y pinturas privados de Orson Welles. Como punto de partida y a través de ellos, Cousins se adentra en el mundo visual de este legendario actor y director, para así desvelar un retrato distinto del artista: construido con sus propios ojos, dibujado por su mano y sus pinceles.

Michael Moore es el productor ejecutivo de esta película, que nos habla de las pasiones, las ideas políticas y el poder de Welles, y explora cómo su genio todavía resuena en la era Trump, más de 30 años después de su muerte

THE EYES OF ORSON WELLES (*)

Orson Welles fue un icono de la pantalla y la escena teatral del siglo XX. Las películas en las que intervino como actor y director, –Ciudadano Kane, Sed de Mal y Falstaff-, están entre las mejores, las más innovadoras películas jamás realizadas. Fue un genio que se codeo con presidentes, que hizo campaña a favor de políticas progresistas y que amó a las mujeres más bellas de su época. Compartió mesa con Picasso, Chaplin y Monroe como una de las figuras culturales de los últimos cien años.

Pero existe un aspecto de su vida y de su obra del que no se ha hablado nunca. Como a Kurosawa y a Eisenstein, a Welles le gustaba dibujar y pintar. Se formó como artista siendo un niño prodigio, pero un viaje de dibujo a Irlanda en su adolescencia le condujo en una nueva dirección, hasta el escenario del Teatro The Gate Theatre en Dublín. Y de allí, al estrellato casi inmediatamente. Welles continuó dibujando y pintando por placer toda su vida, y su innovador trabajo como cineasta y director de teatro tomó la forma de su imaginación visual.

A su muerte hace más de treinta años, dejó cientos de bocetos de personajes, diseños de escenarios, visiones de proyectos no realizados, ilustraciones para entretener a sus hijos y a sus amigos, garabatos al margen de cartas personales e imágenes de personas y lugares que le inspiraron. La mayoría fueron guardados bajo llave desde su muerte, y muchos no se han publicado nunca.

Ahora por vez primera, Beatrice, la hija de Welles, ha permitido que Mark Cousins acceda a este tesoro oculto de imágenes para hacer una película sobre el hallazgo. Todos estos dibujos y pinturas son una ventana al mundo de Welles y una ilustración vívida de su creatividad y su pensamiento visual.

The Eyes of Orson Welles es una película para cine que utiliza las técnicas de los documentales convencionales de televisión. Con su característica y emotiva voz, Cousins presenta nuevos escaneos digitales de las obras de arte, animaciones realizadas expresamente para el film que dan vida al universo visual de Welles. Las animaciones son obra del diseñador gráfico Danny Carr, intercaladas con fragmentos de las películas de Welles, grabaciones de radio en las que intervino, y entrevistas de televisión, así como los encuentros con Beatriz Welles narrando una historia personal de las imágenes. La partitura original del joven compositor norirlandés Matt Regan otorga al film emoción y expresividad. La música de los créditos es el famoso Adagio de Albinoni, una alusión directa al hecho de que Welles fuera el primer cineasta que lo utilizó como banda sonora en la adaptación del El Proceso, en 1961.

La película de Cousins se desarrolla en tres actos: Peón, Caballero y Rey, con un epílogo sobre el tema del Bufón. La secuencia del peón muestra al Welles político, su simpatía por la gente normal, imágenes que muestran la humildad de los seres humanos, niños, personas respetables que no ostentan poder alguno.
La sección del caballero muestra la obsesión de Welles por el amor, sus romances con Dolores del Río y Rita Hayworth, y su rasgo quijotesco, lo que el mismo consideró ideales caballerescos pasados de moda.La sección del rey se centra en la fascinación de Welles por el poder y su corrupción, a través de ilustraciones de personajes como Macbeth, Enrique V, Kane y el propio Welles en el aspecto más épico de los seres humanos, los que hacen las leyes y los que abusan de ellas. El epílogo del Bufón explora las imágenes más divertidas y burlonas con una sorprendente intervención del mismo Welles.

Cousins viaja hasta localizaciones clave en la vida de Welles,-Nueva York, Chicago, Kenosha, Arizona, Los Ángeles, España, Italia, Marruecos, Irlanda-, para capturar bellas, significativas imágenes, ubicar su obra y escenificar algunos momentos definitivos en la carrera y vida personal de Welles.

Mark filmó la película con dos pequeñas cámaras: una minúscula cámara HD y una cámara 4k que da como resultado un nuevo “estilo steadycam” de toma continuada sin necesidad de dolly ni raíles. Esta tecnología le hubiera encantado a Welles, pero solo pudo soñar con ella: pasó una eternidad luchando contra las limitaciones creativas y financieras de las técnicas de filmación tradicionales. Este modo de filmar muestra la inmediatez de los bocetos y pinturas de Welles en su compromiso veloz con el universo visual. Estas cámaras son pinceladas de Mark, que otorgan un contacto directo, personal y táctil entre su mano y la imagen capturada/creada sin la intervención de equipos técnicos incómodos.

Al final, esta película-ensayo es mucho más que los dibujos y pinturas. Tal y como los cuadernos de bocetos de Leonardo Da Vinci mostraron las pasiones del pintor, la huella de su pensamiento visual y sus cambios, esta película es un encuentro con la imaginación del gran artista que amplió las fronteras del cine, su compromiso político, vinculado a cuestiones como el poder, el existencialismo, la memoria, el destino, la filiación, la psicología, el espacio y la luz. Todos los ingredientes hacen de The Eyes of Orson Welles no sólo el retrato de un gran hombre sino un informe sobre el siglo XX y la reflexión acerca de la continua relevancia de este genio en lo que Mark describe como los tiempos “wellesianos”(…)

(*) Los ojos de Orson Welles

Extracto del dossier de prensa del film.

Traducción: Esmeralda Barriendos para zinema.

Girl, de Lukas Dhont (Un Certain Regard) – Premio Caméra d’or (*)

Cuando era pequeño, mi padre quería que fuera boy-scout. Nos llevaba a mi hermano y a mí cada 15 días  a jugar con otros niños en el barro o de camping. Ambos odiábamos hacer eso. Nos gustaba mucho más el teatro, la danza o el canto, donde realmente podíamos expresarnos. Ya podéis  imaginar qué confusión cuando supimos que todo esto era visto como actividades “para chicas”… Yo era un chico, ¿cómo podía gustarme eso? Terminé por dejarlo todo porque no quería que se burlaran de mi.

Mucho más tarde, acababa de comenzar a estudiar en la escuela de cine, y leí un artículo sobre una jovencita: había nacido en el cuerpo de un chico, pero estaba convencida de ser una niña en realidad, incluso si la biología no le daba la razón. Inmediatamente, sentí una gran admiración por ella, y me entusiasmó la idea de poder escribir un personaje como ella: alguien valiente, que ya desde muy joven cuestiona el vínculo que establece la sociedad entre sexo y género.

Así comenzó Girl, por la necesidad de hablar la la percepción del género, de lo masculino y lo femenino. Pero sobre todo, para mostrar la lucha interior de una joven heroína, capaz de poner su cuerpo en peligro para convertirse en la persona que quiere ser. Una chica que debe elegir ser ella misma con 15 años, cuando a otros les cuesta toda una vida.

Lukas Dhont (Guionista y realizador de “Girl”)

Nacido en Gante (Bélgica) donde cursó estudios de Artes Audiovisuales, sus cortometrajes Cuerpo Perdido y El Infinito han obtenido numerosos premios. El Infinito recibió una nominación al Oscar en 2015.

En 2016 participa en la Cinéfondation de Cannes con el guión de su primer largometraje, Girl. En esta película encontramos los temas favoritos del realizador,  como la danza, la transformación  y la identidad. Lukas Dhont también colabora habitualmente con el bailarín y coreógrafo Jan Martens. Ambos idearon un espectáculo titulado “The Common People”.

Víctor Polster ( Lara en el film)

Víctor Polster nació en Bruselas en 2002. Después de estudiar teatro desde muy joven, decide convertirse en bailarín profesional en la Real Escuela de Ballet de Anvers. Participa en un videoclip del grupo Vegas, y desde ese momento, recibe numerosas propuestas del Ballet Vlaanderen, un posado para Dior, diversas competiciones de danza y numerosos premios.

En el año 2018, Victor dará sus primeros pasos en el cine con Girl, de Lukas Dhont, donde interpreta el papel principal de Lara.

(*) El premio Caméra d’Or (Cámara de Oro) se otorga en el marco del Festival de Cannes desde 1978 a la mejor primera película. El jurado de esta edición 2018 ha sido presidido por la cineasta suiza Ursula Meier.

Pájaros de verano, de Ciro Guerra y Cristina Gallego (Quincena de los Realizadores)

En los años 70, en Colombia, una familia wayú se halla en el centro de la creciente venta de marihuana a la juventud americana. Cuando el honor de las familias intenta resistir a la avidez de los hombres, la guerra entre clanes se convierte en algo inevitable poniendo en peligro sus vidas, su cultura y sus tradiciones ancestrales.

Es el nacimiento de los cárteles de la droga.

Entrevista a Cristina Gallego y Ciro Guerra.

¿Esta película mantiene una continuidad con proyectos anteriores o se trata de una ruptura consciente?

Ciro Guerra. Sin renunciar a las fuentes de nuestras películas precedentes, efectivamente hay una cierta ruptura, dado que se trata de nuestra primera incursión en el cine de género. Se trata esta vez de una reflexión sobre la noción del mito, algo que me interesa desde hace mucho tiempo. Al igual que en las películas anteriores, hemos querido hablar de los pueblos nativos de América Latina y de sus historias, a menudo olvidadas, pero adaptándolas a los cánones del cine de género. Con voluntad expresa de renovar el género, de reinventarlo.

Cristina Gallego. Por una parte, la película señala la continuidad con un proceso creativo ligado a nuestros filmes precedentes; Ciro como director y yo como productora. Pero por otra parte, existe una ruptura porque es la primera película en la que somos correalizadores. Intervine en cada una de las etapas del proceso creativo de EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, y más concretamente en el guión y en el montaje. La realización conjunta ha sido el paso siguiente.

En vuestra opinión, ¿a qué género pertenece la película?

Ciro Guerra. Para mí, es cine negro, es un film de gánsteres. Pero también podría ser al mismo tiempo un western, una tragedia griega y un cuento de Gabriel García Márquez. De alguna manera, los géneros se han convertido en los arquetipos míticos de nuestros días. Desde la noche de los tiempos, el ser humano ha intentado hacer uso del mito para dar un orden y un sentido que se nos escapa  a una existencia caótica. Esa es hoy la función de los géneros: determinan la comprensión del mundo y anuncian el territorio donde la historia se desarrolla.

En este sentido, siempre me he identificado con los narradores de las primeras civilizaciones. Hacemos lo mismo que se hacía hace treinta mil años en una cueva: usar las luces y las sombras para contar una historia.

Cristina Gallego. La cultura que describe la película, la de los wayú, posee unos códigos no muy alejados de los de los gánsteres. Hay un personaje, el “palabrero” que tiene un papel similar al del “consigliere” de la mafia. Es un género que gusta mucho, pero que nos habíamos prohibido en nuestro cine. Es difícil apropiarse de ello a causa de los estragos de la historia reciente de nuestro país.

¿Qué diálogo se establece entre esta película y El ABRAZO DE LA SERPIENTE?

Ciro Guerra. Teníamos previsto filmar PÁJAROS DE VERANO mucho antes del éxito de nuestra película anterior. Su concepción no fue condicionada en modo alguno por ese éxito. Sin embargo, después del rodaje sabíamos que queríamos tomar una dirección diferente.

En el cine de hoy, hay demasiadas repeticiones. A menudo el cine se cierra sobre sí mismo, es un cine que se muerde la cola. Lo que nos interesaba era ampliar fronteras.

¿De dónde nace esta historia? ¿Por qué este episodio particular entre el gran mosaico de relatos que constituye la historia del narcotráfico en Colombia?

Cristina Gallego. Entre los años 2006 y 2007, nos trasladamos a la costa del norte de Colombia para preparar la película LOS VIAJES DEL VIENTO. Una de las escenas de la película tenía lugar durante la bonanza marimbera (el periodo de exportación de cannabis a los Estados Unidos en los 70 y 80, particularmente en el desierto de la Guajira, donde fue filmado PAJAROS DE VERANO).

Preguntamos a la población local, escuchamos historias que ignorábamos. En aquella época nos preguntábamos: ¿cómo que es posible que nadie haya contado esta historia?

Ciro Guerra. Es cierto que hubo numerosas historias sobre el narcotráfico, hasta el punto de convertirse en un cliché. En nuestra opinión, la bonanza marimbera, era esa gran historia que todavía no se había contado. En el arte colombiano, a menudo se ha creado una glorificación de la violencia, una fascinación por el poder y por los aspectos más brutales de esta historia, sin que a nadie le interesara crear un espacio de reflexión. Esta representación nos supuso un problema.

PÁJAROS DE PASO cuenta una historia alegórica que también alude a Colombia en su integridad y no solamente a este rincón árido del norte del país.

Ciro Guerra. Cierto. La bonanza marimbera es la historia original, el punto de partida de este fenómeno en nuestra sociedad y en nuestra vida. Se hizo posible una reflexión que creímos necesaria, hoy especialmente. Esta historia contenía en sí misma el potencial para trascender lo anecdótico y alcanzar algo más profundo.

Cristina Gallego. Es una metáfora de nuestro país, una tragedia familiar que se transforma en una tragedia nacional. Hablar del pasado, nos permite comprender mejor lo que hoy somos como país.

¿Cómo resuena esta historia en el contexto político actual, tras la puesta en marcha del proceso de paz entre el gobierno y las FARC?

Ciro Guerra. Es el momento propicio para contar este tipo de historias. El proceso de paz nos ha permitido echar un vistazo a nuestro pasado. Colombia no es un país cuya historia haya sido borrada de la memoria de los ciudadanos. La bonanza marimbera es, sin ir más lejos, totalmente desconocida para las generaciones más jóvenes. Hemos querido crear un instrumento de reconstrucción de la historia con esta película.

El rodaje fue especialmente complicado, en unas condiciones climatológicas muy duras y con grandes dificultades logísticas.

Cristina Gallego. Rodamos en un ambiente de amenaza y preocupación constantes. Tuvimos que construir diques  de contención para evitar que el plató se inundase, algo que sucedía continuamente. Fue un trabajo físico muy intenso. Las dificultades fueron aumentando, tuvimos una fuerza espiritual y colectiva muy importante…

Ciro Guerra. Fue sin lugar a dudas el rodaje más complejo que hemos realizado. La Guajira es una tierra árida, salvaje, un territorio difícil. Nos enfrentamos a condiciones climatológicas terribles, a una tormenta de arena y a otra tormenta monumental, la más importante de los seis últimos años, que destruyó por completo dos de nuestros platós. Es una película en la que hemos tenido que luchar por cada plano.

¿La película responde a una voluntad de preservar, desde el punto de vista etnológico, la cultura de los wayú, del mismo modo que en EL ABRAZO DE LA SERPIENTE eran los pueblos de la Amazonia?

Ciro Guerra.  Hay una diferencia fundamental: la etnia wayú es la más extendida en Colombia. A  diferencia de los pueblos amazónicos, se trata de una cultura muy viva que no corre el riesgo de desaparecer, quizás porque apenas ha estado en contacto con el resto del país y la cultura occidental.

Creo que el cine es un instrumento que nos permite aproximarnos y descubrir al otro. Es casi un medio de transporte: tiene el poder de trasportarnos a lugares donde viven personas que comprenden la vida y el mundo de un modo opuesto al nuestro. Hacer cine es una aventura y ver cine también debería serlo.

¿Por qué la realización conjunta de esta película?

He iniciado un proceso de colaboración con Cristina que ha ido haciéndose más profundo en cada una de las películas que hemos filmado juntos. En EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, su punto de vista ejerció una gran influencia en el aspecto creativo. Superar ese paso fue algo totalmente natural.

Cristina participó en todas las decisiones de la puesta en escena, en el trabajo con los actores, en el tono y el espíritu de la película… No hay un reparto real de tareas, como suele suceder en películas de realización conjunta. Además, queríamos introducir un punto de vista femenino muy marcado en esta historia.

Es cierto que los personajes femeninos ocupan un lugar central, mientras que en una película hollywoodiense de cine negro hubieran sido relegados a papeles secundarios.

Ciro Guerra. Es algo que obedece a la naturaleza de la cultura wayú, una sociedad casi matriarcal en la que las mujeres toman todas las decisiones y llevan el peso del grupo social.

Cristina Gallego. Las mujeres wayú se ocupan del comercio y la política. Al mismo tiempo, es una sociedad muy machista. Durante el trabajo de investigación para escribir la historia, muchas personas negaban que las mujeres hubieran participado en el narcotráfico. “Ellas se quedaban en casa”, nos decían. Evidentemente, descubrimos que no era cierto del todo.

No quería que fuera la historia de otro “padrino”, sino más bien de una “madrina”. De ahí, el personaje de la matriarca interpretado por Carmina Martínez, una actriz de teatro que nunca había trabajado en cine.

Han vuelto a trabajar de nuevo con un grupo de actores profesionales y no profesionales. ¿Por qué esta mezcla de perfiles? ¿cómo se relacionan entre ellos en el entorno del rodaje?

Cristina Gallego. Al comienzo, queríamos rodar con actores originarios de este territorio pero no existían actores profesionales que hablasen la lengua wayú. Organizamos un casting muy largo, pero no encontramos a nadie.

Por otra parte, era importante que los actores que interpretan a los personajes principales llevaran el peso de sus papeles, que sufrieran una transformación física y soportaran el paso del tiempo en la película. Así que terminamos por acudir a actores profesionales para los papeles principales. Algunos son de la región de la Guajira, como Carmina Martínez o José Acosta.

Ciro Guerra. Es una manera interesante de trabajar, porque los actores profesionales aportan rigor y disciplina y  los no profesionales, por su parte, enriquecen el rodaje con su experiencia, con lo vivido, algo que el profesional no puede interpretar.

Tras una larga búsqueda, encontramos algunos actores no profesionales en varias rancherías, las residencias tradicionales de los wayú de la Guajira.

¿Cuál será vuestro próximo proyecto?

Ciro Guerra. En este momento preparo una adaptación de Esperando a los bárbaros, la novela de J.M.Coetzee, que filmaré antes de final de año, con Robert Pattinson en uno de los papeles principales.

Trabajar en otro país, y en una lengua que no es la mía no me incomoda. Siento la potencia de la historia, y cuando esto sucede, el resto se convierte en algo secundario.

La novela, una parábola sobre el racismo en Sudáfrica, me fascina porque es un relato complejo, humano y moral, que habla a partir de la alegoría del mundo actual. Contiene todos los elementos que busco en una historia. Y es algo que no he visto nunca antes, lo que supone mi principal motor como realizador.

Cristina Gallego. Tenemos un nuevo proyecto en común para el que estoy investigando actualmente. Habla de un personaje histórico olvidado: una mujer completamente desconocida en nuestros días que jugó un papel clave en el proceso de independencia de América Latina

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para zinema

Pájaros de Verano fue la película de apertura de la Quincena de los Realizadores en el Festival de Cannes 2018

Climax, de Gaspar Noé (Quinzaine des Réalisateurs)

Art Cinema Award 2018

¿POR QUÉ?
A veces hay sucesos que son sintomáticos de una época. Los acontecimientos estallan de manera espontánea o no, hasta alcanzar a las fuerzas del orden, y algunos de ellos se transforman incluso en información a gran escala.

Estos acontecimientos adquieren así una nueva dimensión: se agrandan o se reducen, se desnaturalizan. A veces son digeridos por los que los transmiten y en otras ocasiones, por los que los reciben.

Vidas gloriosas o vergonzosas terminan sobre el papel, para desaparecer a continuación, muy rápidamente, en el olvido colectivo.

La existencia sólo es una ilusión fugaz que uno lleva en sí mismo hasta la muerte.

Cuando leemos las biografías, en ellas está escrito todo y su contrario. Lo mismo sucede cuando se relata un suceso o un asunto concreto. Y los medios de comunicación  que se han extendido en el transcurso de los últimos veinte años hacen todavía más ilusoria cualquier tipo de supuesta objetividad.

La gente, como los animales, nace, muere y vive sin dejar más huella que la de la margarita más pequeña del campo. La alegría y el dolor , los logros y los fracasos son indicios de una percepción virtual, de un presente que no existe fuera de la memoria.

En 1996, miles de historias fueron impresas en papel, historias que hoy han sido olvidadas y mañana, aún lo serán más todavía. Muchos de los que nacieron o vivieron en ese año todavía están con nosotros. Pero de la gran mayoría de aquellos cuyo corazón cesó de latir,  apenas queda nada o casi nada: un nombre en un cementerio o en un viejo periódico en el fondo de un sótano.

Las alegrías del presente, cuando se viven intensamente, nos permiten olvidar este vacío inmenso. Los éxtasis, tanto constructivos como destructivos, son antídotos. El amor, la guerra, el arte, el deporte, la danza nos parece que justifican nuestro breve paso por la tierra.

Entre estas distracciones, una de ellas especialmente me ha hecho feliz siempre: la danza. Pensando en hacer una película, me pareció provocador hacer un film centrado en este hecho, hipnotizado por el talento de los bailarines protagonistas. Con este proyecto pude representar de nuevo en una pantalla una parte de mis alegrías y mis temores personales.

1996 fue ayer mismo. No existían ni los móviles ni internet. Pero la mejor de las músicas ya estaba ahí. En Francia, Daft Punk publicaba su primer vinilo, La Haine (1) acababa de estrenarse en Francia y el diario Hara-Kiri no lograba resucitar del todo. La masacre de los adeptos a la Orden del Templo Solar era silenciada por las fuerzas ocultas del Estado. Y algunos soñaban con construir una Europa poderosa y pacífica mientras una guerra bárbara continuaba infectando su interior.

Las guerras crean movimientos, las poblaciones cambian, los modos de vida y las creencias también. Pero aquello a lo que llamamos Dios permanecerá siempre del lado del cañón más poderoso. Lo que fue, será. A pesar de mover una coma, la esencia de la frase seguirá siendo la misma.

(1) El odio, (1995), película de Mathieu Kassovitz.

(Extracto del dossier de prensa de Climax, de Gaspar Noé. Traducción del francés de Esmeralda Barriendos)

Burning, de Lee Chang-Dong (Sección Oficial, 19/05/18)

Magnífico el film del director coreano Lee Chang-Dong, que recibió el premio al mejor guión por su film Poetry en el Festival de Cine de Cannes hace ocho años.

Lee considera que las buenas historias son como seres vivos que andan por ahí, a nuestro alrededor. Uno las encuentra por puro azar sólo si está suficientemente atento. De este modo llegó a sus manos la novela de Haruki Murakami titulada Los graneros quemados.

La película de Lee Chang-Dong oculta más que revela, toda ella sumida en un misterio que le otorga una profunda dimensión cinematográfica.

El joven Jongsu, que trabaja como mensajero, se encuentra al realizar una entrega con Haemi, una chica que vivía en su barrio hace muchos años. Ella le pide que cuide de su gato durante un viaje a Africa.

Jongsu sostiene la película de un modo extraordinario, a pesar de tratarse de un personaje apático y solitario, y la dificultad de mantener el interés del espectador cuando efectivamente no sucede nada, hasta el desenlace final.

La ira de los jóvenes es una de las cuestiones que más preocupa a este director, causada por una vida sin expectativas, y que finalmente ocasiona un sentimiento de impotencia.

Burning se inspira también en el universo de Faulkner. Una de sus novelas lleva el mismo título que la de Murakami, y la relación con su padre proviene directamente de este universo del autor americano: el hijo se siente culpable de los actos violentos cometidos por la rabia del padre.

Existe un proverbio bosquimano que concluye así: el rocío de la mañana sobre las flores son las lágrimas de las estrellas.

El director cree firmemente que el misterio que se halla en el origen del cine es un reflejo del misterio de la vida. Algunas personas no renuncian nunca a la búsqueda de ese sentido.

Algunos no renunciamos al cine.

Ayka, de Sergey Dvortsevoy (Sección Oficial, 18/05/18)

Algunos cineastas están dotados de una habilidad extraordinaria para revelar la experiencia poética desde lo cotidiano por terrible que pueda ser. Sin cambios en la luz, cámaras lentas o puntuaciones musicales.

Sergei Dvortsevoy es uno de esos grandes poetas de la imagen, un cineasta único, necesario. En las vidas de sus personajes, por atroces que sean, este buscador de tesoros encuentra siempre los instantes luminosos que hacen que el espectador se olvide de todo pensamiento existencialista.

Un gesto, un instante suspendido, que se despega del desarrollo dramático para que la vida se muestre desnuda, en su dolorosa belleza, insustituible.

En mi opinión, y siguiendo las palabras del maestro Erice, el final de Ayka sería flecha y herida a un tiempo: flecha capaz de romper el velo -la ilusión- de esa realidad terrible al acecho, herida que nos toca el corazón porque acierta a mostrar lo que no se percibe a simple vista.

La trama es esta:

Ayka acaba de dar a luz.

No puede permitirse tener un bebé.

No tiene trabajo, sólo deudas que pagar, ni siquiera una habitación donde dormir….

Siento no poder desvelar nada más.

La ovación en el Gran Teatro Lumière ha sido interminable.

¡Palma de Oro para Ayka!

ACID. La programación de los cineastas

ACID es la Asociación de Cine Independiente para su Difusión, una asociación de cineastas que apoya durante el año la difusión de películas entre sus socios: salas de cine, espectadores, festivales, centros escolares…

Presente en Cannes desde 1993, la sección ACID, programada exclusivamente por cineastas de la asociación, propone una docena de largometrajes franceses e internacionales, ficciones y documentales.

La elección de los cineastas responde a una cierta intuición, y a la voluntad de dar visibilidad a autores insuficientemente difundidos, para facilitar el estreno de sus películas en salas de cine. A la proyección le sigue un encuentro con los equipos.

Este año, la cineasta portuguesa Teresa Villaverde con su film Colo entre su programación.

¡Quién tuviera el don de la ubicuidad!

( Extracto del Programa de Proyecciones)

Woman at War (Mujer en guerra), de Benedikt Erlingsson (Semana de la Crítica, 18/05/18)

Otra gran película, tan hermosa, realmente emocionante, de la Semana de la Crítica. Se trata de la historia de Halla, una mujer libre, directora de un coro en su ciudad que sin embargo lleva una doble vida.

Es una apasionada activista en la protección del medio ambiente. Conocida como “la mujer de la montaña”, ha declarado la guerra, su guerra particular contra la explotación de los recursos naturales en los Highlands de Islandia.

Sus acciones comienzan siendo breves gestos, pequeños actos de vandalismo. Pero finalmente mediante el sabotaje de unas torres de alta tensión consigue detener las negociaciones entre el gobierno islandés y la multinacional que pretende construir una nueva fundición de aluminio.

Filmada literalmente como una Juana de Arco contemporánea en sus periplos por las montañas, -qué bellas las imágenes de los ataques a los drones que la vigilan-, la trama se complica cuando sabemos que debe viajar a Ucrania para recoger a su futura hija.

Según la nota de intención del director, Halla es una Artemisa moderna, protectora de la vida salvaje para las futuras generaciones.

Erlisson recuerda unos diálogos del libro de Astrid Lindgren, Los hermanos Corazón de León donde los protagonistas señalan que el único modo de ser persona es luchar por aquello en lo que crees, aunque sea muy difícil conseguirlo.

El director de De caballos y hombres considera que los derechos de la naturaleza deberían estar al mismo nivel que los derechos humanos.

Aquí habría tanto que decir…

Pero esta idea se trasluce en ambas películas, en las que que queda manifestado que la protección de la naturaleza debería recogerse en las constituciones nacionales, y ser defendida tanto por las leyes locales como por las internacionales, al margen de intereses económicos.

Premio de la Sociedad de Autores y Compositores dramáticos (SACD)

Sauvage, de Camille Vidal-Naquet (Semana de la Crítica, 17/05/18)

Sauvage es una película extraordinaria en su crudeza. Al más puro estilo inaugurado por los Dardenne en su laureada Rosetta, la cámara de Camille Vidal-Naquet narra las desventuras de un joven gay que se prostituye en un bosque francés. Leo es su nombre. Nada sabremos de su vida anterior, incluso en aquellos momentos en los que parece que el pasado va por fin a ser revelado.

Soterrado bajo una sucesión de escenas de sexo explícito, algunas verdaderamente crueles, la película encubre el sentimiento amoroso que Leo, en su ternura, experimenta por su compañero de colchón, un hombre que aunque desea a las mujeres, sobrevive en la calle junto al protagonista.

Esos viajes nocturnos entre droga y alcohol de ambos hacen posible la reconstrucción de un mundo, el de los hombres que buscan a aquellos que venden su cuerpo. Un mundo sórdido, un tabú quizás, pero que de manera muy inteligente conecta con la superficie de lo cotidiano, con esa cadencia luminosa de la mañana y sus rutinas.

El film es un caleidoscopio del deseo masculino, un juego de múltiples piezas que configuran un mosaico de la condición humana: El temor a la vejez y a la muerte, el deseo amoroso y/o sexual, la humillación, la soledad, el amor, la rabia, la libertad, habitan esos lugares de la noche más oscura.

Fabulosa realización, un nuevo cineasta a seguir.

El gran cine existe también más allá de la alfombra roja.

Premio Film revelación masculina de la Fundación Roederer

The house that Jack built, de Lars von Trier (Sección Oficial, fuera de concurso)

Hace ya muchos años, Lars von Trier hizo una pequeña película titulada Las cinco condiciones, basada en otro film anterior de Jorgen Leth, titulada El humano perfecto.

Había una frase en el film de Leth que se repetía una y otra vez. Era algo así como: “Esta experiencia es algo que ustedes comprenderán más tarde”.

Una frase que puede aplicarse al último largometraje del genio danés. Es algo que el mundo comprenderá mucho más tarde, y cuyo valor no somos capaces de apreciar desde el presente en su totalidad, en esta mañana de mayo junto al mar.

El film es el terror absoluto, al que el director nos obliga a mirar de frente en unas secuencias insoportables donde se narran al detalle los brutales asesinatos de un hombre que padece un trastorno obsesivo compulsivo. Perfecta es la interpretación de Matt Dillon, con todo lo que el calificativo significa en este contexto.

Las imágenes pueden herir verdaderamente la sensibilidad del espectador.

El film se estructura en cinco incidentes y un epílogo-catabasis conducidos por un diálogo en off entre el protagonista y un hombre denominado Verge. Parece que caminan juntos. Aunque las preguntas están permitidas, las respuestas sólo serán una posibilidad. Sin embargo, la escucha está garantizada. Es un discurso antiguo: el de la crueldad humana. Los incidentes son el relato de algunos de los crímenes cometidos por Jack. Comenzando con una descripción exhaustiva del primer encuentro, poco a poco la narración va aligerándose y las muertes se convertirán en algo anecdótico, si tal mostración de sadismo y vísceras puede denominarse así.

El deseo último de Jack es construir una casa propia (de ahí el título del film). Una casa que será derribada una y otra vez hasta la obra final.

La transición entre los incidentes, perversamente puntuados por la música y las imágenes en blanco y negro de un Glenn Gould absorto al piano, son una reflexión sobre el papel moral del objeto artístico, y del hecho creador como manifestación de grandes megalomanías en pro de lo bello. La búsqueda de un material con voluntad propia subyace en buena parte de este discurso, en el que Hitler es el principal epígono. Verge llegará a afirmar que Jack “lee el arte del mismo modo que el diablo lee la Biblia”.

Creo profundamente que Lars von Trier es el gran moralista de nuestro tiempo, una suerte de visionario como lo fueron otros grandes artistas, cineastas y pintores en esencia. ¿Deberíamos vetar hoy las Pinturas Negras de Goya?

Si la palabra, la fábula, los cuentos morales, no son suficientes para hacernos entender que el espacio interior, -del que por cierto también hablaba Bergman expresamente en el documental de Magnusson-, se ha de construir desde el bien, Lars von Trier, en absoluta contradicción con los discursos habituales, decide en La casa que construyó Jack azotar psíquicamente al espectador, insiste en trazar un camino a la inversa: es el asesino psicópata el que se siente como pez en el agua entre el horror del mundo, quien en sus instantes de lucidez, lo revela y describe ante el espectador impasible.

Señalar brevemente dos reflexiones especialmente emocionantes en el film: la primera nace de un castaño en el campo de concentración de Buchenwald. Este árbol fue testigo de los mayores horrores cometidos por el ser humano, pero también su sombra dio cobijo al pensamiento de uno de los grandes humanistas europeos, J.W.Goethe.

La segunda reflexión trata de la creación de iconos en nuestro imaginario; aquí se habla en concreto de los iconos de maldad y perversión que perviven en la memoria colectiva, sin ser muy conscientes de cuáles son las consecuencias de estos gestos . Valga como ejemplo el diseño del sonido de los bombarderos Stuke. Fue efectivamente un acto de guerra psicológico. También llamados “las trompetas de Jericó», helaban la sangre de los civiles. Nadie que los haya escuchado podría olvidarlos.

El sustrato del film sobre conceptos estrechamente ligados al cristianismo se enuncia expresamente. Bellísima la secuencia de la respiración de los espigadores donde se menciona la ausencia de castigo. Tampoco hay arrepentimiento, y por tanto, no habrá perdón.

El descenso a los infiernos y su sonido ensordecedor recuerda el final del Fausto de Sokurov, – también a alguna de las increíbles instalaciones de Bill Viola-. Es un final sin esperanza ninguna.

El puente que permitía salir del averno fue volado hace tanto tiempo que ni siquiera lo llegó a conocer el propio Verge.

El fuego eterno, la fascinación por esa luz oscura que se trasluce de los negativos fotográficos de Jack, terminará por devorarlo.

Ahora, Godard diría: À quoi ça sert, l’Amour? ( para qué sirve el Amor?)

Si este hubiera venido a Cannes, tendrían mucho de qué hablar.

Searching for Ingmar Bergman, de Margarethe von Trotta

El segundo documental dedicado a Ingmar Bergman en esta edición del Festival de Cannes se proyectó ayer tarde con la presencia en la sala de su directora, la gran cineasta Margarethe von Trotta, el grandísimo director de fotografía y también cineasta Stig Björkman presentados por Thierry Frémaux.

Bergman, que recibió la Palma de Palmas honorífica en el año 1997 es uno de los cineastas fundamentales de la historia del cine. Su trabajo artístico fue para sí mismo una suerte de terapia frente a la soledad confesa, a los terrores que le asaltaban en plena noche, en la hora del lobo.

El film de von Trotta recoge algo de material de archivo pero en esencia ofrece el testimonio de la propia directora, -cuyo film Los años del plomo, si no recuerdo mal se hallaba el primero entre la lista de las diez películas favoritas de Bergman según una edición del festival de cine de Göteborg en 1994-. Los encuentros de von Trotta con familiares, amigos, amantes, actores y cineastas que conocieron al maestro van dibujando el perfil del Bergman “personaje“: de cómo su obra fue reivindicada por los cineastas de la Nouvelle Vague, de su admiración por Sjöstrom a quien rindió un hermoso tributo en Fresas Salvajes, de su pasión por La carreta fantasma, que veía al menos una vez todos los veranos en su casa de Färo, de cómo Rashomon le inspiró El manantial de la doncella…

De especial interés son las aportaciones al film del crítico y cineasta francés Olivier Assayas, asi como de Jean-Claude Carrière.

El cine de Bergman en su origen está muy próximo a la idea de Dios aunque va evolucionando hacia el ser humano. Sus películas son una cuestión continua sobre la condición humana. Es el cine de la modernidad en el que principalmente los personajes son femeninos: Liv Ullman, Harriet Anderson, Ingrid Thulin, dieron vida a estas mujeres luminosas y libres que seguramente existían en la sociedad sueca pero sólo la sensibilidad de Bergman se atrevió a mostrar. Toda una novedad en aquellos días.

Siguiendo una cita de Büchner mencionada en el film, cada hombre es un abismo, da vértigo si se mira en su interior.

Von Trotta ha esbozado un delicado retrato de ese hombre frágil que nunca quiso abandonar el cuarto de su infancia.

Mirai, mi hermana pequeña, de Mamoru Hosoda

Mirai es una delicada película de animación, que ha emocionado a los asistentes esta mañana, en el teatro de la Croissette.

Kun es un niño feliz hasta la llegada de Mirai, su hermana pequeña. Celoso del bebé que monopoliza la atención de sus padres, se encierra poco a poco en si mismo.

En el jardín donde se refugia a menudo, encuentra un árbol genealógico mágico.

De repente, Kun se encontrará en un mundo fantástico en el que se mezclan pasado y futuro. En el encontrará a sus parientes en las diferentes edades de la vida: su madre de niña, su bisabuelo en su trepidante juventud y su hermanita adolescente.

Kun descubrirá su propia historia a través de estas aventuras.

Mamoru Hosoda recoge el legado de Miyazaki y Takahata para regalarnos una pelicula entrañable en la que la fantasía se inscribe en la realidad como no puede ser de otro modo, fiel reflejo del universo de la infancia.

Esmeralda Barriendos

Petra, de Jaime Rosales

“No hay un solo tema en Petra. Cada espectador lo definirá para sí mismo. Pero la identidad es importante. También el destino y el enfrentamiento entre el bien y el mal. La trama está impregnada de un hálito trágico a lo largo de todo el metraje. Si tuviera que resumir la temática de Petra, diría que es una película de búsqueda y redención.”(1)

Jaime Rosales ha vuelto de nuevo a Cannes. Su primer largometraje, Las Horas del Día, fue premio Fipresci en la Quincena de los Realizadores en 2003. La Soledad se presentó en el año 2003 en la sección Un Certain Regard. También sus filmes Sueño y Silencio (2012) y Hermosa Juventud (2014) se estrenaron aquí.

Me gustaría no desvelar siquiera el argumento. Porque Rosales, que experimenta continuamente con la forma, nos regala una composición temporal de una belleza extraordinaria. Y no saber nada, nada de nada de la trama, otorga al desarrollo de la película y a la emoción del espectador una fuerza inusitada.

En el coloquio posterior a la proyección en Cannes, y desvelando su método de trabajo, el director insiste en los continuos ensayos, haciendo las repeticiones necesarias hasta que los actores han interiorizado sus personajes de tal modo que, cuando la escena se filma, el guión desaparece y los diálogos son otros. Son los personajes descritos quienes al fin se encarnan en las voces y los gestos de los actores. Las escenas crean un mundo propio a partir de esa escritura inicial, pero en ellas prevalece la espontaneidad por encima de todo.

La gran Marisa Paredes ha confesado públicamente en el Teatro de la Croissette esta mañana que ha sido muy enriquecedor trabajar con Rosales, y que sus ensayos han sido sorprendentes.

Expresa Jaime Rosales la intención dramática del texto, en el que subyace la idea de tragedia griega, donde la sucesión hechos-deseos-consecuencias, viene determinada por una cierta fatalidad de destino. Pero todo su trabajo, según sus propias palabras al final de la proyección se asienta sobre dos pilares: el dramatúrgico (que permite el desarrollo del conflicto y los personajes) y un segundo aspecto, esencial, que es el fílmico. La pregunta es una: ¿qué puede hacer el cine para dar vida a este conflicto?

Aquí entra en juego toda la sabiduría, todas las señas de identidad del director. Esta búsqueda de los recursos fílmicos necesarios para expresar el conflicto en Petra, mantiene fuertes vínculos con otras películas anteriores del cineasta, no sólo en la elección de los actores sino esencialmente en la obsesión confesa de Rosales por el transcurso del tiempo en aquellos lugares donde los humanos ya no están, donde ya no se comparte ese tiempo común.

Esos espacios en los que discurre el tiempo de la ausencia es un rasgo que comparte con Ozu. Porque el maestro japonés también filmaba los espacios de la intimidad vacíos; la cámara permanecía en ellos de un modo menos señalado que en el cine de Rosales. También en sus encuadres tímidos los protagonistas solos, enmarcados por las puertas de las habitaciones, continuaban silenciosamente con sus rutinas diarias.

Pero en Petra, la cámara de Rosales es además pura magia. No era necesario que lo desvelara él mismo, pero hermosamente se ha referido a “la mirada del ángel”: esa certeza de que las cosas suceden por mediación de algo que no es del todo humano, esa compañía invisible, divinidad, ángel o fantasma… Esta es su cámara. La cámara y con ella, los lugares y las cosas, que guardan eternos el secreto de la tragedia. Lo inmanente del ser frente al desastre, y cómo no, frente a los instantes amorosos tan bellos que protagonizan Bárbara Lennie y Alex Brendemühl. Toda mi admiración hacia este último, uno de los grandes actores de nuestro cine. No se la pierdan.

(1) Fragmento de las declaraciones de Jaime Rosales para el dossier de prensa

Dead Souls, de Wang Bing (fuera de concurso)

En la provincia de Gansu, en el noroeste de China, los huesos de innumerables prisioneros fallecidos a causa del hambre hace más de sesenta años están esparcidos por el desierto del Gobi.

Tachados de “ultra-derechistas” durante la campaña política contra algunas gentes conservadoras en 1957, la inmensa mayoría murió en los campos de concentración, -denominados por el poder como campos de “reeducación”- en Jiabiangou y Mingshui.

La película, tan hermosa y tan dolorosa a un tiempo, nos propone un encuentro con los supervivientes de la barbarie: quiénes fueron estos desconocidos que narran ante la cámara las penurias que sufrieron, y cuál fue su desgraciado destino.

Este encuentro con el espectador fue filmado por el maestro Bing a lo largo del tiempo; al menos más de una década transcurre entre algunas de las entrevistas y su proyección hoy. Uno de los protagonistas, fue internado en uno de los campos exactamente tal día como hoy, -el de la proyección en el Festival de Cannes 2018-, hace 50 años.

Filmado con ese amor y esa cercanía de la que fueron precedentes, – al menos para la que esto escribe- los retratos de mujeres que registró la cámara de Alain Cavalier, las ocho horas de proyección transcurren en un estado de revelación del que sólo cierto cine es capaz; terroríficas son las descripciones de la mayoría de los supervivientes, salvados en su mayoría por trabajar en las cocinas, donde robaban un poco más de alimento, cantidades miserables.

La cámara de Bing les otorga el tiempo necesario para que sean sus gestos, sus rostros, los que nos sacudan con esa verdad del ser humano en su intimidad más impúdica y vulnerable. Así, la confesión no se limita en realidad a una exposición de los hechos, sino una suerte de almas desnudas.

Era tanto el hambre que los propios internos, que terminaban por dormir en pequeñas cuevas (trogloditas, eremitas) excavadas con sus propias manos, ocultaban la muerte de sus compañeros para obtener una ración extra de alimento. Esta declaración es en cierto modo similar a la del tirano de la gran novela de Gogol, Almas Muertas, de la que quizás toma el nombre sin saberlo. Aunque con un fin muy distinto, el Kane de Gogol compraba los nombres de los campesinos muertos para que el estado le asignara una extensión mayor de terreno.

Me invade una sensación extraña, por partida doble. Todos estos ancianos hablan de su suerte, puesto que salieron con vida de semejantes actos de crueldad. Pero cuando la cámara de Bing los muestra hoy, nos desvela que todos han muerto, que este discurso tan intensamente doloroso, tan revelador de una deshumanización absoluta, ha concluido para siempre. “La vida es un circo”, afirma uno de ellos.

Por otra parte, el film muestra con certeza que la fuerza del pensamiento de algunos de los supervivientes mantiene una estrecha relación causa-efecto con el hecho de seguir con vida: la mente vuela por encima de los acontecimientos. Esas declaraciones extraordinarias tan vinculadas al pensamiento mágico, – a la fe, al destino, al amor-, son las que les han permitido volver a estar hoy aquí, en la sala de la Soixantième de Cannes, entre nosotros. Perdurarán en nuestra memoria.

A Ilha dos Amores (1982), de Paulo Rocha (Cannes Classics)

Treinta y seis años después de la proyección de 1982, que fue decisiva para la película y para la trayectoria de su autor, A Ilha dos Amores (La Isla de los Amores) vuelve a Cannes como un “clásico”. Hay que celebrar este regreso, recordando su modernidad radical y ese gesto inmenso de cine poético que subraya tanto la singularidad de un contexto (el cine portugués en los años siguientes a “la revolución de los claveles” y las creaciones auténticamente libres de algunos de sus principales cineastas) como la filmografía extraordinaria de su autor.

Esta proeza cuya preparación duró una década y media, es el punto de partida de los caminos que constituyen la base de la obra de Paulo Rocha, fundador del “Cinema Novo” portugués que desde su origen se sintió atraido por las pulsiones al límite de la cultura popular por una parte, y por otra, por la cultura asiática, principalmente la japonesa.

Rodada en Japón y Portugal, preparada durante más de una década, el autor trata en esta película la vida y obra de una de las figuras históricas que más le atraían, el escritor y oficial de marina Wenceslao de Moraes (muerto en Japón en 1929). Es decir, tal y como sucede con frecuencia en el cine de Rocha, alguien que representa una ambición humana y cultural que no se restringe a las fronteras del propio país, y permite al cineasta afrontar tensiones propias, siempre dividido entre sus fuertes raíces locales y la necesidad de alejamiento de las mismas.

Es uno de los ejemplos de puesta en escena, de dirección rigurosa y sofisticada de Rocha, así como uno de los grandes trabajos del actor Luis Miguel Cintra, un gran nombre del teatro portugués de las últimas décadas; su cuerpo y su voz se hallan en el corazón del cine portugués de la modernidad.

Traducción del texto introductorio de José Manuel Costa. Director de la Cinemateca Portuguesa-Museu do Cinema.

Esmeralda Barriendos

El japonés Hirokazu Kore-eda obtiene la Palma de Oro de la 71 edición del Festival de Cine de Cannes por Manbiki kazoku (Shoplifters), mientras que Spike Lee se lleva el Gran Premio del Jurado por BlacKkKlansman. Los premios de interpretación recaen en el italiano Marcello Fonte por su papel de cuidador de perros en Dogman, de Matteo Garrone, y para la kazaja Samal Yeslyamova, por su interpretación de una mujer forzada a abandonar a su hijo que vive en la miseria en Ayka, dirigida por su compatriota Sergey Dvortsevoy. El polaco Pawel Pawlikowski consigue el premio a mejor dirección por Cold War, mientras que la libanesa Nadine Labaki, se tiene que contentar con el Premio del Jurado. Además, el jurado presidido por Cate Blanchett decide conceder la Palma de Oro especial Jean-Luc Godard, por Le livre d’image, ya que es un cineasta que ha hecho «avanzar el cine, que ha sobrepasado los límites y que busca redifinir esos límites«. Durante la ceremonia de entrega de premios, la actriz italiana Asia Argento aprovecha para denunciar que en 1997 fue violada por el productor estadounidense Harvey Weinstein en Cannes en 1997. El Certamen se clausura con Terry Gilliam y su The Man who killed Don Quixote, protagonizada por Adam Driver y Jonathan Pryce.

+ info

El director de Tulpan, Sergey Dvortsevoy, vuelve al Festival de Cine de Cannes con Ayka, un drama que trata sobre las condiciones de vida precarias de una mujer confrontada a un dilema moral. El filme narra la ardua realidad de una mujer sin empleo y endeudada que acaba de dar a luz a un hijo que no puede mantener. Con Ayka, Dvortsevoy vuelve a retratar la realidad de su época y entrega una obra a medio camino entre la ficción y el documental, inspirándose en el género que marcó sus inicios detrás de la cámara. Por otro lado, el ganador de la Palma de Oro con Winter sleep, Nuri Bilge Ceylan presenta Ahlat Agaci (The Wild Pear Tree), un drama sobre la relación conflictiva entre padre e hijo. El filme muestra a un hombre que siempre ha querido ser escritor. Cuando regresa a su pueblo natal en Anatolia dedica su energía a conseguir el dinero que necesita para publicar su libro, pero las deudas de su padre se convierten en un obstáculo. Y a pesar de que intenta saldarlas, va sintiendo que su destino se parece inevitablemente al de su padre. El director utiliza una serie de experiencias dolorosas para ilustrar la lucha del personaje, quien, además de tener un sentimiento de culpabilidad, siente que es diferente, aunque no puede explicar por qué. Llega a su fin la sección «Una cierta mirada», que ha contada con 18 película en competición, seis de los cuales eran ópera primas. El Jurado, presidido por Benicio Del Toro, otorga su premio principal a Gräns (Border), de Ali Abbasi. Además, el premio a la mejor dirección recae en Donbass, de Sergei Loznitsa, que inuguró la sección; el de interpretación en Victor Polster, por Girl, de Lukas Dhont; el de mejor guión es para Sofia, de Meryem Benm’barek; y el especial del jurado en Chuva é cantoria na aldeia dos mortos, de João Salaviza y Renée Nader Messora.

El cineasta Yann Gonzalez (You and the Night) lleva a Vanessa Paradis a la industria pornográfica gay de la década de 1970, mientras merodea un misterioso asesino en serie, en Un Couteau Dans le Cœur (Knife + Heart) presentada hoy en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes. El amor, el sexo, el deseo y la muerte también son protagonistas de este largometraje orgánico que el director ha querido hacer más clásico y con un estilo narrativo más optimista. Paradis encarna a Anne, una productora de películas baratas que ahoga sus penas en la violencia y el alcohol. Cuando Loïs, su editora y pareja, la abandona repentinamente, Anne queda destrozada y decide reconquistarla, haciendo una película mucho más ambiciosa. Pero un misterioso asesino enmascarado merodea en su entorno y masacra brutalmente a sus actores. Por otro lado, la directora libanesa Nadine Labaki vuelve al Festival con Capharnaüm, que narra el combate de Zain, 12 años, quien demanda a sus padres por haberlo traído al mundo si no estaban en condiciones de educarlo correctamente. Para poder plasmar esa dura realidad, Labaki se rodeó de intérpretes que habían pasado por situaciones similares a las del personaje. Mezcla de documental y obra de ficción, Labaki continúa explorando la sociedad libanesa y comparte con el mundo entero su análisis comprometido sobre las fallas de un sistema incoherente.

El director de Gomorra (2008), el italiano Matteo Garrone, transfigura un suceso brutal que sacudió Italia en los años ochenta en Dogman, presentada hoy en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes. El filme se deriva de la cruel relación que entablan los dos protagonistas en un triste suburbio romano: un hombre que pierde su inocencia y un expresidiario sin ley. Por otro lado, ocho años después de Poetry, el surcoreano Lee Chang-dong regresa a Cannes con Burning, inspirado en una novela de Haruki Murakami. En el filme, un joven mensajero, se encuentra por casualidad con una amiga de infancia, quien le pide que cuide a su gato durante su viaje a África. La chica regresa con alguien a quien conoció durante su viaje y que un buen día revela su extraño e incandescente pasatiempo. Finalmente, en la recta final del Certamen comienzan a conocerse algunos de los principales premios. En la 57ª Semana de la Crítica triunfa la película Diamantino, de Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt, mientras que el actor francés Félix Maritaud recibe el Premio Revelación por Sauvage, de Camille Vidal-Naquet, por un jurado presidido por el noruego Joachim Trier. Así mismo, el premio del jurado de la Cinéfondation, presidido por Bertrand Bonello, premia a cuatro películas representantes de escuelas de cine encabezadas por El verano del león eléctrico, de Diego Céspedes (Universidad de Chile ICEI, Chile).

Hace ya muchos años, Lars von Trier hizo una pequeña película titulada Las cinco condiciones, basada en otro film anterior de Jorgen Leth, titulada El humano perfecto.

Había una frase en el film de Leth que se repetía una y otra vez. Era algo así como: “Esta experiencia es algo que ustedes comprenderán más tarde”.

Una frase que puede aplicarse al último largometraje del genio danés. Es algo que el mundo comprenderá mucho más tarde, y cuyo valor no somos capaces de apreciar desde el presente en su totalidad, en esta mañana de mayo junto al mar.

El film es el terror absoluto, al que el director nos obliga a mirar de frente en unas secuencias insoportables donde se narran al detalle los brutales asesinatos de un hombre que padece un trastorno obsesivo compulsivo. Perfecta es la interpretación de Matt Dillon, con todo lo que el calificativo significa en este contexto.

Las imágenes pueden herir verdaderamente la sensibilidad del espectador.

El film se estructura en cinco incidentes y un epílogo-catabasis conducidos por un diálogo en off entre el protagonista y un hombre denominado Verge. Parece que caminan juntos. Aunque las preguntas están permitidas, las respuestas sólo serán una posibilidad. Sin embargo, la escucha está garantizada. Es un discurso antiguo: el de la crueldad humana. Los incidentes son el relato de algunos de los crímenes cometidos por Jack. Comenzando con una descripción exhaustiva del primer encuentro, poco a poco la narración va aligerándose y las muertes se convertirán en algo anecdótico, si tal mostración de sadismo y vísceras puede denominarse así.

El deseo último de Jack es construir una casa propia (de ahí el título del film). Una casa que será derribada una y otra vez hasta la obra final.

La transición entre los incidentes, perversamente puntuados por la música y las imágenes en blanco y negro de un Glenn Gould absorto al piano, son una reflexión sobre el papel moral del objeto artístico, y del hecho creador como manifestación de grandes megalomanías en pro de lo bello. La búsqueda de un material con voluntad propia subyace en buena parte de este discurso, en el que Hitler es el principal epígono. Verge llegará a afirmar que Jack “lee el arte del mismo modo que el diablo lee la Biblia”.

Creo profundamente que Lars von Trier es el gran moralista de nuestro tiempo, una suerte de visionario como lo fueron otros grandes artistas, cineastas y pintores en esencia. ¿Deberíamos vetar hoy las Pinturas Negras de Goya?

Si la palabra, la fábula, los cuentos morales, no son suficientes para hacernos entender que el espacio interior, -del que por cierto también hablaba Bergman expresamente en el documental de Magnusson-, se ha de construir desde el bien, Lars von Trier, en absoluta contradicción con los discursos habituales, decide en La casa que construyó Jack azotar psíquicamente al espectador, insiste en trazar un camino a la inversa: es el asesino psicópata el que se siente como pez en el agua entre el horror del mundo, quien en sus instantes de lucidez, lo revela y describe ante el espectador impasible.

Señalar brevemente dos reflexiones especialmente emocionantes en el film: la primera nace de un castaño en el campo de concentración de Buchenwald. Este árbol fue testigo de los mayores horrores cometidos por el ser humano, pero también su sombra dio cobijo al pensamiento de uno de los grandes humanistas europeos, J.W.Goethe.

La segunda reflexión trata de la creación de iconos en nuestro imaginario; aquí se habla en concreto de los iconos de maldad y perversión que perviven en la memoria colectiva, sin ser muy conscientes de cuáles son las consecuencias de estos gestos . Valga como ejemplo el diseño del sonido de los bombarderos Stuke. Fue efectivamente un acto de guerra psicológico. También llamados “las trompetas de Jericó», helaban la sangre de los civiles. Nadie que los haya escuchado podría olvidarlos.

El sustrato del film sobre conceptos estrechamente ligados al cristianismo se enuncia expresamente. Bellísima la secuencia de la respiración de los espigadores donde se menciona la ausencia de castigo. Tampoco hay arrepentimiento, y por tanto, no habrá perdón.

El descenso a los infiernos y su sonido ensordecedor recuerda el final del Fausto de Sokurov, – también a alguna de las increíbles instalaciones de Bill Viola-. Es un final sin esperanza ninguna.

El puente que permitía salir del averno fue volado hace tanto tiempo que ni siquiera lo llegó a conocer el propio Verge.

El fuego eterno, la fascinación por esa luz oscura que se trasluce de los negativos fotográficos de Jack, terminará por devorarlo.

Ahora, Godard diría: À quoi ça sert, l’Amour? ( para qué sirve el Amor?)

Si este hubiera venido a Cannes, tendrían mucho de qué hablar.

Esmeralda Barriendos para zinema.com

El segundo documental dedicado a Ingmar Bergman en esta edición del Festival de Cannes se proyectó ayer tarde con la presencia en la sala de su directora, la gran cineasta Margarethe von Trotta, el grandísimo director de fotografía y también cineasta Stig Björkman presentados por Thierry Frémaux.

Bergman, que recibió la Palma de Palmas honorífica en el año 1997 es uno de los cineastas fundamentales de la historia del cine. Su trabajo artístico fue para sí mismo una suerte de terapia frente a la soledad confesa, a los terrores que le asaltaban en plena noche, en la hora del lobo.

El film de von Trotta recoge algo de material de archivo pero en esencia ofrece el testimonio de la propia directora, -cuyo film Los años del plomo, si no recuerdo mal se hallaba el primero entre la lista de las diez películas favoritas de Bergman según una edición del festival de cine de Göteborg en 1994-. Los encuentros de von Trotta con familiares, amigos, amantes, actores y cineastas que conocieron al maestro van dibujando el perfil del Bergman “personaje“: de cómo su obra fue reivindicada por los cineastas de la Nouvelle Vague, de su admiración por Sjöstrom a quien rindió un hermoso tributo en Fresas Salvajes, de su pasión por La carreta fantasma, que veía al menos una vez todos los veranos en su casa de Färo, de cómo Rashomon le inspiró El manantial de la doncella…

De especial interés son las aportaciones al film del crítico y cineasta francés Olivier Assayas, asi como de Jean-Claude Carrière.

El cine de Bergman en su origen está muy próximo a la idea de Dios aunque va evolucionando hacia el ser humano. Sus películas son una cuestión continua sobre la condición humana. Es el cine de la modernidad en el que principalmente los personajes son femeninos: Liv Ullman, Harriet Anderson, Ingrid Thulin, dieron vida a estas mujeres luminosas y libres que seguramente existían en la sociedad sueca pero sólo la sensibilidad de Bergman se atrevió a mostrar. Toda una novedad en aquellos días.

Siguiendo una cita de Büchner mencionada en el film, cada hombre es un abismo, da vértigo si se mira en su interior.

Von Trotta ha esbozado un delicado retrato de ese hombre frágil que nunca quiso abandonar el cuarto de su infancia.

Esmeralda Barriendos para zinema.com

Mirai es una delicada película de animación, que ha emocionado a los asistentes esta mañana, en el teatro de la Croissette.

Kun es un niño feliz hasta la llegada de Mirai, su hermana pequeña. Celoso del bebé que monopoliza la atención de sus padres, se encierra poco a poco en si mismo.

En el jardín donde se refugia a menudo, encuentra un árbol genealógico mágico.

De repente, Kun se encontrará en un mundo fantástico en el que se mezclan pasado y futuro. En el encontrará a sus parientes en las diferentes edades de la vida: su madre de niña, su bisabuelo en su trepidante juventud y su hermanita adolescente.

Kun descubrirá su propia historia a través de estas aventuras.

Mamoru Hosoda recoge el legado de Miyazaki y Takahata para regalarnos una pelicula entrañable en la que la fantasía se inscribe en la realidad como no puede ser de otro modo, fiel reflejo del universo de la infancia.

Esmeralda Barriendos

El director americano David Robert Mitchell, aclamado por la crítica gracias a su obra maestra de terror It Follows, llega al Festival de Cine de Cannes por primera vez con Under the Silver Lake, comedia negra que relata la búsqueda de Riley Keough por el protagonista, encarnado por Andrew Garfield, y aborda el tema de la iniciación y de la búsqueda de la madurez a través de un personaje en el paro y con un único sueño: el de convertirse en una celebridad. La repentina desaparición de su joven y enigmática vecina, abre para él una oportunidad de partir a la aventura lanzándose en su búsqueda. La jornada se completa con En Guerre (At War), drama social dirigido por Stéphane Brizé y protagonizado por Vincent Lindon, quien interpreta a uno de los empleados de la fábrica Perrin, cuya dirección decide proceder al cierre total de la planta a pesar de los grandes sacrificios financieros por parte de los empleados y de los extraordinarios beneficios de la empresa. Liderados por su portavoz sindical, los 1100 empleados, víctimas de acuerdos pisoteados y de promesas no cumplidas, rechazan esta decisión e intentan proteger su trabajo por todos los medios. Con esta película, rodada en 23 días, Brizé enfrenta dos puntos de vista, la dimensión humana frente a la dimensión económica, y analiza los fallos sociales y políticos del siglo XXI. Además, en la Quincena de los Realizadores, Arantxa Echevarría llega con su historia de amor de dos gitanas, Carmen y Lola, que es recibida con muchos aplausos en el primer pase oficial.

Spike Lee retorna al Festival de Cine de Cannes con el thriller BlacKkKlansman, que gira en torno al Ku Klux Klan. El director estadounidense adapta la historia de Ron Stallworth, un policía negro de Colorado Springs, infiltrado al más alto nivel en la organización xenófoba y publicada en 2014. La película, interpretada por John David Washington (hijo de Denzel Washington), narra la historia rocambolesca del detective que logró, hacia finales de los años 70, unirse a la estructura del Ku Klux Klan de su localidad y a través de muchas argucias, el afroamericano alcanzó la cima de la organización supremacista blanca fundada en 1865, logrando desenmascarar muchas de sus acciones, sin que nadie pusiera en duda el color de su piel. Por otro lado, Ryusuke Hamaguchi adapta una novela de Tomoka Shibasaki en Netemo Sametemo (Asako I & II), en la que relata la historia de una joven en contacto con un amor de doble cara. Dos años después de quedar desamparada por la pérdida de su primer gran amor, Asako conoce a su doble idéntico y se deja seducir. Sin embargo, poco a poco se da cuenta de que el hombre que ama ahora no se parece en nada al hombre que amó apasionadamente. Finalmente, fuera de competición, Cannes vuelve a declara «persona grata» a Lars Von Trier, quien presenta su último trabajo, The House That Jack Built, en la que conduce al espectador tras los pasos de un asesino en serie en los Estados Unidos de los años setenta. Jack, interpretado por Matt Dillon, quien concibe cada asesinato como una obra, fijándose como objetivo alcanzar la perfección absoluta con el último. El film está impregnado de violencia, pero también es un relato que coquetea con el cuento filosófico.

Con Manbiki Kazoku (Shoplifters), el director japonés Hirokazu Kore-Eda se aleja de las relaciones paterno-filiales para explicar la historia de Shibata Osamu (Lily Franky) y los suyos, conmocionados por su encuentro con Hojo Juri (Sasaki Miyu), una niña maltratada. La familia se vuelve a encontrar en el centro de su obra, aunque tal vez menos intimista y más iracundo que de costumbre. La presente jornada dominical del Festival de Cine de Cannes se completa en su sección oficial con la película de la joven cineasta italiana Alice Rohrwacher, Lazzaro Felice (Happy As Lazzaro), un delicado largometraje que traza un paralelo entre dos épocas gracias al viaje a través del tiempo de su antihéroe. En una aldea lejana de Italia vive Lazzaro, un joven campesino de cuya bondad se aprovechan todos los habitantes de la aldea. Un verano, Lazzaro entabla una amistad con el arrogante Tancredi, hijo de la marquesa propietaria de las tierras que cultivan los campesinos de la Inviolata. Esta amistad le llevará en un viaje a través del tiempo, al corazón del mundo moderno. El cierre semanal se produce la proyección de una versión restaurada de 2001: Una odisea en el espacio, de Stanley Kubrick, con motivo del cincuenta aniversario de su estreno. El Festival rememora la creación de esta película de culto que transformó para siempre el género de la ciencia ficción.

La jornada de este sábado está protagonizada por el ecuentro virtual con Jean-Luc Godard debido a que no se encuentra presente en esta edición del Festival de Cine de Cannes. «Yo soy un fabricante de películas«, afirma el cineasta a sus 87 años con su eterno puro en la mano. «Hay mucha piedad y poca inteligencia«, sentencia el realizador, para añadir que «hay que pensar con las manos y no solo con la cabeza«. Así mismo, y preguntado poe el rótulo «Homenaje a Cataluña» que aparece en su filme, Godard indica que «el cine como yo lo concibo es una pequeña Cataluña que tiene dificultades para existir«. En la sección oficial a concurso el iraní Jafar Panahi. vuelve a Cannes tras Esto no es una película (2011) con Se Rokh (3 Faces) en la que muestra el destino de tres actrices, tres mujeres de edades y trayectorias distintas que se entrecruza. Una de ellas, procedente de la época prerrevolucionaria, se ve obligada a dejar de actuar. La segunda es una estrella popular de la actualidad, conocida en todo el país, y la tercera es una joven en la flor de la vida, que desea ingresar en una escuela de teatro. Por otro lado, en Les Filles du soleil (Girls of the Sun), Eva Husson trata el tema de la reconquista desde la perspectiva de un batallón esencialmente femenino dirigido por Golshifteh Farahani. Husson ha reunido horas de testimonios para nutrir su relato, directamente inspirado en la actualidad reciente y muestra a las combatientes kurdas movilizadas contra el Estado Islámico en Irak y Siria.

Jean-Luc Godard vuelve a sus 87 años de edad a la sección oficial del Festival de Cine de Cannes con Le Livre d’image, una obra que sigue los pasos de sus anteriores ensayos cinematográficos, en la que a través de imágenes de ficciones y documentales, reflexiona, entre otros temas, sobre el mundo árabe. Retorna cincuenta años después de mayo del 68, donde fue uno de los agitadores que reclamó la anulación del Festival y se levantó en armas contra un cine desconectado de la realidad. Por otro lado, Jia Zhang-ke llega a la competición por quinta vez con Jiang Hu Er Nv (Ash Is The Purest White), una película sobre la mafia en que la heroína está encarnada por su actriz fetiche Zhao Tao. La historia de Qiao, el personaje protagonista, es la de una mujer en un mundo de hombres, un personaje complejo surgido de la imaginación de Jia Zhang-ke al hacer memoria sobre las escenas cortadas de sus películas precedentes con Zhao Tao. Finalmente, fuera de concurso, en un relato autobiográfico apasionante, Another Day of Life narra la pesadilla de la guerra angoleña en 1975 a través de los ojos de uno de los periodistas más grandes de la historia, el polaco Ryszard Kapuściński. En formato de documental y película de animación, se trata de una adaptación del libro Un día más con vida, la obra más personal del periodista convertido en escritor, realizada a lo largo de diez años por Raúl de la Fuente y Damian Nenow, que han trabajado codo con codo para contar esta historia real.

Cinco años después de Ida, Pawel Pawlikowski regresa al Festival de Cine de Cannes y al mismo periodo doloroso de la historia de su país. Zimna Wojna (Cold War) cuenta el idilio imposible de una pareja en un contexto político eléctrico, y retoma algunos preceptos visuales que contribuyeron a la magia de Ida. El largometraje ha sido rodado en blanco y negro y en un formato 4/3 entre París, Lodz y Wroclaw. En estos lugares acontece, entre 1949 y 1964, esta historia de amor apasionada pero imposible, en parte inspirada por la de los padres del director. En el reparto figura Joanna Kulig, que ya colaboró con Pawlikowski en La mujer del quinto (2011) e Ida, además de Agata Kulesza. Por otro lado, Christophe Honoré también vuelve a Cannes con El primer amor y el último amor, en la que muestra las primeras emociones amorosas para Arthur (Vincent Lacoste), estudiante bretón, y las últimas para Jacques (Pierre Deladonchamps), un escritor en el crepúsculo de la vida. Estos dos personajes se encuentran en el verano de 1990, en París, en un ambiente decididamente pop. En esta ocasión, Christophe Honoré incorpora su vida, su pasado y sus experiencias en el relato, invocando aquel estudiante bretón que solía ser en los años 1990, que leía a Jean-Luc Lagarce, escuchaba a Noir Désir, y vivía en contacto con el pánico del Sida.

“No hay un solo tema en Petra. Cada espectador lo definirá para sí mismo. Pero la identidad es importante. También el destino y el enfrentamiento entre el bien y el mal. La trama está impregnada de un hálito trágico a lo largo de todo el metraje. Si tuviera que resumir la temática de Petra, diría que es una película de búsqueda y redención.”(1)

Jaime Rosales ha vuelto de nuevo a Cannes. Su primer largometraje, Las Horas del Día, fue premio Fipresci en la Quincena de los Realizadores en 2003. La Soledad se presentó en el año 2003 en la sección Un Certain Regard. También sus filmes Sueño y Silencio (2012) y Hermosa Juventud (2014) se estrenaron aquí.

Me gustaría no desvelar siquiera el argumento. Porque Rosales, que experimenta continuamente con la forma, nos regala una composición temporal de una belleza extraordinaria. Y no saber nada, nada de nada de la trama, otorga al desarrollo de la película y a la emoción del espectador una fuerza inusitada.

En el coloquio posterior a la proyección en Cannes, y desvelando su método de trabajo, el director insiste en los continuos ensayos, haciendo las repeticiones necesarias hasta que los actores han interiorizado sus personajes de tal modo que, cuando la escena se filma, el guión desaparece y los diálogos son otros. Son los personajes descritos quienes al fin se encarnan en las voces y los gestos de los actores. Las escenas crean un mundo propio a partir de esa escritura inicial, pero en ellas prevalece la espontaneidad por encima de todo.

La gran Marisa Paredes ha confesado públicamente en el Teatro de la Croissette esta mañana que ha sido muy enriquecedor trabajar con Rosales, y que sus ensayos han sido sorprendentes.

Expresa Jaime Rosales la intención dramática del texto, en el que subyace la idea de tragedia griega, donde la sucesión hechos-deseos-consecuencias, viene determinada por una cierta fatalidad de destino. Pero todo su trabajo, según sus propias palabras al final de la proyección se asienta sobre dos pilares: el dramatúrgico (que permite el desarrollo del conflicto y los personajes) y un segundo aspecto, esencial, que es el fílmico. La pregunta es una: ¿qué puede hacer el cine para dar vida a este conflicto?

Aquí entra en juego toda la sabiduría, todas las señas de identidad del director. Esta búsqueda de los recursos fílmicos necesarios para expresar el conflicto en Petra, mantiene fuertes vínculos con otras películas anteriores del cineasta, no sólo en la elección de los actores sino esencialmente en la obsesión confesa de Rosales por el transcurso del tiempo en aquellos lugares donde los humanos ya no están, donde ya no se comparte ese tiempo común.

Esos espacios en los que discurre el tiempo de la ausencia es un rasgo que comparte con Ozu. Porque el maestro japonés también filmaba los espacios de la intimidad vacíos; la cámara permanecía en ellos de un modo menos señalado que en el cine de Rosales. También en sus encuadres tímidos los protagonistas solos, enmarcados por las puertas de las habitaciones, continuaban silenciosamente con sus rutinas diarias.

Pero en Petra, la cámara de Rosales es además pura magia. No era necesario que lo desvelara él mismo, pero hermosamente se ha referido a “la mirada del ángel”: esa certeza de que las cosas suceden por mediación de algo que no es del todo humano, esa compañía invisible, divinidad, ángel o fantasma… Esta es su cámara. La cámara y con ella, los lugares y las cosas, que guardan eternos el secreto de la tragedia. Lo inmanente del ser frente al desastre, y cómo no, frente a los instantes amorosos tan bellos que protagonizan Bárbara Lennie y Alex Brendemühl. Toda mi admiración hacia este último, uno de los grandes actores de nuestro cine. No se la pierdan.

(1) Fragmento de las declaraciones de Jaime Rosales para el dossier de prensa

Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Arrancan las proyecciones de la sección oficial a concurso tras la resaca inaugural con el cineasta ruso Kirill Serebrennikov, que filma la emergencia de la escena rock underground soviética a través del prisma de dos de sus iconos emblemáticos. Rodada en blanco y negro, Leto también narra las esperanzas de una generación en busca de un nuevo comienzo en los albores de la Perestroika. Dos años después de Uchenik (The student), una crítica incisiva contra el fanatismo religioso presentada en la sección «Una cierta mirada«, Serebrennikov vuelve con algo un poco más ligero para narrar la eclosión de este movimiento musical del que Viktor Tsoï y Mike Naoumenko fueron sus dos principales puntas de lanza. El rodaje de Leto tuvo que interrumpirse en sus últimos instantes, en agosto de 2017, tras el arresto y el posterior arresto domiciliario del director en Moscú por orden del poder ruso. Por otro lado, el cineasta egipcio Abu Bakr Shawky cuestiona la injusta marginación de los leprosos de su país en Yomeddine, una road-movie tragicómica repleta de historias auténticas, que cuenta la odisea de un enfermo sobre las huellas de su pasado. Tras pasar por el documental y los clips publicitarios, Abu Bakr Shawky aborda en su primer largometraje uno de los tabús de la sociedad egipcia. Rodada entre El Cairo y la frontera con Sudán, sobre las tierras remotas que bordean el río Nilo, Yomeddine basa su autenticidad en los bocetos de los retratos realizados por el cineasta en la leprosería de Abu Zaabal para su primera película: The Colony, un cortometraje documental acabado en 2008.

Un Tribunal rechaza la demanda de Paulo Branco y su sociedad de producción Alfama Films Production que pretendía prohibir la proyección de The Man Who Killed Don Quixote, de Terry Gilliam, en la velada de clausura del Festival de Cine de Cannes, el próximo sábado 19 de mayo. Las exigencias de indemnización han sido desestimadas, aunque los demandantes no han dudado en difamar al Festival tanto en la prensa como en las redes sociales, afirmando que los organizadores del mismo no tenían derecho a seleccionar el filme para presentarlo al púbico de Cannes. A través de su decisión, el juez ha confirmado que el Festival no ha pretendido en ningún momento estar por encima de la ley ni ha intentado imponerse por la fuerza.

En la provincia de Gansu, en el noroeste de China, los huesos de innumerables prisioneros fallecidos a causa del hambre hace más de sesenta años están esparcidos por el desierto del Gobi.

Tachados de “ultra-derechistas” durante la campaña política contra algunas gentes conservadoras en 1957, la inmensa mayoría murió en los campos de concentración, -denominados por el poder como campos de “reeducación”- en Jiabiangou y Mingshui.

La película, tan hermosa y tan dolorosa a un tiempo, nos propone un encuentro con los supervivientes de la barbarie: quiénes fueron estos desconocidos que narran ante la cámara las penurias que sufrieron, y cuál fue su desgraciado destino.

Este encuentro con el espectador fue filmado por el maestro Bing a lo largo del tiempo; al menos más de una década transcurre entre algunas de las entrevistas y su proyección hoy. Uno de los protagonistas, fue internado en uno de los campos exactamente tal día como hoy, -el de la proyección en el Festival de Cannes 2018-, hace 50 años.

Filmado con ese amor y esa cercanía de la que fueron precedentes, – al menos para la que esto escribe- los retratos de mujeres que registró la cámara de Alain Cavalier, las ocho horas de proyección transcurren en un estado de revelación del que sólo cierto cine es capaz; terroríficas son las descripciones de la mayoría de los supervivientes, salvados en su mayoría por trabajar en las cocinas, donde robaban un poco más de alimento, cantidades miserables.

La cámara de Bing les otorga el tiempo necesario para que sean sus gestos, sus rostros, los que nos sacudan con esa verdad del ser humano en su intimidad más impúdica y vulnerable. Así, la confesión no se limita en realidad a una exposición de los hechos, sino una suerte de almas desnudas.

Era tanto el hambre que los propios internos, que terminaban por dormir en pequeñas cuevas (trogloditas, eremitas) excavadas con sus propias manos, ocultaban la muerte de sus compañeros para obtener una ración extra de alimento. Esta declaración es en cierto modo similar a la del tirano de la gran novela de Gogol, Almas Muertas, de la que quizás toma el nombre sin saberlo. Aunque con un fin muy distinto, el Kane de Gogol compraba los nombres de los campesinos muertos para que el estado le asignara una extensión mayor de terreno.

Me invade una sensación extraña, por partida doble. Todos estos ancianos hablan de su suerte, puesto que salieron con vida de semejantes actos de crueldad. Pero cuando la cámara de Bing los muestra hoy, nos desvela que todos han muerto, que este discurso tan intensamente doloroso, tan revelador de una deshumanización absoluta, ha concluido para siempre. “La vida es un circo”, afirma uno de ellos.

Por otra parte, el film muestra con certeza que la fuerza del pensamiento de algunos de los supervivientes mantiene una estrecha relación causa-efecto con el hecho de seguir con vida: la mente vuela por encima de los acontecimientos. Esas declaraciones extraordinarias tan vinculadas al pensamiento mágico, – a la fe, al destino, al amor-, son las que les han permitido volver a estar hoy aquí, en la sala de la Soixantième de Cannes, entre nosotros. Perdurarán en nuestra memoria.

Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Treinta y seis años después de la proyección de 1982, que fue decisiva para la película y para la trayectoria de su autor, A Ilha dos Amores (La Isla de los Amores) vuelve a Cannes como un “clásico”. Hay que celebrar este regreso, recordando su modernidad radical y ese gesto inmenso de cine poético que subraya tanto la singularidad de un contexto (el cine portugués en los años siguientes a “la revolución de los claveles” y las creaciones auténticamente libres de algunos de sus principales cineastas) como la filmografía extraordinaria de su autor.

Esta proeza cuya preparación duró una década y media, es el punto de partida de los caminos que constituyen la base de la obra de Paulo Rocha, fundador del “Cinema Novo” portugués que desde su origen se sintió atraido por las pulsiones al límite de la cultura popular por una parte, y por otra, por la cultura asiática, principalmente la japonesa.

Rodada en Japón y Portugal, preparada durante más de una década, el autor trata en esta película la vida y obra de una de las figuras históricas que más le atraían, el escritor y oficial de marina Wenceslao de Moraes (muerto en Japón en 1929). Es decir, tal y como sucede con frecuencia en el cine de Rocha, alguien que representa una ambición humana y cultural que no se restringe a las fronteras del propio país, y permite al cineasta afrontar tensiones propias, siempre dividido entre sus fuertes raíces locales y la necesidad de alejamiento de las mismas.

Es uno de los ejemplos de puesta en escena, de dirección rigurosa y sofisticada de Rocha, así como uno de los grandes trabajos del actor Luis Miguel Cintra, un gran nombre del teatro portugués de las últimas décadas; su cuerpo y su voz se hallan en el corazón del cine portugués de la modernidad.

Traducción del texto introductorio de José Manuel Costa. Director de la Cinemateca Portuguesa-Museu do Cinema.

Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Beatriz Moreno
P H O T O G R A P H E
T (+33) 789 030 888
beatriz-moreno.format.com

La 71 edición del Festival de Cine de Cannes comienza con la producción española español Todos lo saben, dirigida por el iraní Asghar Farhadi y protagonizada por Javier Bardem, Penélope Cruz, Ricardo Darín, Eduard Fernández y Bárbara Lennie, que desfilan por la alfombra roja. El escándalo Weinstein que sigue latiendo y podría ser la consecuencia del significativo acento feminista de esta edición; la ausencia de Netflix en la sección oficial; la prohibición de hacerse selfies en la alfombra roja y la nueva normativa para la prensa acreditada en favor del público marcan el arranque de la presente edición. La presencia de producciones españolas alcanza un mayor protagonismo este año con sendas películas en la inauguración, Todos lo saben, y clausura, El hombre que mató a Don Quijote, de Terry Gilliam. Fuera de competición se estrena Un día más con vida, del español Raúl de la Fuente y el polaco Damian Nenow, y a la Quincena Jaime Rosales, llega Petra, mientras que Arantxa Echevarría presenta Carmen y Lola, los amores lésbicos de dos chicas gitanas. El jurado, presidido por la actriz Cate Blanchett y con mayoría de representación femenina, está conformado por las actrices Kristen Stewart y Léa Seydoux, la guionista Ava DuVernay y la cantante Khadja Nin; así como el actor Chang Chen y los directores Andrei Zviaguintsev, Denis Villeneuve y Robert Guédiguian. Édouard Baer, excéntrico maestro de ceremonias, marca el tono del certamen con una edición que se presenta fresca y sorprendente. En el programa: 21 películas, 14 nacionalidades, nuevos rostros y homenajes a los grandes del cine.

Sección oficial CANNES 2018

• Ahlat Agaci, del Nuri Bilge Ceylan
• Ash Is Purest White, de Jia Zhang-Ke
• At War, de Stéphane Brizé
• Ayka, de Sergey Dvortsevoy
• BlacKkKlansman, de Spike Lee
• Burning, de Lee Chang-dong
• Capernaum, de Nadine Labaki
• Cold War, de Pawel Pawlikowski
• Dogman, de Matteo Garrone
• Girls of the Sun, de Eva Husson
• Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher
• Le Livre d’Image, de Jean-Luc Godard
• Netemo Sametemo: Asasko I & II, de Ryusuke Hamaguchi
• Shoplifters, de Kore-Eda Hirokazu
• Sorry Angel, de Christophe Honoré
• Summer, de Kirill Serebrennikov
• Three Faces, de Jafar Panahi
• Un couteau dans le coeur, de Yann González
• Under the Silver Lake, de David Robert Mitchell
• Yomeddine, de A.B. Shawky

El Festival de Cine de Cannes se posiciona en favor del director británico Terry Gilliam en el conflicto que mantiene con el ex productor Paulo Branco, y denunció las «intimidaciones» de este para que El hombre que mató a Don Quijote no se proyecte en la clausura del certamen. Alfama Films, controlada por Branco y antigua productora del proyecto de Gilliam, ha solicitado al juez que prohíba la exhibición del filme porque, en su opinión, viola los derechos de difusión de la obra. El Festival, según el comunicado firmado por su presidente, Pierre Lescure, y su delegado general, Thierry Frémaux, «respetará la decisión» del tribunal que resolverá sobre esta demanda el próximo 7 de mayo «sea cual sea«, pero reitera su apoyo a Gilliam. Los representantes del certamen destacan que los abogados de Branco les han prometido una «derrota deshonrosa«, y dijeron que la única derrota «sería ceder a la amenaza«. Paulo Branco, por su parte, afirma que «el Festival de Cine de Cannes no está por encima de la ley y la virulencia y agresividad mostrada no cambiará nada«, en un comunicado enviado por su productora Alfama Films, con sede en París. Branco recuerda que ya hay tres decisiones judiciales favorables a su versión y refuta que haya intimidado a nadie por el hecho de recurrir a los tribunales. El productor juzga además «indecente» que Cannes haya comparado la situación de Gilliam con la de directores perseguidos en sus países por su forma de pensar.

Las autoridades kenianas han prohibido el estreno de una película cuya trama gira en torno a una historia de amor entre dos mujeres y que se estrenará en el Festival de Cine de Cannes, dentro de la sección «Una cierta mirada» y han justificado su decisión con el argumento de que la cinta promociona el lesbianismo. El filme, titulado Rafiki, una palabra que significa «amigo» en suajili, se convirtió esta semana en la primera película keniana en recibir una invitación para participar en el prestigioso festival de cine francés. Sin embargo, el Consejo de Clasificación de Películas de Kenia ha anunciado este viernes que prohíbe su estreno. «Cualquier persona a las que las autoridades encuentren en posesión de una copia de esta película estará violando la ley«, asegura el Consejo en un mensaje de Twitter. Para implementar esta medida, el organismo se ha basado en una ley de la época colonial bajo la cual el sexo entre personas del mismo sexo está penado con hasta 14 años de cárcel. «Estoy bastante decepcionada ya que los kenianos ya tienen acceso a contenido LGBT en Netflix y en filmes extranjeros y el contenido en sí está permitido por la clasificación del Consejo«, se lamenta la directora de la película, Wanuri Kahiu. «Así que el hecho de que prohíban una película keniana porque trata un tema que está teniendo lugar en la sociedad parece una contradicción«, añade la cineasta.

Cannes Classics continúa su trabajo de exploración de la historia del cine, con documentales producidos en 2018 y largometrajes presentados por productores, distribuidores, fundaciones, cinematecas, propietarios de derechos que trabajan por preservar el pasado para revivirlo en el presente, al proyectar películas del patrimonio en versión restaurada 2K y 4K o una recreación fotoquímica excepcional. Los protagonistas de la presente edición serán dos mujeres de la historia del cine, Alice Guy y Jane Fonda, los 50 años de 2001: Una odisea del espacio vistos por Christopher Nolan, un ensayo de Mark Cousins sobre Orson Welles, el homenaje a Bergman de Margarethe von Trotta, Fernando Solanas y La hora de los hornos: Notas y testimonios sobre el neocolonialismo, la violencia y la liberación, el reestreno de Cinq et la peau de Pierre Rissient, el patrimonio africano, tesoros desconocidos y obras maestras reconocidas. La mayoría de las películas se proyectarán en la sala Buñuel, la sala Soixantième o en el Cine de la Playa. Todas las proyecciones serán presentadas por directores, artistas o responsables de las restauraciones, o bien por profesionales procedentes de los archivos o de las cinematecas.

Para celebrar el 50 aniversario de la película de Stanley Kubrik 2001: Odisea del espacio, Christopher Nolan, director de Dunkerque, presenta una restauración de la famosa cinta de ciencia ficción tomada de los negativos originales de la película de 1968. De esta forma, el director británico ha conseguido una versión en alta resolución que se proyectará el próximo 12 de mayo en el Festival de Cine de Cannes. En la web del filme, Nolan deja un comunicado en el que asegura que «esta impresión de 70 mm surgió de nuevos elementos de impresión a partir de los negativos originales» y añade que es una » verdadera recreación de los negativos«. Después de su proyección en Cannes, el filme iniciará una gira por Estados Unidos aunque todavía se desconocen las fechas y los lugares de proyección de la misma.

+ info

El director danés Lars von Trier, que en 2011 fue declarado por el certamen «persona non grata» por sus comentarios sobre Hitler en la rueda de prensa de presentación de su filme Melancholia, volverá en esta edición del Festival de Cine de Cannes con un filme fuera de competición. El cineasta presentará The house that Jack built, una cinta de horror psicológico protagonizada por Matt Dillon y Uma Thurman. El avance de su vuelta en la 71 edición, que se celebrará entre los próximos 8 y 19 de mayo, se produce dentro del anuncio de los filmes que completarán la selección oficial. En competición, se añaden Un couteau dans le coeur, del francés Yann González, con Vanessa Paradis; Ayka, del kazajo Sergey Dvortsevoy, y Ahlat Agaci, del turco Nuri Bilge Ceylan, Palma de Oro en 2014 por Winter Sleep. La competición contará en total con 21 filmes.

El hombre que mató a Don Quijote, la película maldita de Terry Gilliam, clausurará de su 71º edición del Festival de Cine de Cannes fuera de concurso el 19 de mayo. El filme, que se rodó en parte en Fuerteventura el pasado 2017, en los municipios de La Oliva y Tuineje, y en el que participa la productora española Tornasol Films, presenta a Jonathan Pryce en el papel de Don Quijote de la Mancha y a Adam Driver como su fiel escudero Sancho Panza, pero su trama borda un trasunto metacinematográfico de los propios avatares de Gilliam en el rodaje. Gilliam comenzó a trabajar en una versión libre de la obra cumbre de Cervantes a finales de los 90, pero una sucesión de catastróficas desdichas se confabuló en su contra en el transcurso de los años, desde desacuerdos económicos a batallas legales, contratiempos con los sets y hasta una doble hernia discal de quien iba a ser su actor principal, el francés Jean Rochefort.

El director ruso de cine y teatro Kiril Serébrennikov no podrá acudir al Festival de Cine de Cannes, donde competirá por la Palma de Oro con Leto (El verano), debido a que la Justicia prolonga su arresto domiciliario hasta el 19 de julio. Un tribunal de Moscú satisfiza así las demandas de la Fiscalía y del Ministerio de Cultura contra Serébrennikov, cuyo arresto concluía mañana, jueves. Previamente, las autoridades únicamente permitieron al director abandonar su arresto en febrero pasado para asistir al funeral de su madre. El director del certamen francés, Thierry Frémaux, podría pedir en los próximos días al presidente ruso, Vladímir Putin, que permitiera al director acudir a Cannes. Serébrennikov, que fue detenido en agosto de 2017 y ha recibido el apoyo de numerosas personalidades de la cultura rusas y extranjeras, niega las acusaciones, que considera una «tremenda injusticia«.

Frente a una competición con un perfil renovado, que presenta cineastas que acuden por primera vez, el jurado de la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 8 al 19 de mayo, estará formado por cinco mujeres y cuatro hombres, procedentes de siete nacionalidades y cinco continentes, bajo la presidencia de Cate Blanchett. Le acompañarán en las deliberaciones a Blanchett la directora y productora estadounidense Ava DuVernay, la autora, compositora y cantante de Burundi Khadja Nin, y dos actrices, la estadounidense Kristen Stewart y la francesa Léa Seydoux, que recibió la Palma de Oro en 2013 por La vida de Adèle. También formarán parte el actor taiwanés Chang Chen y tres directores, el ruso Andrey Zvyagintsev, el francés Robert Guédiguian y el canadiense Denis Villeneuve.

Los cineastas españoles Jaime Rosales y Arantxa Echevarría figuran entre los seleccionados para la próxima edición de la Quincena de Realizadores, integrada dentro de Festival de Cine de Cannes, y que este año celebra su 50ª edición. Se trata de la quinta participación de Rosales en el Certamen tras debutar en 2003 con su primer largometraje, Las horas del día. En esta ocasión exhibirá Petra, filme protagonizado por Bárbara Lennie, Àlex Brendemühl y Marisa Paredes, que narra la historia de una búsqueda convertida en tragedia, un camino cruel y sin retorno hacia la verdad que desata una espiral de maldad, secretos familiares y violencia para sus protagonistas. Según los organizadores del certamen ha sido seleccionada porque ofrece «una visión inédita de España«. Por su parte, la bilbaína Echevarría proyectará su ópera prima, Carmen y Lola, un filme de amor entre dos adolescentes gitanas que luchan por sacar adelante su relación a pesar de las discriminaciones sociales en una cultura donde la homosexualidad es un tabú.

Largometrajes seleccionados

• Pájaros de verano, de Ciro Guerra & Cristina Gallego (inauguración)
• Amin, de Philippe Faucon
• Climax, de Gaspar Noé
• Carmen y Lola, de Arantxa Echevarria
• Cómprame un revólver, de Julio Hernández Cordón
• Les Confins du monde, de Guillaume Nicloux
• El motoarrebatador, de Agustín Toscano
• En liberté!, de Pierre Salvadori
• Joueurs, de Marie Monge
• Leave No Trace, de Debra Granik
• Los silencios, de Beatriz Seigner
• The Pluto Moment (Ming Wang Xing Shi Ke), de Ming Zhang
• Mandy, de Panos Cosmatos
• Mirai, de Mamoru Hosoda
• Le Monde est à toi, de Romain Gavras
• Petra, de Jaime Rosales
• La Strada dei Samouni, de Stefano Savona
• The Load, de Ognjen Glavonic
• Dear Son, de Mohamed Ben Attia
• Troppa grazia, de Gianni Zanasi (clausura)

La 57 Semana de la Crítica anuncia los siete títulos que conformarán la sección oficial de este año y que se celebrará del 9 al 17 de mayo durante el 71 Festival de Cine de Cannes. El delegado general Charles Tesson anuncia las películas en competición, cinco de ellas óperas primas, que serán juzgados por el jurado presidido por Joachim Trier. La selección del 2018 cuenta con cuatro largometrajes fuera de competición: Shéhérazade, del francés Jean-Bernard Marlin y Nos bataille,s del belga Guillaume Senez que se verán en dos proyecciones especiales, mientras que Wildlife, el debut como director del actor estadounidense Paul Dano, será la película de inauguración, y la comedia Guy, del francés Alex Lutz, la de clausura.

Competición

• Chris the Swiss, de Anja Kofmel (Suiza, Croacia, Alemania, Finlandia)
• Diamantino, de Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt (Portugal, Francia, Brasil)
• One Day, de Zsófia Szilágyi (Hungría),
• Fugue, de Agnieszka Smoczyńska (Polonia, República Checa, Suecia)
• Woman at War, de Benedikt Erlingsson (Islandia, Francia, Ucrania)
• Sauvage, de Camille Vidal-Naquet (Francia)
• Sir, de Rohena Gera (India, Francia)

Jean-Luc Godard figura entre los seleccionados dentro de la sección oficial de la 71 edición del Festival de Cine de Cannes. El delegado general del certamen, Thierry Frémaux, señala en la rueda de prensa que Godard presentará Le livre d’image en una edición en la que el cartel es una escena de otra de sus película, Pierrot el loco. También destaca la presencia de Jia Zhang-Ke, con Ash Is Purest White; Spike Lee, con BlacKkKlansman; Hirokazu Kore-Eda, con Shoplifters; y Jafar Panahi, con Three Faces. Los organizadores visionaron un total de 1906 largometrajes para hacer su criba y, según Frémaux, el conjunto refleja bien la vitalidad del arte cinematográfico. La edición de este año ha estado marcada por la decisión de Cannes de que los filmes de plataformas audiovisuales solo puedan estar presentes en los apartados de fuera de competición a no ser que estrenen sus proyectos en salas de cine de Francia. Esto llevó este miércoles a Netflix a anunciar que no exhibirá sus películas este año, alegando su voluntad de que sus películas estén en igualdad de condiciones que el resto. La 71 edición del certamen se celebrará entre los próximos 8 y 19 de mayo y el jurado de su competición oficial estará presidido por la actriz y productora australiana Cate Blanchett.

Sección oficial CANNES 2018

• Ash Is Purest White, de Jia Zhang-Ke
• At War, de Stéphane Brizé
• BlacKkKlansman, de Spike Lee
• Burning, de Lee Chang-dong
• Capernaum, de Nadine Labaki
• Cold War, de Pawel Pawlikowski
• Dogman, de Matteo Garrone
• Girls of the Sun, de Eva Husson
• Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher
• Le Livre d’Image, de Jean-Luc Godard
• Netemo Sametemo: Asasko I & II, de Ryusuke Hamaguchi
• Shoplifters, de Kore-Eda Hirokazu
• Sorry Angel, de Christophe Honoré
• Summer, de Kirill Serebrennikov
• Three Faces, de Jafar Panahi
• Under the Silver Lake, de David Robert Mitchell
• Yomeddine, de A.B. Shawky

Después de que Thierry Frémaux, director del Festival de Cine de Cannes, anunciase que Netflix no podría participar en la sección oficial, la plataforma de streaming rompe relaciones definitivamente con el Certamen. La ruptura se confirma en una entrevista en la revista especializada Variety, en la que el director de contenidos de Netflix,Ted Sarandos, asegura que la compañía retirará todas las producciones previstas para esta 71 edición, que se celebrará del 8 al 19 de mayo y cuya selección oficial se conocerá mañana jueves, debido a la estricta reglamentación del certamen francés. En la conversación, Sarandos se refiere en concreto a la nueva regla decretada por el certamen que impide que un filme que no haya sido estrenado en los cines de Francia pueda participar en la competición. La polémica renace un año después de que la plataforma fuera duramente criticada por presentar al certamen dos cintas (Okja, de Bong Joon-ho y The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach) que se estrenaron con su protocolo habitual: prioridad absoluta del lanzamiento online, y debut en salas muy reducido o casi inexistente. Netflix dice no tener inconveniente en estrenar sus producciones en las salas francesas, pero no a que haya un plazo de 36 meses para que estén disponibles en streaming, lo que es impensable para la forma de actuar del servicio estadounidense y su modelo de negocio.

Netflix amenaza con no participar este año en el Festival de Cine de Cannes después de que el certamen modificara su normativa, exigiendo a todas las películas que contasen con distribución en salas francesas El 12 de abril Cannes anunciará las películas que conformarán su sección oficial y queda por ver la forma en que se resolverá esta nueva polémica, sobre todo teniendo en cuenta cómo la plataforma de vídeo en streaming está atrayendo cada vez a más cineastas de primer nivel. El año pasado, Netflix contó con dos películas entre las candidatas a llevarse premios en Cannes: The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach y Okja, de Bong Joon-Ho. El director ejecutivo de Netflix, Reed Hastings, se ha pronunciado al respecto de la polémica en Facebook: «El cierre del Festival ha sido en nuestra contra. Puedes ver Okja en Netflix, una película magnífica que los cines quieren bloquearnos para que no seamos competencia en Cannes«.

El nuevo filme del director iraní Asghar Farhadi, Todos lo saben, inaugurará el próximo 8 de mayo la 71ª edición del Festival de Cine de Cannes. La película está protagonizada por Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín y Eduard Fernández y es el segundo título rodado en castellano en inaugurar el festival después de que La mala educación, de Pedro Almodóvar, hiciera lo propio en 2004. Farhadi, que rodó la película en diferentes localizaciones de Madrid ya había presentado anteriormente dos películas en competición en la Croisette, El viajante en 2016 y El pasado en 2013. La película relata la historia de Carolina, quien viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos que cambiarán por completo sus vidas. El Certamen se celebrará del 8 al 19 de mayo y en su 71ª edición el jurado estará presidido por Cate Blanchett. Así mismo, se anuncia que el actor Benicio del Toro presidirá el jurado de la sección «Una cierta mirada».

Cannes Classics presentará, en primicia mundial, la versión original en 70mm de la película de Stanley Kubrick que revolucionó la ciencia ficción, 2001: Una odisea del espacio. La proyección, que tendrá lugar el sábado 12 de mayo de 2018, será presentada por Christopher Nolan. Miembros de la familia de Stanley Kubrick también asistirán a la proyección; entre ellos, su hija Katharina Kubrick y su coproductor de toda la vida y cuñado, Jan Harlan. Christopher Nolan también participará en una clase magistral el domingo 13 de mayo de 2018, en el transcurso de la cual abordará su filmografía y compartirá su pasión por la singular obra de Stanley Kubrick. Por primera vez desde su estreno inicial, se ha confeccionado una copia nueva en 70mm a partir de elementos del negativo original. Se trata de una recreación fotoquímica fiel, sin retoques digitales, efectos remasterizados o modificaciones de montaje. La que se presentará será la versión original, con el objetivo de recrear la experiencia cinematográfica que vivieron los primeros espectadores de la película hace 50 años.

La crítica internacional manifiesta su preocupación ante la posibilidad de que en la 71 edición del Festival de Cine de Cannes los filmes en competición por la Palma de Oro no se puedan ver antes del estreno. La Federación Internacional de Críticos de Cine (Fipresci) se suma a la inquietud ya expresada por el sindicato francés de críticos sobre el posible fin de las proyecciones previas para la prensa en el Certamen, que en su opinión dificultará su labor. Fipresci publica una carta dirigida a los organizadores para hacerse eco de la preocupación de sus asociaciones miembro, representantes de 52 países. «¿Podrían ser tan amables de informarnos con detalle sobre cómo serán programadas las proyecciones de prensa este año?«, pide Fipresci en la misiva dirigida a Thierry Frémaux, delegado general del Festival, y al servicio de prensa del certamen. Los críticos «deben ser informados lo más rápidamente posible con el fin de adaptarse a los cambios y tomar las medidas» necesarias para no retrasar la difusión de sus artículos, reza la carta. Alin Tasciyan, presidenta de la Fipresci, sugiere en ella «imponer un embargo» para la publicación de artículos sobre las películas que se estrenan diariamente, de manera que se puedan mantener las proyecciones previas para la prensa.